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UN HOMBRE LLAMADO NOON


Un hombre llamado Noon
1973
España/ Italia/ Reino Unido
Director: Peter Collinson
Guión: Louis L'Amour, Scott Finch, Antonio Recoder
Fotografía: John Cabrera
Música: Luis Bacalov

Reparto:
Richard Crenna, Stephen Boyd, Rosanna Schiaffino, Farley Granger, Patty Shepard, Ángel del Pozo, Howard Ross, Aldo Sambrell, José Jaspe, Charlie Bravo, Ricardo Palacios, Fernando Hilbeck, José Canalejas, Julián Ugarte, Adolfo Thous, Barta Barri, Cesar Burner, Bruce M. Fischer, Manuel de Blas

Un individuo es tiroteado y herido en la cabeza. Como consecuencia de ello pierde la memoria, por lo que a partir de ese momento, y ayudado por un simpático bandido, intentará descubrir quién es y por qué le quisieron matar. A medida que avancen sus investigaciones irán aumentando sus sospechas de que en realidad es un temible pistolero llamado Noon.

Curiosa y, para mí, fallida coproducción entre España, Italia y Reino Unido dirigida en 1973 por el prematuramente desaparecido Peter Collinson (realizador británico en cuyo haber se encuentran películas tan conocidas como “Un trabajo en Italia” objeto de un remake protagonizado por Mark Whalberg en 2003 y una versión de “Diez negritos” plagada de estrellas internacionales como Orson Welles y Oliver Reed) y, de nuevo, basada en una obra de Louis L’Amour (prolífico autor de novelas del oeste que ha sido llevado a la gran pantalla con cierta asiduidad: “Hondo”, “Colinas ardientes”, “Kid Rodelo”, “Shalako”, “Catlow”).

La película cuenta con algunos aspectos novedosos que son de agradecer máxime si se tiene en cuenta que en su fecha de realización el spaghetti estaba dando sus últimas bocanadas. Así nos encontramos con una historia más propia del cine de suspense, que nos presenta a un individuo en busca de su identidad, que del western; por lo que al contrario de la mayoría de los spaghettis se va a dar mayor importancia al desarrollo de la trama que a la acción en sí. De hecho, aparte del enfrentamiento final, sólo hay un tiroteo a lo largo del film (el que tiene lugar en la fortaleza en donde se rodó “Una razón para vivir y otra para morir”).

La atmósfera también más propia del thriller o, incluso, del cine de terror que se despide de varias escenas, como el interesante inicio del film mientras vemos los títulos de crédito o la aparición de Patty Shepard que parece un ser de ultratumba, y la proliferación de escenas nocturnas que acentúan la sensación de peligro, aunque se nota que fueron rodadas a pleno día con utilización de filtros de color azul, recurso que personalmente no me gusta.
Además en su haber creo que cuenta con una buena y variada banda sonora de Luis Bacalov en la que destacan un tema melódico deudor de Ennio Morricone, otro más épico que recuerda a ciertos trabajos del gran Elmer Bernstein y otros que sirven para acentuar esa atmósfera de misterio, y con abundantes localizaciones gracias a un presupuesto más holgado (curiosamente los eurowesterns británicos que he visto como los nombrados “Shalako” y “Catlow”, también producidas por Euan Lloyd, o “Caza implacable” y “Hannie Caulder”, se caracterizan por este hecho) lo que le permite al director rodar en variados exteriores. Pero la película falla en lo principal: el guión, la dirección y el actor principal.

En primer lugar el guión obra de Scott Finch (un especialista en adaptar novelas de L’Amour) es bastante retorcido y a medida que se desarrolla la historia se embarulla cada vez más con distintos giros y sorpresas como el de la verdadera personalidad del pistolero amnésico o el botín de 250.000 escondido en el rancho. Además creo que cuenta con ciertas incoherencias pero no podría afirmarlo porque en algún momento de la película me llegué a perder. Y a todo ello hay que añadir un torpe desarrollo de la trama con abundantes tiempos muertos o la existencia de ciertas situaciones ridículas o tópicas como por ejemplo la forma en que recobra el protagonista la memoria.

En cuanto a la dirección de Collinson cabe señalar que formalmente es correcta, incluso se aprecia una cierta preocupación por el encuadre y la composición de las escenas, y se aleja de los caminos más trillados del spaghetti (creo que no hay ningún zoom y tampoco aparecen los típicos planos cortos alargados hasta la extenuación) pero no consigue dotar al film, salvo en escenas puntuales, de la tensión requerida, por lo que éste termina siendo, por lo menos para mí, bastante aburrido; además de apreciarse en el tiroteo final, rodado de forma vulgar, que este género no era lo suyo. Por lo que respecta a Richard Crenna, actor que en su tercera incursión en este subgénero da vida a Noon, muestra que era un profesional demasiado limitado para dar vida a personajes tan complejos como éste, siendo incapaz de transmitir los sentimientos de Noon a medida que va descubriendo la verdad.

Respecto al resto del reparto, de carácter internacional, nos encontramos con el irlandés Stephen Boyd (nominado al Oscar por su papel de Messala en Ben-Hur) que es de lo mejor de la película en su rol de Rimes, el bandido que ayudará a Noon aunque no sabremos las razones (el mismo le dice que le ayuda porque “Soy bueno por naturaleza”); con la italiana Rosanna Schiaffino, bastante convincente como Fan Davidge dueña del rancho Rafter D. que se ha convertido en el refugio de los bandidos (aquí el paralelismo con “Encubridora” es evidente, aunque en el magnífico western de Lang Marlene Dietrich era la líder, mientras que aquí Fan está presa en su propio rancho); la española Patty Shepard, un tanto excesiva, en el papel de la enloquecida, violenta y ambiciosa Peg que me recordó al papel de Mercedes McCambridge en “Johnny Guitar” (incluso hay un enfrentamiento al final entre ambas mujeres aunque con peores resultados que en el film de Nicholas Ray) y al norteamericano Farley Granger (actor que llegó a rodar bajo la dirección de Hitchcock o del citado Ray) que, en plena decadencia artística, da vida a un patético, ridículo y ambicioso juez. Junto a ellos, en papeles escasamente relevantes, algunos habituales como Aldo Sambrell, José Canalejas o Ricardo Palacios.

RICHARD CRENNA

Actor, director televisivo y ocasional productor estadounidense (1926 California-2003 California) cuyo verdadero nombre era Richard Donald Crenna y que también utilizó los nombres de Dick Crenna (para sus trabajos como director televisivo) y Richard McKenna. Nacido en una familia humilde de origen italiano con tan sólo once años comenzará a participar en programas para la radio y en 1951 debuta en el cine con la película “Let’s dance” típico musical protagonizado por Fred Astaire. La década de los cincuenta y los primeros años de la de los sesenta vendrán marcados por su participación en dos series televisivas de gran éxito: “Our Miss Brooks” en la que durante 90 episodios interpretará a Walter Denton personaje del que no podrá escapar totalmente (durante los años ochenta y noventa imitó en varias entrevistas de radio la peculiar voz del personaje y en el largometraje de 1993 “Hot shots 2” interpretó al coronel Walter Denton) y la mítica “The real McCoys” historia de una peculiar familia que se mudaba de Virginia a California, en la que encarnó, durante 163 episodios y de 1957 a 1963, a Luke el nieto mayor del patriarca Amos, magistralmente interpretado por Walter Brennan.

Durante la segunda mitad de los sesenta participa en largometrajes de gran éxito como “El Yang-Tsé en llamas” drama bélico ambientado en la convulsa China de 1925 dirigida por Robert Wise y protagonizada por Steve McQueen y Candice Bergen, “Sola en la oscuridad” estupendo thriller de Terence Young con Audrey Hepburn, “Star” biografía de la actriz Gertrude Lawrence dirigida por Robert Wise y protagonizada por Julie Andrews o “Atrapados en el espacio” superproducción de ciencia ficción realizada por John Sturges que contó con un gran elenco encabezado por Gregory Peck, Gene Hackman y David Janssen. Se incorporó tardíamente al spaghetti western con la coproducción italo-israelí-estadounidense dirigida en 1971 por Burt Kennedy “La Quebrada del Diablo”, para protagonizar otros dos eurowestern entre 1971 y 1973.

Durante esta década sigue trabajando a buen ritmo alternando papeles para la gran pantalla con sus numerosas apariciones en series de televisión como “Centennial”, clásica epopeya que adaptaba una novela río de James Michener sobre la conquista del oeste o “Double indemnity”, remake para la pequeña pantalla de la soberbia “Perdición”, en la que encarnaba al personaje que en su día dio vida Fred McMurray. En la década de los ochenta participará en el gran thriller con aroma a cine negro clásico de Lawrence Kasdan “Fuego en el cuerpo” que lanzó al estrellato a Katleen Turner y William Hurt y encarnará a dos de sus personajes más populares: el coronel Samuel Trautman en la infravalorada “Acorralado” junto a Silvester Stallone, personaje que volverá a interpretar en las inferiores “Rambo” y “Rambo III”; y el detective Frank Janek con el que protagonizará siete películas para televisión entre 1985 y 1994.

Durante la década de los noventa, y hasta el año de su fallecimiento a causa de un cáncer de páncreas, continúa trabajando centrando su carrera en la pequeña pantalla aunque también aparece en largometrajes como “Jade” (1991) película de suspense dirigida por William Friedkin y con guión Joe Esterzhas (guionista muy popular en esa década gracias a “Instinto básico”) o “Sabrina y sus amores” (1995) remake de la comedia de Billy Wilder realizado por Sidney Pollack, siendo su última aparición en la película para la televisión “Out of the ashes”. En total participó en más de ciento diez películas como actor y doce como director, y cuenta con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Filmografía SW:

1971- La Quebrada del Diablo
1971- Catlow (El oro de nadie)
1973- Un hombre llamado Noon

LA CAZA DEL ORO


La Caza del oro
España/Italia
1972
Director: Juan Bosch
Guión: Juan Bosch, Fabio Piccioni, Sergio Donati
Fotografía: Julio Pérez de Rozas
Música: Marcello Giombini

Reparto:
Anthony Steffen, Daniel Martín, Tania Alvarado, Fernando Sancho, Manuel Guitián, Gustavo Re, Gaspar 'Indio' González, Ricardo Moyán, Juan Miguel Solano, Antonio Ponciano, Luis Induni, Ángel Lombarte, Juan Torres, Ivan Patino, Irene D'Astrea, Jarque Zurbano, Carmen Roger, Raf Baldassarre, Juan Patiño, Juan Antonio Rubio

Dean Carver es un viejo ladrón que lleva 20 años en la prisión por haber robado y escondido 28 saquitos de oro.
El mismo dia que acaba su condena y va a ser liberado, aparecen cinco pistoleros en la puerta de la prisión esperando a que salga. Entre ellos se encuentra Trash Benson, posiblemente el más rápido de todos.
Oliendoselo todo, el viejo Carver logra que no le dejen en libertad al atacar y destrozar el despacho del alcaide de la prisión. Benson logrará entrar en la prisión liberando a Carver con la ayuda de Paco, un mexicano compañero de celda del viejo. Los tres se unirán para esquivar a los guardias, a los cuatros pistoleros, e ir a rescatar y repartirse el oro.

Juan Bosch, director catalán, nos presenta un spaghetti que, como en la mayoría de sus trabajos en el genero, forman parte de la serie B del eurowestern marcada por un presupuesto limitadisimo, que queda patente desde el atrezzo hasta los extras o los decorados. Esta es precisamente una de las razones que la mayoría de los directores españoles de aquellos westerns alegan en su defensa del resultado final frente a los italianos, que no es otra que por norma general estos últimos contaban con el doble del presupuesto para sus películas, hecho que a la postre lastraba el producto resultante.

Anthony Steffen protagoniza "La caza del oro". Ataviado con una capa y una indumentaría muy parecida a la usada por él mismo en "Django el Bastardo", su Trash Benson está completamente alejado de ser un héroe. Ni siquiera es una persona de "dudosa" moral, ya que al principio de la película es reconocido como pistolero perseguido por la ley, y de los más peligroso. Y así lo demostrará a lo largo de la historia, cuando su único objetivo será lograr los saquitos de oro.

Daniel Martín es Paco. Su personaje es un mexicano inofensivo, incapaz de disparar ni de matar a nadie. Eso no le evitará ser de mucha utilidad para Benson, así que logrará cerrar un pacto con él para localizar juntos el oro y repartírselos.

Aunque en un primer momento los socios logran esquivar a sus perseguidores junto con el viejo Carver, el asunto se les complica cuando al encontrarse con una caravana de mujeres de vida "ajetreada", a Carver le da un ataque al corazón por las atenciones de una de ellas, y solo alcanza a escribir en un papel donde escondió el oro para despues morir al momento. Tras observar el papel, Benson ordena a Paco que lo memorice, para unos segundos después quitárselo de las manos y quemarlo para que nadie más lo pueda encontrar. Llegado el momento de ir en buscar del oro, Paco le reconoce a su compañero que no ha memorizado el sitio porque él no sabe leer. Bensón grita y gesticula...!él tampoco sabe leer!.

Rodada con algunos toques de humor, sin llegar a la auto-parodia, unida a bastantes tiroteos y muertes, "La Caza del oro" es una aventura entretenida y amena, sin más pretensiones que divertir al espectador durante los 80 minutos de su visionado. Juan Bosch sabe sabiamente entrelazar esa disparidad de estilos que van desde el spaghetti oscuro de los primeros años, pasando por el cine de aventuras del Zapata-western, a la ya comentada faceta más humoristica sin caer en la comedia enloquecida sin ninguna gracia.

Para ello se sirve del contrapunto de los dos protagonistas, siendo Benson el que aporta plomo y Paco diálogos ocurrentes.
Ambos actores se les ve muy metidos tanto en los papeles como en la película, y juntos crean una actuación muy notable.
Tampoco hay que olvidar al resto del reparto, sobre todo al Fernando Sancho, en un papel reducido, pero arrollador y enérgico, como era habitual en el actor.
De su parte vemos los momentos más oscuros, como el ahorcamiento de las gentes de un pueblo mexicano lanzándolos desde un campanario, o un peculiar juego al que somete a Paco y Benson, ambos con un cartucho de dinamita atada a la boca.
Raf Baldassarre, Luis Induni y Tania Alvarado también aparecen en dicho reparto formado además en su mayoría con actores españoles.

En el aspecto negativo, una tosca producción, rodada en Huesca y Barcelona que obviamente no es Almeria. La música de Marcello Giombini tampoco es que aporte mucho. Tambien hay que reconocer que algunos diálogos no terminan de funcionar bien. Sobreponiendose a todo, "La Caza del oro" es un digno spaghetti sin duda recomendable. (TEXTO 800SW)

JUAN BOSCH

Juan Bosch (Tarragona, 1925) es un director catalán que a principios de los setentas se acercó al genero y rodó un puñado de spaghetti westerns (hasta cuatro en el mismo año). Su mejor película dicen los entendidos que fue "A Sangre Fria" (1959), un thriller policíaco. En total rodó más de treintas cintas, que oscilaron entre el genero de terror, el destape, y el cine comercial. De sus nueve spaghetti westers, "Una Bala marcada" puede ser su mejor aporte.
En 1982 rodó "Caray con el divorcio", su ultimo trabajo.

Filmografia SW:

1970- La diligencia de los condenados
1971- Abre tu fosa, amigo...llega Sábata
1972- Tu Fosa será la exacta...amigo
1972- Los buitres cavarán tu fosa
1972- Una bala marcada
1972- La caza del oro
1975- Dallas
1978- la ciudad Maldita

DANIEL MARTIN

Cartagenero de nacimiento (12 de mayo de 1935) y novalense de adopción, Martín se hizo muy popular como protagonista masculino de Los Tarantos, la mítica película de 1962 con la que Francisco Rovira logró ser nominado a los Oscar de Hollywood y en la que bailaban Antonio Gades y Carmen Amaya. Tenía registradas 112 obras, entre películas y capítulos de series televisivas.

Martín había debutado en la pantalla grande con un papel menor en La espada del Cid, de Miguel Iglesias (1962), pero pocos meses después cosecharía gran popularidad gracias a Los Tarantos, donde encarnaba a Rafael, la pareja de Juana (Sara Lezama). En aquella época dorada también participó en Los felices sesenta (Jaime Camino, 1963) o Los guerrilleros (Pedro Luis Ramírez, 1963) antes de centrar gran parte de su actividad profesional en el género del spaghetti-western. Fue un secundario muy querido en su tiempo gracias a su presencia en títulos como Duelo en Texas (en la que, para incrementar el sabor americano, se acreditó como Dan Martin, sin acento), La ley del forastero, El último mohicano, Siete pistolas para Timothy o la mítica Por un puñado de dólares.

Durante la década de los 70 aún siguió cultivando la faceta de pistolero, aprovechando su físico vigoroso, pero también se dejó ver en producciones de corte bien distinto, como la controvertida Cambio de sexo, de Vicente Aranda (1977), o la fábula de ciencia ficción Espectro. Más allá del fin del mundo (1978), de Manuel Esteba, donde era el científico protagonista junto a Eduardo Fajardo. Desde que sufrió un infarto poco después de perder a un hijo en 1982, Daniel Martín había reducido mucho su actividad profesional.Pero participó de forma puntual en abundantes series televisivas: Hospital central, Éste es mi barrio, Montoyas y Tarantos, El comisario, Petra Delicado, El Quijote y, sobre todo, Calle nueva y Al salir de clase, en los que su presencia fue más constante. El pasado 30 de septiembre de 2009, fallecía en Zaragoza a la edad de 74 años.

Filmografía SW:

1963- Gringo (Duello nel Texas)
1964- Por un puñado de dolares
1965- Regresa un pistolero
1965- El último mohicano
1965- Uncas, el fin de una raza
1966- Siete pistolas para Timothy
1967- Oro maldito
1968- Un minuto para rezar, un segundo para morir
1971- El sol bajo la tierra (Anda muchacho, spara!)
1971- Demasiados muertos para Tex (Vamos a matar Sartana)
1971- El hombre de Río malo
1972- Judas... ¡toma tus monedas!
1972- La caza del oro
1972- El retorno de Clint el solitario
1974- Venganza Apache (Verano sangriento)
1976- Los locos del oro negro
1978- La ciudad maldita
1998- Un dólar por los muertos

jueves

EL DIA DE LA IRA


El dia de la ira (GIORNI DELL'IRA, I)
1967
Director: Tonino Valerii
Argumento : Del romance "Der Tod ritt Dienstags" by Ron Baker
Guión : Ernesto Gastaldi, Renzo Genta, Tonino Valerii
Director de Fotografía : Enzo Serafin
Música : Riz Ortolani

REPARTO
Lee Van Cleef, Giuliano Gemma, Walter Rilla, Christa Linder, Yvonne Sanson, Ennio Balbo, Lukas Ammann, Anna Orso, Andrea Bosic, Giorgio Gargiullo, Jose Calvo, Hans-Otto Alberty, Benito Stefanelli, Al Mulock.

Coproducción italo-alemana de 1967 que supuso la segunda y, para mí, mejor incursión de Tonino Valerii en este subgénero, director que posteriormente filmaría, entre otras, las notables “Una razón para vivir y una para morir” (1972) y “Mi nombre es ninguno” (1973), una especie de testamento cinematográfico del western clásico y del propio spaghetti.

Scott Mary es un joven bastardo que sufre todo tipo de humillaciones y burlas de los civilizados habitantes de Clifton mientras lleva a cabo su trabajo de barrendero. Tan sólo cuenta con el sueño de comprarse un revólver y convertirse en un pistolero y con la amistad de dos personajes tan marginales como él, un vagabundo llamado Bill y Murph, un viejo que en su día fue un famoso sheriff. Su situación cambiará cuando llegue al pueblo Frank Talby, un temible pistolero que le enseñará las lecciones pero no los trucos de su oficio.

Nos encontramos, para mí, ante uno de los mejores spaghettis rodados por un director distinto a Sergio Leone gracias sobre todo a un guión estupendo, inteligente, malicioso y más cuidado de lo habitual obra del propio director y del prolífico Ernesto Gastaldi que no sé si se deberá al hecho de ser una adaptación de una novela, lo que no era demasiado frecuente en este subgénero. Además cuenta con unos personajes muy bien perfilados (sobre todo los dos protagonistas pero también los secundarios, incluido el de el pistolero llamado El Santo que me pareció lo suficientemente interesante como para haber protagonizado un spaghetti) y unos estupendos diálogos, principalmente los sostenidos por Talby.

Lo primero que me llamó la atención de la película es que el espectador ve la figura del maduro pistolero a través de los ojos de Scott Mary; así al igual que éste y gracias a la magnífica escena de presentación de Talby entrando majestuosamente a caballo en el pueblo, el personaje interpretado por Lee Van Cleef consigue deslumbrarnos para poco a poco y a medida que vamos conociendo su forma de actuar, al igual que Scott, irnos desengañando al comprobar que es un ser amoral que persigue el beneficio propio sin reparar en el daño que pueda llegar a hacer.

Es, pues, en la primera parte en la que Talby aparece como un personaje atractivo, puesto que se dedicará a adiestrar en el manejo de las armas al desarraigado Scott a través de una especie de decálogo sobre la conducta del hombre de armas:

- Nunca supliques a otro hombre.

- No te fíes nunca de nadie.
- No te pongas nunca entre una pistola y su blanco.
- Los puñetazos son como los tiros, si te dan el primero ya estás listo.
- Cuando dispares contra un hombre mátalo, si no antes o después te matará él a ti.
- La bala justa en el justo momento.
- Antes de desatar a un hombre hay que desarmarlo.
- Nunca le des a un hombre más balas que las que necesita.
- El que no acepta el desafío ya lo ha perdido, y lo ha perdido de la peor forma.
- Cuando un hombre empieza a matar ya no puede detenerse.

Además, a través de las lecciones que le impartirá el veterano forajido, el alumno aprenderá a respetarse y a que le respeten, por lo que nos encontramos ante la típica narración de iniciación o aprendizaje en el que el protagonista madurará y al final tendrá que elegir que camino quiere seguir, elección que, como todas, será dolorosa.

Por otra parte, el guión tiene un claro carácter desmitificador, tanto de la sociedad que se desarrolló en el siglo XIX en los EEUU como de la figura del pistolero. Así nos encontramos con Clifton un pueblo civilizado (un personaje llega a decir que “Hace años que no se oía un disparo”) pero que se ha construido con base en la hipocresía y la mentira, puesto que las fuerzas vivas (el juez, el banquero y el dueño del saloon) no han dudado en enriquecerse a través de actividades delictivas, valiéndose de los mismos forajidos a los que desprecian y a los que, en su día, traicionaron. En cuanto a los pistoleros da una visión muy alejada de la figura romántica propia del western clásico y mucho más realista al presentárnoslos como unos profesionales que utilizan todo tipo de trucos y artimañas (cortar el cañón del revólver, modificar el percutor, evitar el sol en la cara) para sobrevivir y poder enfrentarse con éxito a aquellos que podían ser más rápidos.

Este carácter desmitificador del oeste y de sus personajes que supone una clara ruptura con el western estadounidense contrasta en cierta forma con la excelente y elegante forma de dirigir de Tonino Valerii que se caracteriza por el especial cuidado en la composición de las escenas y la ausencia de los típicos tics de este subgénero, estando más cercana al clasicismo del western norteamericano que a los excesos formales del spaghetti.

El film además contó con una buena labor en la producción de la pareja Chrosicki y Sansone, responsables también de la estupenda “De hombre a hombre”, lo que se traduce en abundantes localizaciones y en una buena labor de ambientación, y con una pegadiza banda sonora de Riz Ortolani en la que destaca el tema principal y otro que se escucha a lo largo de la película con distintas variaciones (guitarra, armónica, orquesta).

Por lo que respecta a los actores, la película cuenta con dos de los grandes intérpretes de este subgénero. Lee Van Cleff en su mejor momento (había encadenado los rodajes en Europa de sus dos películas con Sergio Leone más “El halcón y la presa” y “De hombre a hombre”) que con su habitual sobriedad da toda una lección interpretativa como Frank Talby, un personaje complejo (muestra cierto afecto por Scott pero al mismo tiempo lo utiliza para conseguir sus fines) que presenta muchas similitudes con el de Ryan en la mencionada “De hombre a hombre” ya que como éste es un hombre inteligente que extorsionará a respetables ciudadanos valiéndose del oscuro pasado de éstos y, además, hará de padre adoptivo de un joven pistolero enseñándole el oficio. Incluso se le podía ver como un antecedente de Frank en “Hasta que llegó su hora” ya que como éste es un veterano pistolero que sabe que su tiempo se está acabando y que está envejeciendo por lo que su única oportunidad de sobrevivir pasa por asentarse con un negocio legal.

En cuanto a Giuliano Gemma (actor en plena popularidad en ese momento gracias a Ringo y a Arizona) pienso que le da la réplica perfectamente a Lee Van Cleef con una actuación mucho más grave y contenida de lo que en él era habitual aunque cargada de matices, haciendo creíble la transformación de su personaje de un joven apocado a un pistolero un tanto bravucón pero con una cierta conciencia del bien y el mal, además de lucirse en el enfrentamiento final gracias a su estupenda condición física. Junto a ellos destacan tres veteranos actores: José Calvo en el rol de un vagabundo medio ciego, Walter Rilla que interpreta a Murph un viejo que le abrirá los ojos a Scott respecto al verdadero carácter de Talby y sí le enseñará los trucos de los pistoleros y Al Mullock como Wild Jack, un pistolero con una cuenta pendiente con Talby al que los honrados ciudadanos de Clifton traicionaron quedándose con todo el botín del robo, hecho que le servirá a Talby para chantajearlos.

En definitiva, un spaghetti clave con un guión magnífico que dosifica muy bien las escenas de violencia y una sobresaliente dirección (cuenta con escenas memorables como la mencionada presentación de Talby, el duelo, como si de una justa medieval se tratase, entre éste y El Santo y el enfrentamiento final en el que Scott va acabando con los secuaces de Talby mientras recita las lecciones aprendidas) cuya visión creo que es indispensable para todo aficionado a este subgénero.

GIULIANO GEMMA

Giuliano Gemma (Roma-1938) es uno de los grandes actores del genero. Aparte de ser muy agraciado, Gemma era muy ágil, con lo cual podía hacer muchas piruetas y movimientos como vemos a lo largo de todas sus películas en el genero.
Pronto comenzó su estrellato en los spaghetti westerns, a raiz de protagonizar "Una pistola para Ringo", un personaje peculiar, que llegó a tener 3 películas más para el mismo personaje. Ringo era mucho mas divertido y risueño que la mayoría de los protagonistas de los SW de esa época, y eso hizo que destacara bastante. En solo dos años rodó 7 westerns más, aupado por la fama de su estreno.

Pero en el 67 consigue uno de sus mejores papeles en "El día de la ira", junto al gran Lee Van Cleef, en el que puede ser su mejor euro western.
Siguió trabajando con asiduidad, hasta que en el 77 (ya con el genero acabando) rueda otra buena película, "California", que pone un buen punto y aparte en su periplo por las llanuras europeas.
Y digo punto y aparte porque en el 85 nos ofrece "Tex y el señor de los abismos", una adaptación de un personaje de tebeos, ambientado en el oeste. Uno de los iconos del genero, Giuliano Gemma aun sigue en la actualidad actuando en películas.

Filmografia SW:

1965- Una pistola para Ringo
1965- El Retorno de Ringo
1965- Un dólar agujereado
1965- Adíos, gringo
1966- Arizona Colt
1966- El hombre del sur
1967-Los largos días de la venganza
1967- Wanted
1967- El dia de la ira /// Reseña Adicional
1968- Por techo, las estrellas
1969- Vivos o preferiblemente muertos
1969- La muerte de un presidente
1972- Les llamaban y les llaman dos sinvergüenzas
1975- El blanco, el amarillo y el negro
1977- California /// Reseña Adicional
1978- Montura de plata (Sella d'argento)
1985- Tex y el señor de los abismos.

AL MULOCK

Actor nacido el 30 de junio de 1925 en Ontario, Canada. Comenzó una larga carrera tanto en cine como en televisión. Su trabajo le lleva hasta España para rodar algún western, y ya se queda allí a las ordenes de Leone. Durante el rodaje de "Hasta que llegó su hora", Mulock salta desde la ventana de su hotel y se suicida en mayo del 68.

Mickey Knox, guionista de dicha película, fué testigo de aquellos hechos, y los contaba así en el libro "The Good, The Bad, & the Dolce Vita (Nation Books)":

"La película movía un gran grupo de personas, y nuestra sede se encontraba en Guadix, un pequeño pueblo con mucho calor y polvo. La mayoría del equipo se alojaba en un gran edificio de tres plantas. Acabamos de regresar de una sesión de localización de exteriores, cuando se me ocurrió mirar por la ventana hacía lo que parecía un cuerpo tirado en la calle. Efectivamente, era el cuerpo de un actor, que solo aparecía en la secuencia inicial de la película.

Todavia llevaba puesto su vestuario de vaquero, y Sierra, el gerente de producción, al enterarse del suicidio, dijo "hay que conseguir el traje antes de que se lo lleven", por lo visto por indicaciones del propio Leone.
El actor no había terminado su papel y necesitaban a alguien para hacerlo, pero eso no sería problema mientras tuviera el traje del muerto. Cualquier persona de la misma altura y parecida apariencia podría terminar el rodaje por él.

En realidad, el hombre no estaba muerto, pero Leone ni lo preguntó. Él sólo se preocupaba del rodaje del día siguiente. Lo que realmente mató al actor fue el paseo en un coche de producción más un camino lleno de baches a un hospital lejano. Él nunca debió haber sido trasladado. Una costilla rota le atravesó el pulmón durante el recorrido. Más tarde supimos que el actor era un drogadicto y no podía conseguir su dosis en Guadix. Desesperado, subió a la azotea y se tiró.

Filmografía SW:

1966- El Bueno, el feo y el malo
1967- Los Despiadados
1967- El dia de la ira
1968- Hasta que llegó su hora

miércoles

DE HOMBRE A HOMBRE


De hombre a hombre (Da uomo a uomo)
1967Italia
Director: Giulio Petroni
Guionista: Luciano Vicenzoni
Fotografía: Carlo Carlini
Música: Ennio Morricone

Reparto:
Lee Van Cleef, John Phillip Law, Mario Brega , Luigi Pistilli, Anthony Dawson, José Torres, Franco Balducci, Bruno Corazzari, Felicita Fanny, Ignazio Leone, Carlo Pisacane, Angelo Susani, Vivienne Bocca, Mario Mandalari, Ennio Pagliani, José Terrón, Giovanni Petrucci, Guglielmo Spoletini, Walter Giulangeli, Elena Hall, Nazzareno Natale, Romano Puppo, Richard Watson, Archie Savage, Carla Cassola

Un niño ve como cuatro ladrones matan a su familia. Quince años después, se prepara para ir a matarlos. Pero un extraño pistolero se une a él, ya que en un principios parecen ir a por los mismos objetivos. "De hombre a hombre" es un excepcional Spaghetti western de los años buenos del genero, de produción enteramente italiana. Rodado por Giulio Petroni con una técnica envidiable, muy difícil de ver por este mundillo quitando a unos pocos.

Tomando como base la venganza, autentico motor de los spaghettis, junto con la codicia, reflejada en los hechos acaecidos a Bill (John Phillip Law) cuando era niño. En un magnifico prólogo, filmados de noche y con una copiosa lluvia, vemos la escena en la que una banda de forajidos mata a la familia del joven Bill. Él, escondido sin ser visto, observa de forma extraña la matanza, mientras se va quedado con los rostros y algunos detalles de los asesinos. Pasan los años, y el niño se convierte en un joven, que comienza a entrenarse en el manejo de las armas. Un buen día, llega a su pueblo un pistolero, de nombre Ryan (Lee Van Cleef). Al poco, Bill descubre que Ryan persigue a los hombres que mataron a su familia, así que pese a la inicial negativa de Ryan, el joven se une a el viejo pistolero.

Pese a que Bill tiene una gran maestría con las armas, aún esta muy verde, cosa que Ryan le demuestra un par de veces, en que lo deja tirado sin caballo, para evitar que este lo siga. Y es que Ryan no quiere a su lado un joven lleno de odio y venganza, ya que solo le traerá problemas. Es la extraña relación que se establece entre estos dos personajes uno de los hechos mas curiosos del film, aunque más realmente de parte de Ryan hacia Bill que viceversa, ya que Bill solo le interesa del viejo que le lleve hasta los forajidos. En un hermoso final, vemos lo que se esconde tras Ryan y sus sentimientos hacia el chico...

John Phillip Law, en su única aparición en el western europeo, borda el papel del impulsivo Bill. Y también está magnifico su compañero de reparto, el gran Lee Van Cleef, en un papel muy parecido a "El día de la Ira". Realmente, solo por el reparto, merecería la pena la película, sin duda. Ennio Morricone, por su parte, nos ofrece una de su mejores bandas sonoras, a la par con la de la Trilogia de Leone. Y la destreza del director ayudan a engrandecer la música, acertando plenamente con el montaje.

Y es que tanto el director, cosa que ya señalé antes, como el encargado de la fotografia, logran que "De hombre a Hombre" resalte por su acabado casi perfecto. Es esta una cinta con una extraña magia, desde su inicio, hasta su final en el pueblo de "el Viento". En resumen, un clásico del genero, y una obra maestra como película.

GIULIO PETRONI

Director y guionista nacido en el 21 de septiembre de 1917 en Roma, y que el pasado 31 de enero del 2010 en Roma a la edad de 92 años. Despues de graduarse en Literatura y antes de sus inicions en el cine trabajó simultáneamente con varias revistas literarias de la época como fueron "Quadrivio" y "El Tíber", e ingresó en el Partido Comunista, participando en la guerra como partisano.

Al acabar la guerra, Petroni empezó a hacer cine documental político en 1951. Y al mismo tiempo participa como ayudante de dirección en el rodaje de "Un marido para Anna Zaccheo" de Giuseppe De Santis, y "Finally Free" de Mario Amendola. Su primer largometraje fué en el año 59, "La cento chilometri" una comedia escrita por Massimo Franciosa.

Durante este tiempo escribió y dirigió cinco spaghettis, teniendo a su ordenes a grandes estrellas como Lee Van Cleef,John Phillip Law, Tomas Milian, Orson Welles y Giuliano Gemma entre otros. Sin duda, será "De hombre a hombre" el gran titulo por el que todos vamos a recordar para siempre a este director, una película considerada por muchos una de las obras maestras del spaghetti.

Giulio Petroni siguió trabajando en el cine hasta 1978 año en que hizo su ultima película "La poseida", donde como casi siempre dirigia y escribia el guión. Con el escaso exito y las duras criticas que recibió la película, Petroni tomó la decisión de dejar para siempre el cine y dedicarse a su otra pasión, la literatura.

Fimografía SW:

1967- De hombre a hombre
1968- Por Techo, las estrellas (...e per tetto un cielo di stelle)
1968- Tepepa /// Reseña adicional
1969- La noche de la serpiente (La Notte dei serpenti)
1972- La vita, a volte, è molto dura, vero Provvidenza?

JOHN PHILIP LAW

A los 70 años de edad falleció el 13 de mayo el actor estadounidense John Phillip Law, conocido por su participación como ángel ciego en la película de ciencia-ficción dirigida por Roger Vadim “Barbarella” (1968). Law nació el 7 de septiembre de 1937 en Hollywood, hijo de la actriz Phyllis Sallee. En los años 50 figuró como extra en algunas películas, entre ellas “Magnolia” (1951) de George Sidney, pero fueron los años 60, y generalmente en rodajes europeos, los más significativos de su carrera cinematográfica.

Además de compartir protagonismo con Jane Fonda en “Barbarella”, John Phillip participó en la misma década en películas como la estadounidense “Qué vienen los rusos, qué vienen los rusos” (1966) de Norman Jewison, la franco-italiana “Diabolik” (1968) de Mario Bava, o el spaghetti-western co-protagonizado por Lee Van Cleef “De hombre a hombre” (1967). Con posterioridad Law, que estuvo casado con la actriz Shawn Ryan, fue el Barón Rojo para Roger Corman en 1971, Simbad en “El viaje fantástico de Simbad” (1974) de Gordon Hessler y, entre otras películas, intervino en “Tarzán, el hombre mono” (1981) de John Derek. Uno de sus últimos estrenos fue “CQ” (2001), film dirigido por Roman Coppola.

FILMOGRAFIA

High Infidelity (1964)
Three Nights of Love (1964)
The Russians Are Coming, the Russians Are Coming (1966)
Death Rides a Horse (1967)
Hurry Sundown (1967)
Barbarella (1968)
Danger: Diabolik (1968)
Skidoo (1968)
The Sergeant (1968)
Certain, Very Certain, As a Matter of Fact... Probable (1969)
The Hawaiians (1970)
Strogoff (1970)
The Love Machine (1971)
The Last Movie (1971)
Von Richthofen and Brown (1971)
Stardust (1973)
The Golden Voyage of Sinbad (1974)
Open Season (1974)
The Spiral Staircase (1975)
A Whisper in the Dark (1976)
The Cassandra Crossing (1976)
Target of an Assassin (1976)
Eyes Behind the Wall (1977)
Ring of Darkness (1979)
Der Schimmelreiter (1978)
Tarzan, the Ape Man (1981)
Attack Force Z (1982)
Tin Man (1983)
Night Train to Terror (1985)
Striker (1987)
Moon in Scorpio (1987)[2]
Blood Delirium (1988)
Space Mutiny (1988)
Day of the Pig(1992)
Free Willy 2 (1995)
My Magic Dog (1998)
Wanted (1999)
CQ (2001)
The Three Faces of Terror(2004)
I Am Somebody: No Chance in Hell (2008) (original title: Chinaman's Chance)

martes

DESAFIO EN RIO BRAVO


Desafío en Río Bravo
1964
Italia-Francia-España
Director Tulio Demicheli
Música Angelo Francesco Lavagnino
Fotografía Guglielmo Mancori
Guión Tulio Demicheli, Guy Lionel, Gene Luotto, Giovanni Simonelli, Natividad Zaro, Italo Zingarelli

Reparto
Guy Madison, Fernando Sancho, Gérard Tichy, Madeleine LeBeau, Carolyn Davys, Massimo Serato, Olivier Hussenot, Álvaro de Luna, Xan Das Bolas, Beni Deus, Juan Maján, Evar Maran, Dario Michaelis, Hollis Morrow, Claudio Scarchilli, Pilar Vela, Juan Santiago, Ariz-Navarreta.

Coproducción italo-franco-española de 1964, un año decisivo en el desarrollo del western europeo ya que se duplicaron prácticamente con respecto al año anterior las películas del Oeste rodadas en España con participación de productoras españolas (se pasó de trece westerns en 1963 a filmarse casi treinta en 1964), consolidándose esta tendencia al año siguiente con el rodaje de más de cuarenta. Este auge se debió, no sólo al desembarco de productores estadounidenses que buscaban abaratar costes y así poder competir con las pujantes series de televisión ambientadas en el Oeste, sino, sobre todo, al cambio en la política de subvenciones al primarse a partir de ahora los resultados en taquilla y fomentarse las coproducciones.

El resultado fue que a los productores pioneros (José Gutiérrez Maesso, Eduardo Manzanos Brochero) se les unieron otras productoras españolas, entre las que destacan Producciones Balcázar de los hermanos Balcázar o IFISA de Ignacio Farrés Iquino que establecieron en los alrededores de Barcelona (Esplugues City, Casteldefells) y Huesca, sobre todo para rodar los exteriores, un nuevo centro estable para el rodaje de westerns.

Pero ocupémonos de la película que contó con un presupuesto muy generoso para este tipo de filmes, alrededor de sesenta millones de pesetas, y de cuya producción se encargó Italo Zingarelli, productor, director y guionista que solía garantizar la calidad de sus productos; mientras que en la dirección se contó con Tulio Demicheli, un veterano y sólido guionista y director argentino que, tras rodar en su país natal y en Méjico, recalaría a finales de los años cincuenta en España en donde desarrollaría la mayor parte de su filmografía compuesta por películas de todo tipo de géneros: aventuras “El hijo del Capitán Blood” (1962); terror como “Los monstruos del terror” (1970); seudo-bonds como “Misión Lisboa” (1965); thrillers como “Coartada en disco rojo” (1972) y “Ajuste de cuentas” filmada al año siguiente; o westerns entre los que destacan la película que nos ocupa y la ya reseñadas “Un hombre y un colt” (1968) y “Reza por tu alma…y muere” (1970), además de haber participado en el libreto de “El halcón y la presa” (1966), película que también cuenta con sus correspondientes comentarios en este blog.

SINOPSIS: 1885. El famoso hombre de ley Wyatt Earp, que acabó con los Clanton en el OK Corral, es contratado por Jennie Lee, la dueña del saloon de Río Bravo, con el objeto de acabar con los desmanes de Zack Williams, uno de los hombres más influyentes del pueblo, que, por medio de una banda de forajidos liderados por el mejicano Pancho Bogan, pretende quedarse con todas las minas de la localidad.

El largometraje lo podemos encuadrar dentro de la corriente que Gutiérrez Recacha denomina “western urbano deductivo”, predominante en esta época en los filmes del Oeste rodados en España, cuyos largometrajes se caracterizaban por una estructura argumental muy similar en la que el héroe, caracterizado por su habilidad con las armas de fuego, recalará en una población azotada temporalmente por una ola de crímenes que afecta, entre otros, a una muchacha a la que protegerá el protagonista para después enamorase de ella, al mismo tiempo que desenmascarará al villano y acabará con él.

Por otra parte, y como era habitual en estas primeras producciones realizadas en Europa, muestra una clara influencia del western estadounidense. Hecho que ya se aprecia en el título al evocar al legendario western realizado en 1959 por Howard Hawks “Río Bravo”.

Esta influencia también se aprecia en los personajes. Así, como también sería habitual en este tipo de productos, el principal personaje es una figura histórica, en este caso el sheriff Wyatt Earp protagonista del más famoso duelo del oeste acaecido en la localidad de Tombstone en 1881 que ha sido llevada a la pantalla grande en numerosas ocasiones como en la clásica “Pasión de los fuertes” dirigida en 1946 por John Ford, la célebre “Duelo de titanes” (1957) del especialista John Sturges que retomaría la misma historia en “La hora de las pistolas” (1967), la desmitificadora “Duelo a muerte en el OK Corral” (Frank Perry, 1971) o las más modernas “Tombstone: la leyenda de Wyatt Earp” (George P. Cosmatos, 1993) y Wyatt Earp (Lawrence Kasdan, 1994).

Junto a él aparece, en el principal personaje femenino, la joven Clementina en un clarísimo guiño al filme de John Ford en el que Earp-Fonda se enamoraba también del mismo personaje interpretado, en esa ocasión, por Cathy Downs; incluso para disipar cualquier duda al respecto en una escena de la película Clementina silba “My Darling Clementine” canción principal de la película filmada por el maestro de origen irlandés. También es destacable en este aspecto la figura del sheriff borracho que remite de nuevo a “Río Bravo” y, en concreto, al personaje de Dude interpretado por Dean Martin.

Por último se puede rastrear la huella de varios westerns estadounidenses en el planteamiento del filme y en algunas situaciones. Respecto al planteamiento remite tanto a “Wichita” (excelente western rodado por Jacques Tourneur en 1955 en el que un joven Earp-McCrea ponía orden en la ciudad del título tomada por los ganaderos) y la memorable “Johnny Guitar” (largometraje dirigida por Nicholas Ray en 1954 en la que un famoso pistolero, que como en esta película ocultaba su verdadera identidad, acudía a la llamada de la dueña del saloon ante los intentos del cacique del lugar de apoderarse de su propiedad). Por lo que respecta a las situaciones hay escenas que calcan otras ya vistas, como aquella en la que Earp mantiene una conversación con Leo, el abandonado y borracho sheriff de la localidad, sobre la ley que remite de nuevo a la que mantenía Burt Lancaster con un antiguo colega en la citada “Duelo de titanes”, o aquella en la que el héroe se ve rodeado en la habitación del saloon que recuerda vagamente a la vivida por Kirk Douglas en “El último tren de Gun-Hill” (John Sturges, 1959).

Pero a pesar de su falta de originalidad y de no ocultar sus influencias, o quizás por ello, creo que la película funciona razonablemente bien gracias a la labor de la pareja Capriotti-Mancori encargados de la fotografía, el holgado presupuesto que se traduce en una más que aceptable labor de ambientación y en el rodaje en numerosas localizaciones y, sobre todo, en el trabajo, también de influencia clásica, de Tulio Demichelli en el que destaca su preocupación por la planificación de las distintas escenas, ofreciéndonos varias secuencias muy bien filmadas, principalmente las de acción, como un notable y realista enfrentamiento nocturno de Earp con dos secuaces de Zack, la posterior pelea entre Bogan y Earp o el gran enfrentamiento final entre nuestro héroe y el villano, rodado de forma ejemplar.

Por lo que respecta al elenco, y como era también habitual, al frente del mismo nos encontramos con un actor estadounidense en horas bajas decidido a probar suerte en el cine europeo. En este caso al legendario personaje le dio vida Guy Madison, actor que tuvo su primer papel importante en “Hasta el fin del tiempo” un drama dirigido por Edward Dmytryk de 1946 en la línea de la más famosa “Los mejores años de nuestra vida”, para, posteriormente, especializarse en roles de acción, básicamente westerns de serie b, obtener un cierto éxito con la serie “Aventuras de Wild Bill Hickok” y terminar recalando en Europa en la década de los sesenta en donde se le pudo ver en numerosos euro-westerns. Su elección, con independencia de sus dotes interpretativas, creo que fue un acierto porque por su trayectoria era fácilmente identificable por el público como el típico héroe del Oeste honrado y preocupado por llevar la ley y la justicia allí donde iba.

El resto del reparto, y como también solía ocurrir en las coproducciones, lo componen intérpretes de distintas nacionalidades. Así nos encontramos con los dos personajes negativos a los que el director da un tratamiento diferente: por una parte el forajido mejicano Pancho Bogan al que nos lo describe con cierto respeto al ser un hombre con su propio código de honor (en un momento dado le confiesa al protagonista que él es un bandido pero nunca ha disparado a nadie por la espalda) y que está encarnado por el español, y casi imprescindible, Fernando Sancho, un papel que repetiría hasta la saciedad aunque en esta ocasión está muy comedido y, curiosamente, doblado por el excelente actor Francisco Sánchez (voz habitual, entre otros, de Charles Boyer, Gary Cooper, Vittorio de Sica o Cary Grant); y por otro, al alemán afincado en España Gerard Tichy dando vida al codicioso Zack Williams, un individuo taimado, carente de honor, que nunca da la cara, se vale de otros para hacer el trabajo sucio y cuyas verdaderas intenciones trata de ocultar; papel que también repetiría en bastantes westerns.

En roles positivos aparecen el italiano Massimo Serato dando vida al borracho Leo que no obstante conseguirá rehabilitarse y ofrecer su ayuda a Earp, y las francesas Madeleine Lebeau (la cantante que entonaba “La Marsellesa” ante los nazis en la inolvidable y emotiva escena de “Casablanca”) y, en su única película, Carolyn Davies como, respectivamente, Jennie Lee, la propietaria del saloon, y Clementine Hewitt, dueña de una mina objeto del deseo de Zack

En definitiva un tópico pero digno, correctamente interpretado y bien hecho euro-western de la primera época que, aunque esté muy lejos de los postulados leonianos, creo asegura un rato de entretenimiento.

GUY MADISON

Actor estadounidense (California 1922-California 1996) cuyo nombre verdadero era Robert Mosely. Tuvo su primer papel importante en 1946 en el drama dirigido por Edward Dmytrik “Hasta el fin del tiempo” con Robert Mitchum como coprotagonista. En Hollywood se especializó básicamente en westerns (entre otros protagonizó el film en 3D dirigido por Gordon Douglas “La carga de los jinetes indios” y “Desierto salvaje” de Anthony Mann) gozando de cierta popularidad con la serie “Las aventuras de Wild Bill Hitckok”, con la que se mantuvo en pantalla durante ocho años.

A principios de los años sesenta se trasladó a Europa donde rodó algunos “peplums” y películas de aventuras, debutando en el western mediterráneo en 1964 de la mano de Hugo Fregonese (director argentino que desarrollo gran parte de su carrera en Estados Unidos) en “La última batalla de los apaches”, película alemana de la serie basada en las novelas de Kart May protagonizadas por los héroes Old Shatterhand y Winnetou. A partir de esa fecha y hasta 1971 intervino en otros ocho spaghettis que alternó con varias películas bélicas y de misterio facturadas también en Europa.

Filmografía SW:

1964- La última batalla de los apaches
1965- Desafío en Río Bravo
1965.- El último rey de los incas
1966- Los cinco de la venganza
1967- Il fligio di Django
1967- I lunghi giorni dell’odio
1967- 7 Winchester para una matanza
1968- Bang, bang Kid
1970- Reverendo Colt

lunes

ARMA JOVEN


Título original
Young Guns
Año 1988
Duración 102 min.
País Estados Unidos
Director
Christopher Cain
Guión John Fusco
Música Anthony Marinelli
Fotografía Dean Semler
Productora Warner Bros

Reparto

Emilio Estévez, Kiefer Sutherland, Lou Diamond Phillips, Charlie Sheen, Dermot Mulroney, Casey Siemaszko, Terence Stamp, Jack Palance, Terry O'Quinn, Sharon Thomas, Geoffrey Blake, Alice Carter, Thomas Callaway. PicturesGéneroWesternSinopsisEn una zona fronteriza con México, Tunstall contrata ayudantes para su granja de jóvenes, huidos o vagabundos, a quienes enseña y educa. Entre ellos hay uno con una gran puntería, Billy "el Niño". Tunstall cuenta en el pueblo con competidores codiciosos, que ponen trabas a sus negocios y matan por la espalda sin ningún temor a las consecuencias.

Otra versión del mito de Pat Garret y Billy el Niño, adornado con un reparto lleno de caras juveniles (...) A destacar la presencia de secundarios de la talla de Stamp o Palance. Western ochentero que contiene los ingredientes necesarios para hacernos pasar el rato. Un grupo de actores jóvenes conocidos, un par de veteranos carismáticos, muchos tiroteos para que el ritmo no decaiga, un poco de romance y un personaje mítico como Billy el Niño.
La película se ve sin desagrado y en ningún momento se hace aburrida sino al contrario. Los chicos están correctos en sus papeles, destacando Diamond Phillips y Estévez. Todo esta aderezado con una banda sonora pegadiza típica de los 80 de esas que acabas tarareando.

Como curiosidad las edades de estas jóvenes promesas: Estévez, 26, Sutherland, 22, Sheen, 23, Mulroney 25, Phillips, 26 y Siemaszko, 27. Los cuatro primeros la verdad es que tuvieron una carrera bastante digna y con films de éxito. Diamond Phillips se vió relegado a films de serie B y Siemaszko no salió de la pequeña pantalla en la que ha tenido una extensa carrera.

Lo mejor: Tiene bastante acción.
Lo peor: Jack Palance tiene pocos minutos en pantalla.
El dialogo: - Oye Billy hemos oído que has matado a alguien. ¿Por qué lo hiciste?- Mulroney.
- Me gastó una broma.- Estévez.

EMILIO ESTEVEZ

Emilio Estévez nació en Staten Island, Nueva York. Es el hijo mayor del actor Martin Sheen (nacido Ramón Estévez) y la artista Janet Templeton. Sus hermanos son Ramón Estévez, Charlie Sheen (nacido Carlos Estévez), y Renée Estévez. Inicialmente asistió a la escuela pública en Nueva York, pero fue trasladado a un prestigioso colegio privado una vez que la carrera de su padre despegó. Vivió en el Upper West Side de Manhattan, hasta que su familia se mudó a la costa oeste en 1968, cuando contrataron a Sheen en Catch-22. Creció en Malibú, California, rechazó la escuela privada local (que era "para los padres que tienen todo menos una relación con sus hijos") a favor de la escuela pública Santa Monica High School.

Cuando Estévez tenía 11 años, su padre le compró a la familia una cámara de vídeo portátil. Estévez, su hermano Charlie y sus amigos de secundaria, Sean Penn, Penn Chris, Chad Lowe y Rob Lowe utilizaron la cámara para hacer cortometrajes, que a menudo escribía Estévez. También apareció en un corto anti-nuclear producido en su escuela secundaria, titulado "Meet Mr. Bomb" ("Conoce al señor Bomba"). Emilio tenía 14 años cuando acompañó a su padre a las Filipinas, donde Sheen estaba rodando Apocalypse Now. [2] Apareció como extra en Apocalypse Now, pero las escenas fueron suprimidas. Al regresar a Los Angeles, co-escribió y protagonizó una obra de teatro de secundaria sobre los veteranos de Vietnam llamado Echoes of an Era e invitó a sus padres a verla. Sheen recuerda maravillado la actuación de su hijo y "comenzó a darse cuenta: Dios mío, él es uno de nosotros".

Después de graduarse de Santa Mónica en 1980, se negó a ir a la universidad y en su lugar empezó su carrera de actor. A diferencia de su hermano Charlie, Emilio y sus otros hermanos no adoptó el apellido de su padre escenario. Emilio admitió que le gustaba la alineación de sus iniciales "E", y "no quería entrar en el negocio como" el hijo de Martin Sheen".

FILMOGRAFIA

1982
Tex
Johnny Collins
1983
The Outsiders
Keith "Two-Bit" Matthews
Nightmares
J.J. Cooney
Segment: Bishop of Battle
1984
Repo Man
Otto Maddox
1985
El club de los 5
Andrew "Andy" Clark
St. Elmo's Fire
Kirby "Kirbo" Keger
That Was Then... This Is Now
Mark Jennings
Escritor
1986
La rebelión de las máquinas
Bill Robinson
Wisdom
John Wisdom
Director
1987
Stakeout
Det. Bill Reimers
1988
Young Guns
Billy the Kid
1990
Young Guns II
Billy the Kid
Dos Chalados Y Un Fiambre
James St. James
Director/Escritor
1992
Freejack, sin identidad
Alex Furlong
The Mighty Ducks (Somos los mejores)
Gordon Bombay
1993
Con el arma a punto
Sgt. Jack Colt
Another Stakeout
Det. Bill Reimers
Los jueces de la noche
Francis Howard "Frank" Wyatt
1994
Vuelven los mejores
Gordon Bombay
1996
Misión: Imposible
Jack Harmon
Guerra en casa
Director y productor
El regreso de los mejores
Gordon Bombay
1999
Un dólar por los muertos
Cowboy
2000
Sand
Trip
2000
Rated X
Jim Mitchell
2003
Los Reyes Magos
Jimmy
Voz
2005
The L.A. Riot Spectacular
Laurence Powell
Culture Clash in AmeriCCa
Director
2006
Bobby
Tim Fallon
Director/Escritor
Arthur y los Minimoys
Ferryman
Voz
2010
The Public
Stuart1
Pre-producción
director,escritor y productor
2010
El camino
Daniel Avery
Director

VINIERON CUATRO PARA MATAR A SARTANA


Título original
E vennero in quattro per uccidere Sartana!
Año 1969
Duración 97 min.
País Italia
Director
Demofilo Fidani
Guión Demofilo Fidani, Mila Vitelli Valenza
Música Italo Fischetti
Fotografía Luciano Tovoli
Productora Tarquinia Film

Reparto

Jeff Cameron, Franco Ricci, Celso Faria, Benito Pacifico, Pietro Torrisi, Simonetta Vitelli, Roberto Danesi, Umberto Raho, Grazia Giuvi, Frank Fargas, Paolo Magalotti

Sinopsis

El sheriff Benson convoca al famoso pistolero Sartana para deshacerse de una banda de forajidos que ha causado estragos en el pueblo. Liderados por un hombre que se hace llamar "El Mormón", han secuestrado a la joven Susy Prescott, prima del alcalde de Clayton. Para llevar a cabo su objetivo, Sartana se enfrentará a cuatro especialistas: Buffalo, un maestro en el uso del látigo; Martinez, un experto lanzador de cuchillos; Sullivan, un forzudo imbatible con sus puños; y Silky, uno de los pistoleros más rápidos del oeste. Por encima de toda sospecha, finalmente Sartana descubrirá quién verdaderamente "El Mormón"...

DEMOFILO FIDANI

Demofilo Fidani (1914-1994) fue un prolifico director italiano que se espiacializo en realizar Spaghetti Westerns, llegando a dirigir la no despreciable suma de 14 de ellos. Solia utilizar muchos seudonimos, entre el que mas destacaba era el de Miles deem. Su estilo era rapido, barato y atrevido, ya que sin asco solia emparejar o utilizar libremente personajes tan variados como Django, Sartana, Wild Bill Hicock, Butch Cassidy, Macho Callahan y Trinity, y emparejarlos a su propio gusto, en donde los resultados eran, generalmente, atrocez.

Era caracteristico de sus films no respetar continuidad alguna, dejar muchos hilos abiertos en el argumento o cometer fallas obvias en el decorado y vestimenta, lo que le hace, que el dia de hoy podamos referirnos a él, como el Ed Wood del género, ya que si bien hay muchas cintas de discutida calidad, el nivel de las de Fidani es tan bajo, que resulta entretenido o curioso. Sheriffs con hemorroides, bandidos homosexuales, etc, eran de la tonica del director, que si bien solia dotar de buenos gags algunas de sus cintas, su gusto por el exceso de ellos, repitiendolos una y otra vez, terminaban por agotar la paciencia y hacer insoportable la cinta, como sucede con su version de Trinity (Trinity llega a el dorado).

Entre sus actores favoritos que trabajaron en casi todos sus films, destacan Gordon mitchell, su villano predilecto, y Hunt Powers (tambien conocido como Jack Betts), su Django personal y Jeff Cameron su propio Sartana.

Su cinta "Giu la testa...Hombre!" tenia por protagonista a Macho Callahan (aprovechando el exito del western americano de dicho nombre), solo que para evitar lios legales, fidani lo rebautizo como Macho Callaghan, ademas de entregarnos su particular vision de Butch Cassidy y Sundance Kid en la misma cinta...que hubiese sido del oeste sin Fidani no?.

Era tan decidido con sus proyectos, y a la vez economico que no dudo en reciclar variadas tomas de sus django films y juntarlas en una nueva cinta, la polemica "The Django Story", en donde se sabe, Hunt Powers recibio paga minima ya que solo trabajo en la intro del film, donde comienza a relatarle sus recuerdos a un joven Wild Bill Hickock. Este films es considerado por muchos como un grandes exitos de Fidani, en fin, dios es generoso....
Otra anecdota resulta su film "The shadow of Sartana" en donde Fidani tambien actua!!! mientras aparece para vitorear a sartana con una performance que haria palidecer al mismisimo de Niro.... tambien asi cuando termina la tortura de hora y media y no entendemos nada de lo que vimos ni sabemos siquiera que acaba de suceder, nos sorprende nuevamente Fidani arrojandonos antes de los creditos una leyenda que decia asi: "En una epoca en donde los malvados y brutos triunfan en el oeste, los hombres de honor eran temidos y respetados, y usalmente contratados por la ley contra el crimen.

Sartana mas que cualquier otro hombre, era temido...y respetado"...cualquiera diria que acabamos de ver Hasta que llego su hora o La muerte tenia su precio, pero no amigos!!! acabamos de ver una de las chapuzadas mas grandes del oeste y nos cierran el libro casi como si terminaramos de ver una joya.... pero esa era la gracia de Fidani, la incapacidad para ver sus errores, potenciandolos cinta a cinta y transformando lo que debiera ser una historia seria, en una montaña rusa en donde el argumento quedo atras hace mucho rato....no se sorprendan si alguna vez estan ante una de sus cintas y a los 10 minutos piensan "pero hombre, esto esta bastante entretenido y bueno" pues creanme Fidani no los decepcionara y a no mas tardar de 15 minutos arrojará el argumento al diablo y nos planteará angulos imposibles o conclusiones ridículas, es parte de su encanto señores.

FILMOGRAFIA

Straniero... fatti il segno della croce! (1967)
Ed ora... raccomanda l'anima a Dio! (1968)
Passa Sartana... e l'ombra della tua morte (1969)
...e vennero in quattro per uccidere Sartana! (1969)
Inginocchiati straniero... I cadaveri non fanno ombra! (1970)
Quel maledetto giorno d'inverno... Django e Sartana all'ultimo sangue (1970)
Arrivano Django e Sartana... è la fine (1970)
Giù le mani... Carogna (1970)
Suo nome era Pot, Il (1971)
Giù la testa... hombre (1971)
Era Sam Wallach... lo chiamavano cosi sia (1971)
Per una bara piena di dollari (1971)
Scansati... a Trinita arriva Eldorado (1972)
Amico mio, frega tu... che frego io! (1973)

Como dato extra, Fidani era tambien un talentoso artista y autor, y ya años despues se convirtio en un respetado y conocido medium italiano, un final sin duda, tan inesperado, como lo que nos podiamos esperar de cualquiera de sus cintas. Desde aca un saludo al maestro Fidani, que si bien fue el padre de verdaderos horrores cinematograficos, su pasion queda fuera de cualquier discusion.

domingo

RIO BRAVO


Título original Rio Bravo
Año 1959
Duración 141 min.
País Estados Unidos
Director Howard Hawks
Guión Leigh Brackett & Jules Furthman (Historia: B. H. McCampbell)
Música Dimitri Tiomkin
Fotografía Russell Harlan
Productora Warner Bros. Pictures

Reparto
John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan, Ward Bond, John Russell, Claude Akins, Bob Steele, Estelita Rodriguez

Sinopsis

El sheriff Chance (John Wayne) encarcela por asesinato al hermano de un poderoso terrateniente que intentará liberarlo por todos los medios. Para impedirlo, Chance cuenta con la colaboración de dos ayudantes: un alcohólico (Dean Martin) y un viejo tullido (Walter Brennan), a los que se une un joven y hábil pistolero llamado Colorado (Ricky Nelson). Todos ellos se encierran en la oficina del sheriff para impedir que el preso pueda ser liberado antes de que llegue la autoridad estatal para llevárselo.

Howard Hawks es, probablemente, la prueba más evidente de que nunca se hizo mejor cine que cuando éste se consideraba un oficio artesanal. Responsable de obras maestras en casi todos los terrenos, ésta es la correspondiente al género por excelencia: el western. Se sintió tan a gusto contando la historia de un sheriff que debe defender la legalidad con la ayuda de un alcohólico, un viejo, un jovencito inexperto y una mujer, que la repitió -con ligeras variaciones- dos veces más: en “El Dorado” (1967) y en “Río Lobo” (1970). Pura sabiduría narrativa, pura diversión, puro cine. Una obra maestra absoluta. El filme tuvo éxito de taquilla y es considerado uno de los mejores trabajos de Howard Hawks. Se puede comparar Río Bravo en contraposición a otro western de la época, Solo ante el peligro (High Noon, 1952) de Fred Zinnemann. En la película de Zinnemann, un atribulado sheriff, (Gary Cooper), pedía desesperadamente ayuda y nadie se la prestaba. En el filme de Hawks, el sheriff en peligro no pide ayuda y todos se la ofrecen desinteresadamente. Son enfoques radicalmente distintos, Howard Hawks concibe al héroe como un hombre fuerte (habitualmente acompañado por mujeres fuertes) que debe salir por sí mismo de sus problemas, un personaje que sabe cómo comportarse y qué es lo que debe hacer en cada momento.

La película se rodó entre mayo y julio de 1958, la película también tuvo el título alternativo de A Bull by the Tail.
En el film actúa Ricky Nelson —una estrella musical juvenil del momento—. Esta ocurrencia publicitaria permitió que viera el film un tipo de público joven que no conocía a Howard Hawks —uno de los grandes maestros del western—.
La canción My Rifle, My Pony and Me fue el tema principal de otro western de 1948, Río Rojo (Red River), también protagonizado por John Wayne y dirigido por Howard Hawks.
Para la elaboración del guion los guionistas casi siempre disponían de un par de opciones buenas para resolver cada situación y eso permitió que años más tarde pudieran utilizar parte del material descartado para filmar El Dorado (El Dorado, 1966), un filme crepuscular de Howard Hawks que retoma el tema del sheriff «solo ante el peligro».

La película quedó en segundo lugar en la lista de los premios Golden Laurel, en la categoría de drama. También, Dean Martin quedó en segundo lugar en esta lista como mejor actor. Howard Hawks fue candidato al Premio DGA que concede el Gremio de Directores de América (Directors Guild of America, USA). Pese a ser uno de los mejores westerns de la historia del cine y contar con nombres tan ilustres como Howard Hawks o John Wayne, la película quedó inexplicablemente fuera de la carrera de los Óscar.

Todos los amantes del western tenemos nuestras preferencias. La genialidad de cineastas como Ford, Mann, Peckinpah o Leone resulta tan genuina y acusada que su cine suele generar en el espectador un grado de devoción prácticamente ilimitado. Yo me decantaría por los dos últimos pero, curiosamente, si me viera obligado a escoger un solo western capaz de aunar las claves y el espíritu global del género, mi principal opción sería “Rio Bravo”, de Howard Hawks. Y no creo que fuera el único. Probablemente “Rio Bravo” no sea el mejor western jamás rodado. Es más, para mi no lo es. Ello no impide, no obstante, que le guarde a la peli de Hawks un cariño especial y que la considere como un inmejorable paradigma para que cualquier neófito deseoso de adentrarse en el legendario universo del far west pueda hacerlo a través de ella.

Os contaré una anécdota. En cierta ocasión tuve que apuntar con un Winchester (figuradamente, claro) a una amiga-usuaria muy especial para que me revelara cuál sería el único western que salvaría ante una hipotética hecatombe nuclear. Tras resoplar varias veces y maldecir todos los huesos de mi cuerpo, masculló: ¿Sólo uno?. Me has matado. Ufff!!!... “Rio Bravo”. Su traumática elección me animó a revisar nuevamente la peli de Hawks. Quería corroborar si la magia de su recuerdo permanecía aún allí. Inalterable y eterna. Afortunadamente, el sheriff Chance (John Wayne) seguía allí, en Presidio, con su firmeza e integridad intactas. A su lado, un atormentado borrachín (Dean Martín) y un tullido cascarrabias (Walter Brennan), se mantenían incombustiblemente fieles a su sheriff, patrullando las calles y custodiando esa famosa celda mientras los secuaces de Burdette aguardaban la ocasión propicia para liberar al detenido. Feathers (Angie Dickinson) permanecía aún en el hotel, bellísima y espléndida, como siempre. Renunciando una y otra vez a coger esa maldita diligencia que habría de separarle de Chance para siempre.

Y, como la primera vez, el viejo Hawks me sorprendió nuevamente en el saloon. Con ese patadón a la escupidera y ese certero balazo a un contrapicado traidor. Con esa sabia combinación de drama, comedia, acción y romance. Con esa capacidad narrativa tan cómoda y natural. Con esa canción del degüello que sublima aún más, si cabe, una peli muy muy grande.

sábado

VERACRUZ


Título original
Vera Cruz
Año1954
Duración 94 min.
País Estados Unidos
Director Robert Aldrich
Guión Roland Kibbee & James R. Webb (Historia: Borden Chase)
Música Hugo Friedhofer
Fotografía Ernest Laszlo
ProductoraMGM

Reparto
Burt Lancaster, Gary Cooper, Denise Darcel, Sara Montiel (AKA Sarita Montiel), César Romero, George Macready, Ernest Borgnine, Jack Elam, Charles Bronson, Jack Lambert

Sinopsis
En 1864, con el apoyo de los conservadores mexicanos, Napoleón III de Francia (1852-1871) impone como emperador de México a Maximiliano de Austria, lo que provoca la rebelión de los juaristas. En plena guerra civil, dos mercenarios americanos (Gary Cooper y Burt Lancaster), tratando de sacar partido de la situación, ofrecen sus servicios al mejor postor. Así es como conocen a una hermosa juarista (Sara Montiel) y a una condesa francesa (Denise Darcel).

He creído conveniente rescatar en este ciclo sobre el género de géneros ‘Veracruz’ (id, Robert Aldrich, 1954), la primera película estadounidense en la que participó Sara Montiel, recientemente fallecida. Resulta curioso ver en los títulos de crédito iniciales la palabra introducing cuando la actriz llevaba ya diez años interpretando, claro que aparecer en una película al lado de leyendas como Gary Cooper y Burt Lancaster —también productor del film— es jugar en la liga mayor. Con un personaje secundario, pero de vital importancia, eclipsa en belleza a cualquier otra actriz del reparto, aunque Cooper odiaba trabajar con ella declarando aspectos desagradables sobre su aseo personal. Una anécdota al margen de la calidad del film, como la de Clark Gable advirtiendo a Cooper de que Lancaster le eclipsaría.

‘Veracruz’ supone la tercera película de Robert Aldrich y el segundo western que dirigía tras el exitoso y sobrevalorado ‘Apache’ (id, 1954), también con Burt Lancaster. Los resultados en este caso son bastante superiores, una de las películas de Aldrich que mejor resiste el paso del tiempo —algo que no le ocurre a otras, como por ejemplo ‘Alerta: Misiles’ (‘Twilight’s Last Gleaming’, 1977)— y que para el propio director era uno de sus trabajos preferidos. El gran François Truffaut tenía esta película en altar, para él era el modelo perfecto de cómo desarrollar una historia; y son muchos los que coinciden en tratarla como el precursor del spaghetti western, dada la influenia que tuvo en el subgénero que años más tarde popularizó Sergio Leone.
Durante la revolución mexicana, Trane (Cooper), un ex confederado metido a aventurero al mejor postor, se topa con Joe Erin (Lancaster), otro aventurero de idéntico carácter, con el que une fuerzas para apoyar al sucesor del emperador Maximiliano (George McReady), el marqués de Labordere (César Romero) en su lucha contra los mexicanos, mientras los revolucionarios, entre los que se encuentra Nina (Sara Montiel) que enseguida se queda prendada de Trane, también tienen sus intenciones con el dúo de estadounidenses y su banda. El conflicto de intereses surgirá cuando todos se enteren de un importante cargamente de oro escondido en un carruaje, destinados para traer más tropas para el emperador. Un caro mcguffin que envuelve a todos los personajes mostrando los distintos lados del ser humano cuando la avaricia hace acto de presencia.

El primer encuentro entre Trane y Erin marca, con un soterrado sentido del humor, lo que será su relación durante el resto del film. Un toma y daca de dos hombres que en otras circunstancias podría haber sido los mejores amigos del mundo, pero en las actuales los intereses personales y la moral chocan cuando el momento de la verdad, el final, llega. Hasta ese instante, el feeling existente entre ambos traspasa la pantalla. Héroe y antihéroe unidos por una causa común, que curiosamente se bifurca considerablemente cuando la mujer entra en escena, dando alas al personaje al que da vida una espléndida Denise Darcel, cuyo ingenio y maldad supera con creces a la de cualquier personaje masculino. El contraste entre los personajes femeninos también es evidente. La condesa es avariciosa y quiere el oro para ella sola, mientras que Nina lo quiere para suministrar poder a la revolución.

‘Veracruz’ es un western sucio, en el que el polvo y el barro casi pueden palparse, al igual que luego sucedería en el tal sobado eurowestern. Aldrich no escatima en mostrar la violencia de un mundo cruel y sin compasión. Al respecto cabe citar el encuentro de Trane con los secuaces de Erin, quien llega justo a tiempo para evitar una salvajada —por supuesto, protagonizada por Ernest Borgnine, cuya cara de sádico es de las mejores que ha dado el séptimo arte en su existencia—, o el tenso momento en el que Erin se marca un farol amenazando la vida de unos inocentes niños, las injustas víctimas de toda guerra. Atención a la forma de visualizar que tiene Aldrich los instante previos a tan fatídica decisión; todos son rodeados por simpatizantes juaristas que van apareciendo en círculo en lugares altos mientras Aldrich realiza un travelling circular tomando como referencia el punto de vista de Erin.

Como en todo western que se precie, ‘Veracruz’ posee un duelo esperado por el espectador, aquel que enfrenta finalmente a los dos protagonistas, cuando todas las cartas se han puesto sobre la mesa. Tras noventa minutos de tira y afloja, siempre midiendo fuerzas y utilizando la ironía como arma en varias ocasiones, Trane y Erin terminan desenfundando sus revólveres el uno contra el otro en un enfrentamiento antológico y no exento de humor. Ambos disparan a la vez, Erin vuelve a enfudar su revólver con un gesto que ha realizado antes como si fuera el ganador, y acto seguido cae fulminado, mientras en el rostro de Trane se ve toda la pena y decepción por haber matado a alguien que le entendía y apreciaba. Aldrich remata su film con una latente amargura, mientras nos ha hecho disfrutar de lo que casi podríamos considerar como una buddy movie clásica, con interpretaciones portentosas, sobre todo la de Burt Lancaster, que no eclipsa a Cooper pero casi, brabucón, cínico y divertido como en pocas ocasiones.

GARY COOPER

Frank James Cooper, más conocido como Gary Cooper (Helena (Montana), 7 de mayo de 1901 - Los Ángeles, 13 de mayo de 1961), fue un actor estadounidense de ascendencia inglesa. Ganó el premio Óscar en tres ocasiones; el último le fue concedido en reconocimiento a toda su carrera. Hijo de un emigrante inglés que llegó a ser juez de la Corte Suprema del Estado de Montana, trabajaba con sus padres en el rancho de su propiedad mientras asistía a la escuela. Más tarde, entra en el Wesleyan College, de Bozeman, para estudiar técnico agrícola, y en la Universidad de Grinnell (estado de Iowa), donde estudia arte. Sufre un accidente automovilístico que le afecta la cadera. En aquella época aspiraba a ser caricaturista político y asistir a la Escuela de Arte de Chicago. Abandona sus estudios y se traslada a Hollywood, donde, en 1925, debuta con La hora maldita (The Thundering Herd), rueda algunos cortos, y posteriormente actúa como actor secundario en varios westerns. Trabaja para la Paramount, adoptando el nombre de Gary Cooper.

En 1926 es contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer y consigue su primer papel importante en Flor del desierto (The Winning of Barbara Worth) dirigido por Henry King, lo que le convierte en uno de los actores más populares de Hollywood. Al año siguiente participa en el clásico Alas, de William A. Wellman, donde seduce a Clara Bow dentro y fuera de la pantalla. El romance que mantiene con Clara Bow supone el empujón definitivo a su carrera artística. En 1929, protagoniza El virginiano (The Virginian), dirigida por Victor Fleming, pasando a ser una de las primeras estrellas del cine sonoro, con éxitos taquilleros y de crítica constantes: Marruecos (con Marlene Dietrich), Las calles de la ciudad, Entre la espada y la pared, La mujer preferida, Noche nupcial o El secreto de vivir. En 1936, se coloca entre los actores más taquilleros, tras el éxito de Tres lanceros bengalíes (The Lives of a Bengal Lancer). En 1944 funda su propia productora, Internacional Pictures Inc., con la que produce y protagoniza Casanova Brown y El caballero del oeste (Along came Jones).

Su gran popularidad se basaba en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y desgarbado, encarnando mejor que nadie al "americano ideal", hombre íntegro y caballeroso. Mantuvo una buena amistad con Picasso y con Ernest Hemingway, con quien coincidió en el rodaje de Adiós a las armas. Fue miembro de la asociación anticomunista de actores Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals. Pero a pesar de tener ideas conservadoras evitó delatar a sus compañeros de profesión durante la famosa Caza de brujas.

Aunque tuvo muchos romances, sólo se casó una vez, con la actriz Verónica Balfe. En especial, mantuvo una fuerte relación sentimental con la actriz Patricia Neal, desde que rodaron juntos El manantial (The Fountainhead), en 1949, idilio que finalizó tras protagonizar la pareja la película El rey del tabaco (Bright Leaf, 1950), dado que la mujer del actor se negó a concederle el divorcio. En su impresionante carrera rodó a las órdenes de los mejores directores de cada época: Clarence Brown, Frank Lloyd, Josef von Sternberg, Henry King, William A. Wellman, Frank Borzage, Lewis Milestone, Victor Fleming, Rouben Mamoulian, Ernst Lubitsch, Norman Z. McLeod, Stephen Roberts, Richard Boleslawski, Henry Hathaway, King Vidor, Frank Capra, Cecil B. De Mille, William Wyler, Howard Hawks, Sam Wood, Raoul Walsh, Michael Curtiz, Fred Zinnemann, Robert Aldrich, Billy Wilder, Anthony Mann, Delmer Daves o Robert Rossen.

También trabajó junto a muchas de las actrices más fascinantes del momento: Vilma Bánky, Clara Bow, Nancy Carroll, Gloria Swanson, Lupe Vélez (con la que tuvo un sonado romance), Marlene Dietrich, Sylvia Sidney, Fay Wray, Carole Lombard, Helen Hayes, Claudette Colbert, Joan Crawford, Jean Harlow, Jean Parker, Ida Lupino, Barbara Stanwyck, Jean Arthur, Joan Bennett, Merle Oberon, Susan Hayward, Teresa Wright, Ingrid Bergman, Lilli Palmer, Paulette Goddard, Patricia Neal, Ruth Roman, Grace Kelly, Audrey Hepburn, Dorothy McGuire, María Schell, Deborah Kerr o Rita Hayworth. En España se recuerda especialmente su trabajo con Sara Montiel en el western Vera Cruz. Murió el 13 de mayo de 1961, a los 60 años, víctima de un cáncer, como consecuencia de su adicción al tabaco.

FILMOGRAFIA

El águila negra (The Eagle) (1925)
The Lucky Horseshoe (1925)
La horda maldita (The Thundering Herd) (1925)
Tricks (1925)
El ocaso de una raza (The Vanishing American) (1925)
Promesa en prenda (Wild Horse Mesa) (1925)
La colina encantada (The Enchanted Hill) (1926)
Three Pals (1926)
Watch Your Wife (1926)
Flor del desierto (The Winning of Barbara Worth) (1926)
Camino de Arizona (Arizona Bound) (1927)
Hijos del divorcio (Children of Divorce) (1927)
Ello (It) (1927)
El último bandido (The Last Outlaw) (1927)
Nevada (Nevada) (1927)
Alas (Wings) (1927)
Beau Sabreur(1928)
Esclava por amor (Doomsday) (1928)
El primer beso (The First Kiss) (1928)
Solos en una isla (Half A Bride) (1928)
La legión de los condenados (The Legion of the Condemned) (1928)
El gran combate (Lilac Time) (1928)
El ángel pecador (The Shopworn Angel) (1928)
Perfidia (Betrayal) (1929)
Seven Days' Leave (1929)
El virginiano (The Virginian) (1929)
El canto del lobo (Wolf Song) (1929)
A Man From Wyoming (1930)
Marruecos (Morocco) (1930)
Only The Brave (1930)
Galas de la Paramount (Paramount on Parade) (1930)
Sangre y oro (The Spoilers) (1930)
Todo un hombre (The Texan) (1930)
Las calles de la ciudad (City streets) (1931)
Caravanas bélicas (Fighting Caravans) (1931)
Una mujer a bordo (His Woman) (1931)
Acepto a esta mujer (I Take This Woman) (1931)
Entre la espada y la pared (Devil and the Deep) (1932)
Adiós a las armas (A Farewell to Arms) (1932)
Si yo tuviera un millón (If I Had a Million) (1932)
Make Me a Star (1932)
Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland) (1933)
Una mujer para dos (Design for living) (1933)
La mujer preferida (One Sunday Afternoon) (1933)
Vivamos hoy (Today We Live) (1933)
Ahora y siempre (Now and Forever) (1934)
La espía Nº 13 (Operator 13) (1934)
Tres lanceros de Bengala / Tres lanceros bengalíes (The Lives of a Bengal Lancer) (1935)
Sueño de amor eterno (Peter Ibbetson) (1935)
Noche nupcial (The Wedding Night) (1935)
Deseo (Desire) (1936)
El general murió al amanecer (The General Died at Dawn) (1936)
Hollywood Boulevard (Hollywood Boulevard) (1936)
El secreto de vivir (Mr. Deeds Goes to Town) (1936)
El Llanero/ Bufallo Bill (The Plainsman) (1936)
Almas en el mar (Souls at sea) (1937)
Las aventuras de Marco Polo (The Adventures of Marco Polo) (1938)
La octava mujer de Barba Azul (Bluebeard's Eighth Wife) (1938)
El vaquero y la dama (The cowboy and the lady) (1938)
Beau Geste (Beau Geste) (1939)
La jungla en armas (The Real Glory) (1939)
Policía montada del Canadá (Northwest Mounted Police) (1940)
El forastero (The westerner) (1940)
Bola de fuego (Ball of Fire) (1941)
Juan Nadie (Meet John Doe) (1941)
Sargento York (Sergeant York) (1941)
El orgullo de los yankis (The pride of the yankees) (1942)
¿Por quién doblan las campanas? (For whom the bell tolls) (1943)
Casanova Brown (Casanova Brown) (1944)
Por el valle de las sombras (The story of Dr. Wassell) (1944)
El caballero del oeste (Along came Jones) (1945)
La exótica (Saratoga Trunk) (1945)
Clandestino y caballero (Cloak and dagger) (1946)
Black Gold (Black Gold) (1947)
Los inconquistables (Unconquered) (1947)
Variety Girl (Variety Girl) (1947)
El buen Sam (Good Sam) (1948)
El manantial (The Fountainhead) (1949)
It's a Great Feeling (It's a Great Feeling) (1949)
Puente de mando (Task Force) (1949)
El rey del tabaco (Bright Leaf) (1950)
Dallas, ciudad fronteriza (Dallas) (1950)
Tambores lejanos (Distant Drums) (1951)
It's a Big Country (It's a Big Country) (1951)
Starlift (Starlift) (1951)
You're in the Navy Now (You're in the Navy Now) (1951)
A la hora señalada / Solo ante el peligro (High Noon) (1952)
El honor del capitán Lex (Springfield Rifle) (1952)
Soplo salvaje (Blowing Wild) (1953)
Retorno al paraíso (Return to paradise) (1953)
El jardín del diablo (Garden of Evil) (1954)
Veracruz (Vera Cruz) (1954)
El proceso de Billy Mitchell (The Court-Martial of Billy Mitchell) (1955)
La gran tentación / La gran prueba (Friendly Persuasion) (1956)
Amor en la tarde / Ariane (Love in the afternoon) (1957)
El hombre del Oeste (Man of the West) (1958)
10 calle Frederick (Ten North Frederick) (1958)
Alias Jesse James (Alias Jesse James) (1959)
El árbol del ahorcado (The Hanging Tree) (1959)
Llegaron a Cordura (They Came to Cordura) (1959)
Misterio en el barco perdido (The wreck of the Mary Deare) (1959)
Sombras de sospecha (The naked edge) (1961)

viernes

HASTA QUE LLEGO SU HORA


HASTA QUE LLEGO SU HORA (C'ERA UNA VOLTA IL WEST)
1968
Italia/España
Director: Sergio Leone
Argumento : Dario Argento, Bernardo Bertolucci, Sergio Leone
Guión : Sergio Leone, Sergio Donati
Director de Fotografía : Tonino Delli Colli
Música : Ennio Morricone

Intérpretes:
Claudia Cardinale, Charles Bronson, Henry Fonda, Jason Robards, Gabriele Ferzetti, Woody Strode, Jack Elam, Lionel Stander, Paolo Stoppa, Frank Wolff, Marco Zuanelli, Al Mulock, Keenan Wynn, Simonetta Santaniello, Enzo Santaniello, Luigi Ciavarro, John Frederick, Spartaco Conversi, Aldo Berti, Michael Harvey, Antonio Molino Rojo, Benito Stefanelli, Frank Braña, Fabio Testi, Claudio Scarchilli, Aldo Sambrell, Salvo Basile, Bruno Corazzari, Claudio Mancini, Luana Strode, Tullio Palmieri, Renato Pinviroli, Ricardo Palacios, Robert Spafford, Bill Crawley, Francesca Leone, Raffaella Leone, Don Galloway, Livio Andronico, Paolo Figlia, Stefano Imparato, Frank Leslie, Luigi Magnani, Umberto Morsella, Enrico Morsella, Conrado San Martín, Giovanni Ivan Scratuglia, Dino Zamboni, Lorenzo Robledo.

SINOPSIS: Brett McBain, granjero viudo de origen irlandés, vive con sus hijos en una finca levantada sobre el terreno arenoso y desértico del Oeste americano. Allí piensa que será feliz con su segunda y reciente esposa, Jill, que debe llegar desde Nueva Orleans, y a la que prepara un fiesta de bienvenida. Pero antes, una partida de bandoleros acaba con las vidas de Mac y sus hijos. Cuando Jill llega a la hacienda queda impresionada por una matanza que nadie se explica.

Una obra maestra, tanto del Spaghetti western como del cine. Leone demuestra que sabe como volver a reinventarse, y cierra su camino por el western con esta brutal cinta en la que vemos como el progreso acaba con los tiempos de pistoleros montados a caballo. La película esta lleno de momentos brillantes, comenzando con el inicio, con la llegada de el protagonista a la estación, y su enfrentamiento contra los 3 pistoleros. Hay que decir que Leone lo rueda todo jugando con los tiempos, sin prisas en enseñar nada, recreándose en los detalles y en los personajes. Eso ha echo que a muchos no le termine de gustar "Hasta que llegó su hora", ya que se puede hacer demasiado larga, pero es que Leone se permite hacer lo que nadie hace, y es montar a gusto, sin la distribuidora imponiendo ni cortando.
Leone hablando sobre el film afirmó que el ritmo de la película es como los últimos jadeos de un moribundo antes de irse de este mundo, por eso la acción se retrasa o de repente se acelera.
Quizás en cuanto al reparto, Fonda esta sublime en el papel de un temible forajido que ni siquiera pestañea al matar a un niño, en su papel mas oscuro y siniestro. Y también hay que resaltar la insultarte belleza y sensualidad que desprende Claudia Cardinale, en otro gran papel.

La labor de dirección de Sergio Leone me parece de libro o de academia: la planificación de las escenas, los movimientos de cámara (maravillosos travelling, perfecta utilización de la grúa como en la escena en la que Jill llega al pueblo, uso racional del zoom), la combinación de planos cortos con planos largos, etc. Así la peli está plagada de grandes momentos: desde la larga secuencia inicial en la que tres pistoleros esperan la llegada del tren en el que viaja Charles Bronson que está inspirada en la famosa escena del tren de “Solo ante el peligro”; pasando por la presentación de Henry Fonda con la cámara rodeando su rostro hasta que vemos sus ojos azules, fríos como la muerte o el estupendo duelo entre Harmonica y Frank, con una gran labor en el montaje y un magnífico flashback a través del cual conoceremos el motivo de la venganza; hasta ese gran y metafórico final con la muerte de Jason Robards al mismo tiempo que llega el tren; así, como ya hiciese John Ford en “El hombre que mató a Liberty Valance”, Leone nos muestra cómo los personajes de Harmonica, Frank y Cheyenne, que han impuesto hasta ahora su ley a través de las armas, están condenados a desaparecer con la llegada de la civilización y a dejar paso a los educados habitantes del este, representados por el personaje de Jill, que son los que construirán y harán grande al país.

Tan importante como la labor de dirección de Sergio Leone es el trabajo de Ennio Morricone en la composición de la banda sonora (para mí una de las mejores de la historia del western), ya que va a crear un tema para cada personaje principal con el objetivo de que les identifiquemos con su melodía, así la música se convierte en un elemento dramático fundamental.
Tanto la fotografía del habitual en el cine de Passolini Tonino Delli Colli (¡qué bien retratado está el Monument Valley!) como la dirección artística son sobresalientes, beneficiados por un presupuesto nada cicatero. Por último, en cuanto a los actores creo que dieron lo mejor de sí mismos. Henry Fonda crea a uno de los mejores malos que he visto en el cine, Jason Robards está enorme en el papel de romántico y entrañable bandido, Charles Bronson no desentona como el vengativo pistolero lo que en su caso es decir mucho, y Claudia Cardinale, en un papel muy importante inusual en las pelis del oeste, demuestra que, aparte de ser una mujer muy bella, es una estupenda actriz que, tras trabajar con Fellini y Visconti, intentaba introducirse en los EEUU (acababa de rodar “Los profesionales” un gran western de Richard Brooks). Junto a ellos un gran número de estupendos secundarios, tanto europeos como Gabriele Ferzetti o Frank Wolf (éste era norteamericano pero desarrollo su carrera básicamente en Europa), como veteranos norteamericanos: Woody Strode, Jack Elam, Lionel Stander o Keenan Wynn. Además podemos distinguir en papeles muy cortos a varios habituales de los spaghettis entre los que destacan Aldo Sambrell, Fabio Testi o Frank Braña. De esta forma, con el casting, también se está subrayando la idea de combinar clasicismo con modernidad.

HENRY FONDA

Actor estadounidense (1905 Nebraska-1982 California) cuyo verdadero nombre era Henry Jaynes Fonda y patriarca de una saga de intérpretes: sus hijos Jane y Peter y su nieta Bridget. Posee una de las carreras más extensas y exitosas en la historia del cine con más de cien apariciones en la gran pantalla en las que con un estilo sobrio y contenido dotó a sus personajes de una gran profundidad, encarnando como pocos al norteamericano medio. Hijo de un impresor, sus primeros pasos se encaminaron hacia el mundo del periodismo que pronto abandonó por la interpretación teatral (una de sus grandes pasiones que nunca abandonó) primero como aficionado en el teatro de Omaha, dirigido por la madre de Marlon Brando, y, posteriormente, en Broadway con la University Player donde conocerá, entre otros, a James Stewart y Margaret Sullivan.

Tras protagonizar dos exitosas obras de teatro “I love you Wednesday” dirigida por George Cukor y “The farmer takes a wife” dirigida por Elia Kazan, se le abren las puertas de Hollywood y debuta en “Contrastes” (1935), adaptación de Victor Fleming de la última obra de teatro citada. Contratado por la poderosa Twenty Century Fox, durante las dos siguientes décadas se convirtió en uno de los actores más estajanovista de la época, participando en todo tipo de géneros con los más grandes directores: Fritz Lang (“Sólo se vive una vez” y “La venganza de Frank James”, segunda parte de “Tierra de audaces” que también protagonizó junto a Tyrone Power bajo la dirección de Henry King), William Wiler (“Jezabel” junto con la gran Bette Davis en su típico papel de malvada), Preston Sturges (“Las tres noches de Eva” extraordinaria comedia en la que padecía los enredos de Barbara Stanwyck), William Wellman (“Incidente en Ox-Bow” un excepcional western en el que se cuestionaba la ley de Lynch y ofrecía una imagen del oeste poco heroica). Pero es sin duda su colaboración con el genial John Ford la que más le va a marcar, así participara sucesivamente en “El joven Lincoln” (genial biografía de los primeros años como abogado de Lincoln), “Corazones indomables”(estupendo western ambientado en el siglo XVIII), la extraordinaria adaptación de “Las uvas de la ira” en la que dio vida a Tom Joad y por la que fue nominado al Oscar, “Pasión de los fuertes” (recreación bastante libre del duelo en el OK Corral),“El fugitivo” (fallida adaptación de una la gran novela de Graham Greene “El poder y la gloria”) y “Fort Apache” (primera parte de la mítica trilogía sobre la caballería en la que interpretó al Coronel Thrusday un clasista y racista militar trasunto de Custer).

En la siguiente década, liberado del contrato con la Twenty, espació sus apariciones en la gran pantalla; no obstante se le pudo ver en grandes películas como la colosal adaptación de la inmortal obra de Tolstoi “Guerra y paz” realizada por King Vidor, el magnífico thriller basado en un caso real “Falso culpable” de Alfred Hitchcock o los notables westerns “Cazador de forajidos” dirigida por Anthonny Mann y “El hombre de las pistolas de oro” filmada por Edward Dmytryk; además de reservarse el principal papel de “Doce hombres sin piedad”, que también produjo y por la que fue nominado de nuevo al Oscar.

La década de los sesenta supone la de su aparición en grandes superproducciones caracterizadas por sus espectaculares repartos como “Tempestad sobre Whasington” y “Primera victoria” ambas de Otto Preminger, “La conquista del Oeste” (una especie de compendio de los temas tratados en los westerns) o las bélicas “El día más largo” y “La batalla de las Ardenas”; además coprotagonizará notables películas como el duro thriller de Don Siegel “Brigada homicida” con Richard Widmark, que dio lugar a una serie de televisión, “El estrangulador de Boston” dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Tony Curtis y el western paródico “El día de los tramposos” de Joseph L. Mankiewicz junto a Kirk Douglas. En 1968 rodará una de las cumbres del western “Hasta que llegó su hora” en la que, en una gran interpretación, dio vida a Frank uno de los pistoleros más fríos y despiadados, capaz de asesinar a un niño sin pestañear, vistos en un western. Su contribución al spaghetti se completó con su papel de Jack Beauregard en “Mi nombre es ninguno” (1973) film alegórico sobre la muerte del western. En la década de los setenta sus trabajos son cada vez más escasos y menos interesantes (incluso aparece en varias películas de catástrofes tan en boga durante esa época: “Tentáculos”, “El enjambre” o “Meteoro”). En 1980 recibió un Oscar honorífico y, por fin, al año siguiente obtuvo el Oscar al mejor actor por su papel en el film “En el estanque dorado” de Mark Rydell, película que, además, le dio la oportunidad de trabajar junto a su hija Jane.

En 1982 moría de un fallo cardiaco este gran actor del que John Ford a una pregunta de una periodista dijo “¿Usted ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine”.

Filmografía SW

1968.- Hasta que llegó su hora
1973.- Mi nombre es ninguno.