miércoles

LA JUSTICIA DE LOS FORAJIDOS


The Long Kill
USA
Año: 1998
Dirección:
Bill Corcoran
Guión: Gene Quintano
Fotografía: Federico Ribes
Música: Jay Gruska

Reparto:
Kris Kristofferson, Willie Nelson, Leonor Watling, Simón Andreu, Sancho Gracia, Jonathan Banks y Tony Isbert

Clinton sale de la cárcel tras ocho años de trabajos forzados. Ahora su única intención es la de vengarse de sus antiguos compañeros a los que culpa de haberle delatado. Consigue dar caza a uno de ellos. Situación que provoca que su hijo intente vengar la muerte de su padre y, para ello, contará con la ayuda del resto de la antigua banda. Éstos viajarán hasta llegar a la frontera con México, donde Clinton los espera para un combate final.

Kris Kristofferson, Willie Nelson y Johnny Cash, grandes figuras de la música country norteamericana, intervinieron juntos en varias películas del western, de escaso presupuesto, y coproducidas por ellos mismos, en virtud de su amistad y su común afición por el género, casi todas destinadas directamente al mercado del vídeo. Entre ellas figura esta rareza, "The long kill", dirigida por un cuasi desconocido Bill Corcoran, con la particularidad de rodarse en España y con la participación de conocidos actores patrios como el gran Sancho Gracia y Simón Andreu. El film quiere ser un homenaje al spaghetti-western de mediados de los sesenta y parte de los setenta, pero el resultado queda frustrado por un guión flojo y una dirección carente de brío, sin que la buena fotografía y la correcta puesta en escena remonten la calidad del producto final.

Evidentemente, lo mejor de la película (para los aficionados al western y al country), son los protagonistas, aunque el paso de los años pesan demasiado sobre ellos, especialmente en Willie Nelson, convertido en un venerable anciano de larguísima trenza blanca, que vuelve a manejar los revólveres para vengar a su amigo. Kristofferson aguanta mejor el tipo e interviene más y mejor en el desarrollo final de la venganza contra Clinton, encarnado por un malo malísimo Sancho Gracia, que borda el papel.

Resumiendo, western crepuscular de bajo presupuesto, homenaje al spaghetti, grandes actores en el ocaso y música excelente para los aficionados al género.


KRIS KRISTOFFERSON

Kris Krisfofferson nació el 22 de junio de 1936 en Brownsville (Texas), hijo de Mary Ann y de Lars Henry Kristofferson, un oficial del Cuerpo Aéreo del Ejército de los Estados Unidos y posterior General de la Fuerza aérea de los Estados Unidos. Sus abuelos paternos emigraron desde Suecia, mientras que por familia materna su ascendencia era irlandesa. Durante su infancia, su padre intentó animarlo a que emprendiera una carrera militar.

Durante su infancia, Kristofferson cambió frecuentemente de localidad, hasta fijar su residencia en San Mateo, California, donde se graduó en la escuela secundaria local. En 1954, se matriculó en el Pomona College, donde experimentó sus primeros momentos de fama al aparecer en la revista Sports Illustrated por sus logros en deportes como el rugby y el fútbol americano. Kris se convirtió en miembro de la fraternidad Kappa Delta dentro de la Universidad y obtuvo un summa cum laude al graduarse en Literatura en 1958. En una entrevista concedida en 2004, Kristofferon mencionó al profesor de filosofía Frederick SOntag como una influencia importante en su vida.5

En 1960, Kristofferson se graduó en Literatura inglesa y contrajo matrimonio con su novia, Fran Beer. Por presión familiar se alistó en la Armada estadounidense y alcanzó el rango de Capitán. Además, se convirtió en piloto de helicópteros tras recibir entrenamiento en Fort Rucker, Alabama. A comienzos de la década de 1960, estuvo en Alemania Occidental como miembro de la 8ª División de Infantería. Durante esta época retomó su afición por la música y formó una banda. En 1965, cuando terminó su periodo de servicio, se le asignó la tarea de enseñar Literatura inglesa en la Academia Militar de los Estados Unidos.7 En su lugar, decidió abandonar la Armada y comenzó a escribir canciones, lo cual obtuvo el rechazo de su familia, con quien nunca volvió a: su familia vio la decisión de Kristofferson como un rechazo a todo lo que representaba el Ejército para ellos, a pesar de que su hijo dijo sentirse orgulloso de la instrucción recibida e incluso recibió el Premio al Veterano del Año en 2003. Kris dijo sentirse muy influido por el poeta William Blake durante su estancia en Oxford, quien proclamó que si alguien tenía un talento creativo dado por Dios, entonces debería aprovecharlo o bien recoger la tristeza y la desesperación. Kristofferson mandó varias composiciones a Marijohn Wilkin, un compositor de éxito en Nashville, Tennessee, pero al llegar a la ciudad para ver a Sam Phillips, creador de Sun Records, sus zapatos estaban, según el propio Phillips, «cayendo de sus pies».

En 1966, Dave Dudley publicó el sencillo «Viet Nam Blues», una canción compuesta por Kristofferson y que obtuvo repercusión a nivel local. Un año después, Kristofferson firmó un contrato discográfico con Epic Records y publicó un sencillo, «Golden Idol», con «Killing Time» como cara B, que no obtuvo un éxito importante. En los siguientes meses, otros artistas grabaron y publicaron material compuesto por Kristofferson, como Roy Drusky con «Jody and the Kid», Billy Walker con «From the Bottle to the Bottom», Ray Stevens con «Sunday Mornin' Comin' Down», Jerry Lee Lewis con «Once More with Feeling», y Roger Miller con «Me and Bobby McGee», que entraron en las listas de éxitos. A raíz de su éxito como compositor, alcanzó un mayor reconocimiento como intérprete tras su participación en el Newport Folk Festival, donde Cash lo presentó al público.

Tras su paso por Epic, Kristofferson firmó un nuevo contrato discográfico con Monument Records, un sello regentado por Fred Foster, que también fue gerente de Combine Music, la editorial de Kristofferson. En 1970 debutó con Monument con el álbum Kristofferson, que incluyó canciones previamente grabadas por otros artistas y que posteriormente fue reeditado con el título Me and Bobby McGee. Tras su debut discográfico, sus canciones fueron versionadas por otros artistas como Ray Price, Waylon Jennings, Bobby Bare y el propio Johnny Cash, quienes grabaron respectivamente «For the Good Times», «The Taker», «Come Sundown» y «Sunday Mornin' Comin' Down». La versión de «For the Good Times» realizada por Price ganó el Premio a la canción del año, otorgado por la Academia de la Música Country, en 1970, mientras que la versión de «Sunday Mornin' Comin' Down» realizada por Cash recibió el mismo premio de la Academia rival, la Asociación de Música Country, el mismo año.

En 1971, la cantante Janis Joplin, obtuvo un número uno con una versión de «Me and Bobby McGee» publicada en su álbum póstumo, Pearl. El éxito de Joplin fue seguido de otras versiones de composiciones de Kristofferson como «I'd Rather Be Sorry», de Price y Patti Page, «Help Me Make It Through the Night», de Joe Simon y O.C. Smith, y «Please Don't Tell Me How the Story Ends», de Bare. En 1971 publicó su segundo álbum de estudio, The Silver Tongued Devil and I, que obtuvo un notable éxito y consolidó la carrera musical de Kristofferson. Poco después, hizo su debut como actor en el largometraje The Last Movie y apareció en el Festival de la Isla de Wight. El mismo año publicó su tercer álbum, Border Lord, que obtuvo unas ventas inferiores. Además, obtuvo varias nominaciones a los premio Grammy y se alzó con el Grammy a la mejor canción country por el tema «Help Me Make It Through the Night». Su cuarto álbum de estudio, Jesus Was a Capricorn, obtuvo ventas superiores tras ser promocionado con el sencillo «Why Me».

En 1973, Kristofferson contrajo matrimonio con la cantante Rita Coolidge. Ambos publicaron un álbum de estudio, Full Moon, que obtuvo un éxito comercial con varios sencillos y varias nominaciones a los premios Grammy. Aun así, su quinto álbum, Spooky Lady's Sideshow, publicado en 1974, supuso un fracaso comercial y marcó el comienzo de una tendencia decayente en su carrera musical durante la década de 1980. Artistas como Ronnie Milsap y John Duncan continuaron grabando material compuesto por Kristofferson con mayor éxito que el propio músico, e incluso artistas como Willie Nelson llegaron a publicar Willie Nelson Sings Kris Kristofferson, un álbum completo con composiciones de Kristofferson.

Kristofferson mantuvo su vínculo musical con Willie Nelson y formó el supergrupo The Highwaymen junto a Waylon Jennings y Johnny Cash. Su álbum debut, Highwayman, obtuvo un notable éxito comercial, a raíz del cual el grupo continuó trabajando durante más de una década. El primer sencillo del álbum, también titulado «Highwayman», fue galardonado con el premio al sencillo del año por la Academia de la Música Country.10 El mismo año, Kristofferson participó en el largometraje Trouble in Mind y publicó Repossessed, un álbum con un mensaje politizado que obtuvo un notable éxito con el sencillo «They Killed Him», y entró a formar parte del Salón de la Fama de los Compositores.

A pesar del éxito de Highwayman 2, publicado en 1990, la carrera en solitario de Kristofferson mantuvo unos niveles comerciales bajos a comienzos de la década de 1990, si bien el músico siguió grabando. Su participación en el largometraje Lone Star revitalizó su carrera como actor, y participó en otras películas como Blade, Blade II, Blade: Trinity, A Soldier's Daughter Never Cries, Fire Down Below y el remake de El planeta de los simios.

Tras grabar The Road Goes On Forever, un tercer y último álbum de estudio con The Highwaymen, publicó en 1999 The Austin Sessions, un álbum con regrabaciones de antiguas composiciones y que contó con la colaboración de músicos como Mark Knopfler, Steve Earle y Jackson Browne.En 2003, Kristofferson publicó Broken Freedom Song, un álbum en directo grabado en San Francisco (California). Un año después, entró a formar parte del Museo y Salón de la Fama del Country como reconocimiento a su carrera musical y a su contribución a la música country.

En 2006, recibió el Premio Johnny Award del Salón de la Fama de los Compositores y publicó This Old Road, su primer trabajo de estudio con material nuevo en once años. Un año más tarde, Kristofferson ganó el premio Johnny Cash Visionary Award, otorgado por la cadena Country Music Television. Rosanne Cash, hija de Johnny, presentó el galardón durante una gala organizada el 16 de abril en Nashville, Tennessee. En una conexión telefónica durante la ceremonia, Kristofferson dijo sobre Cash, fallecido tres años antes: «John fue mi héroe antes que mi amigo, y cualquier cosa con su nombre es realmente un honor para mí». Un año después, Kristofferson interpretó varios de sus éxitos en el programa de la CMT Studio 330 Sessions.

Desde 1973, Kristofferson centró su trabajo en la industria del cine. Figuró como actor en películas como Blume in Love, dirigida por Paul Mazursky, y Pat Garrett y Billy the Kid, de Sam Peckinpah. Bajo la dirección de Peckinpah volvió a actuar en largometrajes como Bring Me the Head of Alfredo Garcia y Convoy, y participó en otros filmes como Alice Doesn't Live Here Anymore, Vigilante Force y A Star Is Born, por la cual obtuvo el Globo de Oro al mejor actor.
En la cima de su carrera cinematográfica, rechazó participar en las películas Sorcerer, Hanover Street y en First Blood, la primera entrega de la saga Rambo.14 A pesar de su éxito con Barbra Streisand en la película A Star is Born, la carrera musical de Kristofferson declinó durante la segunda mitad de la década de 1970, hasta el punto de que su noveno álbum de estudio, Shake Hands with the Devil, no entró en la lista de éxitos de música country.

En el mismo sentido, sus siguientes trabajos cinematográficos obtuvieron un éxito minoritario: el largometraje Freedom Road no llegó a estrenarse en Estados Unidos, mientras que Heaven's Gate supuso un fracaso para la industria.
En 1986, participó en The Last Days of Frank and Jessee James con Johnny Cash.
En 1989, protagonizó la película Millenium con Cheryl Ladd y en 1996 obtuvo un papel secundario como Charlie Wade, un sheriff corrupto de Texas, en la película de John Sayles Lone Star, nominada al Óscar al mejor guion original.
También interpretó el papel del mentor Abraham Whistler en las tres películas de la saga Blade: Blade (1998), Blade II (2002) y Blade: Trinity (2004). En 1999, coprotagonizó con Mel Gibson la película Payback, y dos años después participó en la nueva versión de El planeta de los simios, dirigida por Tim Burton.

Kristofferson ha estado casado tres veces y tiene ocho hijos. En 1960, contrajo matrimonio con su novia Fran Beer, con quien tuvo dos hijos, Tracy y Kris. Tras su divorcio en 1969, Kristofferson conoció a Janis Joplin, con quien mantuvo una relación sentimental antes de su muerte. En una entrevista concedida a la revista Rolling Stone, Joan Baez comentó que tuvo un breve romance con Kristofferson entre 1970 y 1971. En 1973, contrajo matrimonio con la cantante Rita Coolidge, con quien tuvo una hija, Casey Kristofferson. La pareja se divorció en 1980. En 1983, Kristofferson se casó con Lisa Meyers, con quien tiene cinco hijos: Jesse Turner, Jody Ray, Johnny Robert, Kelly Marie y Blake Cameron.

FILMOGRAFIA

The Last Movie (1971)
Cisco Pike (1972)
Gospel Road: A Story of Jesus (1973)
Pat Garrett and Billy the Kid (1973)
Blume in Love (1973)
Bring Me the Head of Alfredo García (1974)
Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore) (1974)
The Sailor Who Fell from Grace with the Sea (1976)
Vigilante Force (1976)
A Star is Born (1976)
Semi-Tough (1977)
Convoy (1978)
La puerta del cielo (1980)
Rollover (1981)
Songwriter (1984)
Flashpoint (1984)
Trouble in Mind (1985)
The Last Days of Frank and Jesse James (1986)
Blood & Orchids (1986) (telefilme)
Amerika (1987) (miniserie)
What I've Learned About US Foreign Policy: The war against the Third World. Secrets of the C.I.A., Documentary (1987)
Big Top Pee-wee (1988)
The Tracker (1988) (telefilme)
Millenium (1989)
Welcome Home (1989)
Sandino (1990)
Night of the Cyclone (1990)
Original Intent (1992)
Knights (película) (1992)
Paper Hearts (1993)
No Place to Hide (1993)
Pharaoh's Army (1995)
Lone Star (1996)
Blue Rodeo (1996) (telefilme)
Message to Love: The Isle of Wight Festival (1997) (documental)
Fire Down Below (1997)
Girls' Night (1998)
Blade (1998)
Dance with Me (1998)
A Soldier's Daughter Never Cries (1998)
The Land Before Time VI: The Secret of Saurus Rock (1998) (voz)
Payback (1999)
Molokai: The Story of Father Damien (1999)
Limbo (1999)
The Joyriders (1999)
Comanche (2000)
The Ballad of Ramblin' Jack (2000) (documental)
Immaculate Funk (2000) (documentary)
Planet of the Apes (2001)
Chelsea Walls (2001)
Wooly Boys (2001)
John Ford Goes to War (2002) (documental, narrador)
D-Tox (aka Eye See You) (2002)
Blade II (2002)
Easy Riders, Raging Bulls: How the Sex, Drugs and Rock 'N' Roll Generation Saved Hollywood (2003) (documental)
Where the Red Fern Grows (2003)
Silver City (2004)
Final Cut: The Making and Unmaking of 'Heaven's Gate' (2004) (documental)
Be Here to Love Me: A Film About Townes Van Zandt (2004) (documental)
Blade: Trinity (2004)
Trudell (2005) (documental)
The Jacket (2005)
The Life and Hard Times of Guy Terrifico (2005)
The Wendell Baker Story (2005)
Passion & Poetry: The Ballad of Sam Peckinpah (2005) (documental)
Dreamer: Inspired by a True Story (2005)
GUN (2005) (videojuego) Voz de Ned
Disappearances (2006)
Fast Food Nation (2006)
Bloodworth (2010)
Dolphin Tale (2011)
Deadfall (La huida) (2012)

VEINTE PASOS PARA LA MUERTE


Veinte Pasos para la Muerte
1970
Director: Manuel Esteba y José Ulloa
Guión: Ignacio F. Iquino
Musica: Enrique Escobar
Fotografía: Antonio L. Ballesteros

Reparto:

Dean Reed, Alberto Farnese, Patty Shepard, Luis Induni, Maria Pia Conte, Marta May, Tony Chandler, César Ojinaga, Alejandro Ulloa, Gustavo Re, José Ignacio Abadal, Gaspar 'Indio' González, Elena Pironti, Fernando Rubio, Antonio Molino Rojo, Angel Lombarte, Marta Flores, Alberto Severi

Pésimo spaghetti western.
A su falta de guión, le tenemos que sumar también la falta de presupuesto. Y si encima los actores no son muy buenos, pues la cosa no funciona nunca.
Después de acabar la guerra, un soldado sureño vuelve a su rancho, pero antes salva a un mestizo de la muerte, así que este se va a vivir con él y con la hija del soldado.
Al cabo de los 10 años, aparece por el rancho un hermano de un hombre al que mató el ex-soldado, y ya tenemos la cosa lista.

Esta es la base del guión, que por desgracia al poco ya comienza a dar vueltas sin sentido de situaciones estúpidas a diálogos de madera.
Mención aparte merecen el aspecto técnico. Al inicio de la película hay un inserto de un mensaje escrito en un papel que da vergüenza ajena, de lo cutre que es. Había poco dinero, pero para poner eso, mejor no poner nada. La iluminación se nota por su ausencia. Y el recurso de la cámara acelerada para parecer que los actores se mueven mas rápido es de risa...
El maquillaje del protagonista, que supuestamente es un mestizo, es peor del que cualquier puede hacerse en su casa con un par de pinturas de carnaval.
La localización para rodar Curro Jimenez estaría genial, pero esos montes no son muy del oeste que digamos...
Y podría seguir, pero no me quiero cebar.

En su lado bueno (que alguno tiene que tener), están un par de escenas de tiros, y los dos duelos contando hasta veinte. Demasiado poco. (TEXTO SW)

DEAN REED

Actor, cantante, compositor y ocasional director y guionista estadounidense (1938 Colorado-1986 Berlín) apodado el Elvis Rojo por su ideología marxista.

Hijo de un granjero anticomunista, tras estudiar meteorología, decide marchar a Hollywood donde será admitido en la escuela de interpretación de la Warner Brothers. Allí conocerá a Paton Price, un famoso pacifista radical, que le influirá decisivamente. En 1958 firma un contrato con Capital Records en donde graba tres discos y también aparece en algunas series de televisión. A pesar de ello no obtiene el reconocimiento deseado; por lo que al enterarse de que un single “My summer romance” se había convertido en número uno en Chile decide marchar a Sudamérica para realizar una gira, pero dado su éxito creciente que va más allá del mundo musical (conoce a personalidades como Salvador Allende, Pablo Neruda y Víctor Jara y se convierte en un icono para la izquierda de este continente) resuelve quedarse en Chile y, posteriormente, en Argentina en donde rodará tres comedias musicales (dos de ellas dirigidas por Enrique Carreras), dispondrá de su propio programa de televisión y continuará con su arrolladora carrera musical (en el Cono Sur llegó a ser más popular que el propio Elvis) mezclando versiones de temas de rock and roll, canciones protesta e, incluso, himnos comunistas como “Venceremos”.

Tras el golpe militar de 1966 en Argentina y una breve estancia en España, recalará en Italia en donde protagonizará varios spaghettis. Su debut en este subgénero tiene lugar en la película “Buckaroo” en 1967 en la que también cantaba el tema principal; a partir de ese momento y hasta 1981 intervendrá en nueve eurowesterns rodados en Italia y Alemania del Este, de entre los que destacan “Adiós Sabata”, película dirigida en 1971 por Gianfranco Parolini en la que compartía cartel con una estrella de la talla de Yul Brinner y “Sing, cowboy, sing” en 1981 película que el mismo dirigió sobre un guión propio.

Paralelamente continúa con su exitosa carrera como cantante (se convierte en una auténtica leyenda en los países del otro lado del antiguo Telón de Acero ya que es el primer cantante que interpreta temas de The Beatles y de Elvis en estos países y llena estadios con capacidad para más de 60.000 personas) y su labor de concienciación política iniciada en Europa tras su intervención en la Conferencia de Paz de Helsinki, lo que le abrirá las puertas de la URSS invitado por el Komsomol y le llevará a manifestarse a favor de la invasión soviética de Afganistán, en contra del golpe de estado de Pinochet o en apoyo de la revolución sandinista (aparecerá fotografiado junto al líder Daniel Ortega) y de la OLP (conocerá personalmente a Arafat).

Tras su estancia en las cárceles de EEUU y Argentina (países a los que quiso retornar) se instala en la antigua República Democrática Alemana. En junio de 1986 desaparece justo antes de comenzar el rodaje de una película sobre la matanza de Wounded Knee y su cuerpo es encontrado cinco días después en un lago cercano a la ciudad de Berlín.

Su extraña muerte ha alentado todo tipo de teorías que van desde el suicidio (hecho desmentido por sus allegados pues estaba realmente ilusionado con la nueva película ya que pensaba que por fin podría lanzar su carrera en los EEUU), pasando por un accidente e, incluso, su posible asesinato al haberse convertido en un elemento incomodo a ambos lados del Telón de Acero (se confesaba marxista pero no comunista, nunca quiso renegar de su nacionalidad y mantenía que tan sólo era un patriota contrario a la línea política de su país).

Su última aparición tuvo lugar en una coproducción alemano-japonesa de 1984, “Uindii” que apenas tuvo repercusión.

Como anécdotas contaros que en 1978 encarnó a su amigo Víctor Jara para la película televisiva “El cantor” que el mismo dirigió además de ocuparse del guión, y que Tom Hanks se ha hecho con los derechos para llevar a la gran pantalla su vida.

Filmografía SW:

1967- Buckaroo
1968- I nipoti di Zorro
1968- Dio li crea… lo lo ammazzo!
1970- Veinte pasos para la muerte
1971- Adiós Sabata
1973- Storia de karaté, pugni e fagioli
1974- Kit & Co
1975- Blutsbrüder
1981- Sing, cowboy, sing

LUIS INDUNI

Luigi Induni Radice (1920-1979) era de nacimiento italiano, y se convirtió en uno de los actores de reparto más vistos a lo largo de multitúd de spaghettis, casi siempre asumiendo el rol de sheriff.
Combatió en la Segunda Guerra Mundial en el bando del Eje. Tras la guerra, tomó refugio en la “no-beligerante” España y vivió en Barcelona en la pobreza, llegando a dormir a la intemperie.
Comenzó en el cine haciendo labores de limpieza para Iquino a cambio de poder dormir en los estudios.
Poco a poco, y sobre todo a ser rubio con ojos azules, empezó a hacer trabajos como figuración.
Con el nacimiento de los spaghettis, Induni es requerido para trabajar en ellos, y termina asumiendo el rol de sheriff como propio.
Según cuentan de él los que le conocieron, se consideraba el peor actor de España, ya que parece ser que era muy afable y simpatico en el trato, y no dudaba en reirse hasta de sí mismo. Tambien cuentan que durante los rodajes era aficionado a recitar números cuando se le olvidaban los diálogos, cosa que por lo visto era muy habitual.

Filmografía SW:
1963- El sabor de la venganza
1964- Brandy
1964- Tres dólares de plomo
1964- El hombre del valle maldito
1964- Los Rurales de Texas
1964- La tumba del pistolero
1964- Fuera de la ley
1964- Las malditas pistolas de Dallas
1965- Sangre sobre Texas
1965- Uncas, el fin de una raza
1965- Los Cuatro implacables
1965- Los cuatreros
1965- Tumba para un forajido
1965- El hijo de Jesse James
1965- Rebeldes en Canadá
1965- Tierra de fuego
1965- ¿Por qué seguir matando?
1965- Ocaso de un pistolero
1966- Mestizo
1966- Por un puñado de canciones
1966- La venganza de Clark Harrison
1966- Dos pistolas gemelas
1966- El aventurero de Guaynas
1967- Djurado
1967- La Furia de Johnny Kid
1967- Un hombre vino a matar
1967- Winchester Bill
1967- El hombre que mató a Billy el Niño
1968- Fedra West
1968- La Hora del coraje
1968- ¿Quién grita venganza?
1968- Diez horcas para un pistolero
1968- Winchester, uno entre mil
1969- El Vengador del Sur
1969- Garringo
1969- Manos torpes
1970- Un par de asesinos
1970- Los rebeldes de Arizona
1970- Veinte pasos para la muerte
1970- Plomo sobre Dallas
1970- Reza por tu alma... y muere
1970- Buen funeral amigos...paga Sartana
1970- El zorro justiciero
1971- Capitán Apache
1971- Abre tu fosa, amigo, llega Sábata
1971- Las Petroleras
1972- La caza del oro
1972- Tu fosa será la exacta... amigo
1972- Les llamaban y les llaman dos sinverguenzas
1972- Una bala marcada
1973- Un dólar de recompensa
1973- La Ley del karate en el Oeste
1974- Pasión salvaje
1975- El Blanco, el amarillo y el negro
1975- El valle de las viudas

lunes

UN LUGAR LLAMADO GLORY


Un lugar llamado Glory (Die Hölle von Manitoba)
1965
España/Alemania
Director: Sheldon Reynolds
Guión: Jerold Hayden Boyd, Edward Di Lorenzo, Fernando Lamas
Fotografía: Federico G. Larraya
Música: Ángel Arteaga

Reparto:
Lex Barker , Pierre Brice, Marianne Koch, Gèrard Tichi, Ángel del Pozo , Aldo Sambrell , Antonio Molino Rojo, Víctor Israel , Wolfgang Lukschy, Hans Nielsen, Alfonso Rojas , Jorge Rigaud , Carlos Casaravilla, Santiago Ontañón, Alberto Dalbes, Miguel Angel Gil, Luis Barboo, Roberto Martín, Ángel Menendez, Gaspar Gonzalez

Coproducción hispano-alemana de 1965 dirigida por Sheldon Reynolds (director, guionista y productor estadounidense que desarrollo su carrera básicamente en el medio televisivo) en la que demuestra su apego y conocimiento de los westerns clásicos y ha supuesto una agradable sorpresa para mí.

Nos encontramos ante una propuesta muy alejada de la exitosa “Por un puñado de dólares” al tomar como modelo a los westerns norteamericanos, hecho al que no fue ajeno el estar involucrada en el proyecto la Central Cinema Company, productora alemana creada en 1946 por Artur Brauner que en los años sesenta intentó recuperar para Europa a algunos de los talentos que emigraron a Estados Unidos como Fritz Lang con su excepcional díptico situado en la India (“El tigre de Esnapur” y “La tumba india” ambas con Debra Paget de protagonista), William Dieterle o Robert Siodmack el cual dirigió un par de westerns basados en novelas del escritor alemán Karl May también protagonizadas por Lex Barker; además de participar en grandes producciones, al estilo de las realizadas por Samuel Bronston en España, como la saga de los Nibelungos dirigida por Harald Reinl o el film “La invasión de los bárbaros” que, filmada por Siodmack, contó con un gran elenco, y de recuperar una figura clave en el cine fantástico alemán, el Doctor Mabuse.

En esta ocasión trató de explotar el éxito que en Europa y sobre todo en Alemania, donde se había convertido en un gran fenómeno, estaban teniendo la serie de películas basadas en los personajes de Old Shatterhand y Winnetou creados por el mencionado novelista alemán (en concreto se habían estrenado cinco de ellas y la propia CCC había participado en la que constituyó el proyecto más ambicioso, “La última batalla de los apaches” dirigida por el argentino afincado en los EEUU Hugo Fregonese); para lo que contó con sus dos intérpretes principales, auténticos ídolos a mediados de la década de los sesenta, el norteamericano Lex Barker y el francés Pierre Brice y planteó, desde el punto de vista cinematográfico, un western continuista de los protagonizados por ambos.

El film cuenta con dos tramas diferenciadas:

-La primera y más interesante nos muestra a un pueblo, Glory, que todos los años el 4 de octubre, para celebrar el día de su fundación, organiza un duelo a muerte entre dos pistoleros, así se banaliza a la muerte al aparecer ésta, en una gran escena final, como un mero espectáculo en el que tan sólo importa el éxito del mismo (tema tristemente de actualidad con la política de producción de muchas cadenas televisivas en las que se mercadea con las miserias humanas de índole privado de los personajes entrevistados y a las que prácticamente sólo les queda vender la muerte de éstos). Esta interesantísima idea (el tratamiento de la muerte como espectáculo sin ningún tipo de connotación moral), que en principio podría parecer desorbitada, sería retomada por otros dos westerns norteamericanos: la dramática “El gran duelo” dirigida en 1971 por Lamont Johnson y la más desenfadada “Rápida y mortal” que dirigió en 1995 Sam Raimi.


-La segunda apunta a un tema clásico tratado profusamente por el western estadounidense, el enfrentamiento entre colonos (como símbolo de las alambradas y de las cercas) y ganaderos (representantes de los grandes espacios abiertos) en el que se verán involucrados los dos protagonistas durante su estancia en Powder City.

Lo primero que me llamó la atención de la película es su empaque formal con una cuidadísima dirección en la que abundan elegantes movimientos de cámara y bellos encuadres, un acertado montaje, una magnífica fotografía (los escenarios naturales están bellamente retratados, sobre todo los correspondientes a dos escenas que se desarrollan en torno a un río) de Federico Larraya que ya había dado muestras de su buen hacer, junto a Massimo Dallamano, en “Por un puñado de dólares”; así como la gran labor de ambientación para la que se aprovechó el estudio que los hermanos Balcázar tenían en Esplugues de Llobregat y a la que también contribuyó un presupuesto que se antoja superior a la media. Y a ello hay que añadir una adecuada y estupenda banda sonora compuesta por Ángel Arteaga que cuenta con un gran y pegadizo tema principal también de sonoridad clásica.

Como aspectos menos afortunados creo que nos encontramos con el ritmo de la película, así durante parte del desarrollo de la historia en Powder City el western se me hizo un poco lento sobre todo por un guión, en el que intervino el otrora galán Fernando Lamas, que alarga en demasía las situaciones (buena parte del metraje consiste en los repetidos conatos de enfrentamiento entre los hombres de Jack Villaine y los dos protagonistas). Por otra parte el director creo que no consigue dar con el tono adecuado respecto a la tensión creciente entre ambos bandos.


Por lo que respecta a los actores, los astutos productores jugaron con la sorpresa del posible enfrentamiento en un duelo entre los dos protagonistas, Lex Barker y Pierre Brice, que hasta el momento habían aparecido en cuatro películas de la mencionada saga basada en novelas de Karl May como inseparables y leales amigos y hermanos de sangre. Pero mientras el apolíneo Barker se muestra bastante cómodo en el papel de Clint, un pistolero que se gana la vida aceptando duelos y se caracteriza por no llevar sombrero; Brice, un actor con cierto parecido físico con Rock Hudson, no me gustó como el pistolero de origen francés Reese, aliado de Clint en Powder City pero posible rival en Glory, al haber acabado con el pistolero contratado para enfrentarse a Clint. Junto a ellos una más que correcta Marianne Koch (actriz habitual por esos años en los westerns coproducidos por Alemania: “Por un puñado de dólares”, “Tierra de fuego”, “Clint el Solitario”) da vida a Jade, antiguo amor de Clint e hija de Seth un buen hombre que al dejar asentarse a los colonos en sus tierras y, como corresponde a su nombre, protegerlos (el dios Seth en la mitología egipcia era el protector de las caravanas) provoca la ira de Jack; el también alemán Gerard Tichy está estupendo como el malvado y traicionero Jack Villaine, mientras que George Rigaud se muestra convincente como el bondadoso Seth, un antiguo pistolero que ha abandonado las armas. Además aparecen rostros muy conocidos dentro del subgénero como Aldo Sambrell y Antonio Molino Rojo que dan vida a dos de los secuaces de Jack, Ángel del Pozo en el papel de un colono, Víctor Israel en el rol del recepcionista del hotel o Luis Barboo como un espectador-pistolero de Glory.

Por último comentaros que la película obtuvo un gran éxito y gracias a que contó con la distribución de la Embassy Pictures Corporation de Joseph E. Levine fue uno de los primeros euro westerns estrenados en los EEUU, intentando la CCC repetir el éxito al año siguiente con la, para mí, inferior “La balada de Johnny Ringo” en la que volvió a reunir como amantes a Lex Barker y Marianne Koch.

En resumen, un interesante euro western, cercano tanto en uno de sus temas como en el diseño de producción al western clásico, que cuenta con una factura técnica impecable a la altura de las producciones de tipo medio realizadas en los EEUU.

LEX BARKER

Actor estadounidense (Nueva York 1919-Nueva York 1973) cuyo verdadero nombre era Alexander Crichlow Barker Jr.
Procedía de una familia aristocrática (uno de sus ascendientes fundó Rhode Island y otro fue gobernador de Barbados) que le desheredó por dejar sus estudios y dedicarse a la interpretación teatral.

Tras participar en la Segunda Guerra Mundial en la que alcanzó el grado de Mayor y fue herido en la campaña de Sicilia, comienza a trabajar en el cine siendo sus intervenciones más destacados en la década de los cuarenta en “Encrucijada de odios” (1947) gran film noir con una fuerte carga antirracista de Edward Dmytrick que tuvo como protagonistas a Robert Mitchum y Robert Ryan, ”Los inconquistables” (1947) gran western de Cecil B. de Mille con Gary Cooper y Paulette Godard y ”El retorno de los malvados” (1948) otro western con Randolph Scott como protagonista.

Su gran oportunidad le llegó en 1949 cuando Sol Lesser le contrató gracias a su imponente físico (medía más de un metro y noventa centímetros) para sustituir a un avejentado Johnny Weissmuller en el personaje, creado por el escritor Edgar Rice Borrougs, de Tarzán. Lex interpretaría en cinco ocasiones al rey de los monos lo que le otorgaría una gran popularidad, por lo que en la década de los cincuenta protagonizaría un buen número de películas de temática variada de bajo presupuesto (básicamente de aventuras y westerns) como el western del húngaro afincado en los EEUU André de Toth “La última patrulla” (1953) que le volvió a emparejar con Randolph Scott, “Zafarrancho de combate” (1956) film bélico con Jeff Chandler o “Tambores de guerra” western de 1957.

Cansado de participar en producciones de serie b y gracias a su conocimiento de varios idiomas (hablaba inglés, francés, español y alemán) decide regresar a Europa (en 1954 había participado en dos películas de aventuras italianas) donde tras protagonizar varias películas de época en Italia, intervenir en “La dolce vita” (1960) de Federico Fellini en la que interpretó el papel de novio de Anita Ekberg y ser dirigido dos veces por Harald Reinl en películas basadas en el personaje del doctor Mabuse, vivirá una segunda época dorada al dar vida al personaje, creado por el escritor alemán Karl May, de Old Shatterhand al que interpretó en siete ocasiones desde 1962 a 1968, personaje que tenía como fiel amigo al apache Winnetou (al que dio vida el modelo francés Pierre Brice). Por la serie, que tuvo un grandísimo éxito, aparecieron actores tan característicos del spaghetti como Terence Hill, Klaus Kinski, Guy Madison o Walter Barnes y en ella fue ocasionalmente sustituido por Stewart Granger (en tres películas) y Rod Cameron (en una).

Lex siguió trabajando a buen ritmo sobre todo en Europa (de sus más de ochenta películas para la gran pantalla y para la televisión, alrededor de cuarenta fueron rodadas en el viejo continente) hasta el momento de su repentino fallecimiento por un ataque al corazón.
Como anécdota contaros que su última esposa (estuvo casado en cinco ocasiones) fue Carmen Cervera, actual baronesa Von Thyssen.

Filmografía en Eurowestern:


1962.- El tesoro del Lago de Plata.
1963.- Furia apache.
1964.- La última batalla de los apaches.
1964.- Carabina de plata.
1965.- Winnetou-3. Teil.
1965.- Un lugar llamado Glory.
1965.- Der Schatz der Azteken.
1965.- Die Pyramide des Sonnengottes.
1966.- La balada de Johnny Ringo.
1966.- El día más largo de Kansas City.
1968.- El valle de los héroes.

viernes

TEQUILA!


Tequila! (Un, dos, tres...dispara otra vez)
1973
Director: Tulio Demicheli
Música: Lallo Gori
Guión: Miguel Iglesias, Enrique Jose
Fotografía: Guglielmo Mancori

Reparto:
Anthony Steffen, Roberto Camardiel, Eduardo Fajardo, Ágata Lys, John Bartha, Mirko Ellis, Juan Amigo, Jose L. Zalde, Jose L. Chinchilla, Mario Sanz, Joaquin Solis, Manuel Guitian, Juanita Jiminez, Agustin Besco, Julio Milian, Antonio Orengo, Pablo Blanco, Fabian Conde, German Grech.

Shosena, un astuto ladrón de bancos, se asocia con "Jaguar" para dar un gran golpe. Llegan al pueblo donde piensan atracar el banco propiedad de Koven, un hombre que tiene en contra a todos los granjeros del lugar. Su único hijo, George, está enamorado de la hija de Rush, su más airado enemigo. Y... casualmente, Shosena y "Jaguar", para justificar su estancia en el pueblo, se ponen a trabajar para él.

Anthony Steffen es un clásico del Spaghetti western. Esta es una de sus películas menores, junto a Roberto Camardiel, un secundario muy habitual. Aunque el gran secundario de esta peli es el impresionante Eduardo Fajardo, como siempre haciendo de malo. Esta historia es una historia de mentiras. El prota dice ser un hombre de ley, pero solo es un ladrón de bancos. Su compañero dice ser un pistolero sanguinario, pero solo es un impostor. El cacique dice ser un hombre de negocios, pero solo es un usurero. Y los granjeros dicen que son hombres de bien, pero al final se demuestra que la pasta es la pasta.

Con cierto aire de humor, pero sin llegar a dar vergüenza ajena, como muchos westerns mediterraneos de los setentas, y con buena dosis de tiroteos, Demicheli dirige de forma correcta, y logra una obra mucho más interesante que Un hombre y un Colt, su primer Spaghetti wesrtern allá por el 67.
Es una pena que el ritmo caiga a mediado de la película, pero el final esta muy bien, con un buen tiroteo entre tres bandos.

ANTHONY STEFFEN

Su verdadero nombre erá Antonio de Teffé (Roma, 21 de julio de 1930 - Rio de Janeiro, 4 de junio de 2004)
De familia Noble, sus inicios en el cine fueron de mensajero, hasta que a principios de los años 50 comenzó a participar en películas de epopeyas de romanos, comedias, aventuras y alguna gran película como Sodoma y Gomorra, aunque realmente lo que le llevó a la fama fue el nuevo genero que empezó a nacer a principios de los 60, y al que se acercó por su gran parecido con el actor Clint Eastwood, pero en el que llegó a ser el protagonista con más títulos.
Siempre impasible, con una peculiar forma de ponerse el sombrero, con su metro noventa,Steffen lograba darle a los personajes seriedad y empaque, siempre con barba y mirando de forma desafiante.
Una de sus mejores cinta es "Django el Bastardo", un Django que vuelve de la tumba para buscar venganza, en un guión en el que él participó. Pero no solo hizo spaghetti western, en su larga filmografia encontramos muchos géneros y estilos diferentes. Hombre culto, dominaba muchos idiomas. En los años 80 se trasladó a vivir a Brasil, hasta el año 2004 que nos dejó.



sábado

DUELO EN LA ALTA SIERRA


Título original Ride the High Country
Año 1962
Duración94 min.
País Estados Unidos
Director Sam Peckinpah
Guión N.B. Stone Jr.
Música George Bassman
Fotografía Lucien Ballard

Reparto
Joel McCrea, Randolph Scott, Mariette Hartley, Edgar Buchanan, Ron Starr, James Drury, L.Q. Jones, R.G. Armstrong, Jonie Jackson, John Anderson, Warren Oates

Sinopsis

Dos viejos amigos se asocian para escoltar un cargamento de oro desde las minas de Alta Sierra hasta un banco. Uno de ellos (Joel McCrea) es un hombre honrado que sólo se propone hacer bien su trabajo; el otro (Randolph Scott), en cambio, carece de escrúpulos y proyecta robar la valiosa mercancía.

‘Duelo en la alta sierra’ (‘Ride the Hide Country’) supuso la primera victoria de Sam Peckinpah sobre los cegatos productores de entonces, al lograr imponer su montaje al que ellos querían. Un pase de prueba en los cines de los estudios (MGM) hizo que uno de los ejecutivos se quedase dormido nada más empezar la proyección, sentenciando al final que era la peor película que había visto en su vida. Para no gastarse más dinero, dejó que Peckinpah dejase el montaje proyectado, sin darse cuenta de que estaba sentando un precedente: el conceder al director el control total sobre el montaje final de una película. Tras la experiencia, no demasiado satisfactoria, de ‘Compañeros mortales’ (‘The Deadly Companions’, 1961), llegó a manos de Peckinpah un guión de N.B. Stone Jr., el cual dejó maravillado al futuro director de ‘Grupo salvaje’. Éste se puso en contacto con el productor Richard E. Lyons para intentar convencerle de que le dejase dirigir la película con la condición de reescribir algunos diálogos. Lyons le echó un vistazo a algunos de los episodios de ‘The Westerner’, dirigidos por Peckinpah, y quedó maravillado con el enorme potencial que el joven director tenía. No era una oportunidad para dejarla escapar.

‘Duelo en la lata sierra’ es la historia de un viaje lleno de melancolía y nostalgia por los viejos tiempos. Sus protagonistas son dos viejos pistoleros, amigos desde hace muchos años, ahora uno dentro de la ley y el otro fuera. Sin embargo, ambos aceptarán el trabajo de custodiar un importante cargamento de oro, en un viaje lleno de peligros. No sólo deberán enfrentarse a una familia de hermanos obsesionados por una mujer que ha preferido quedarse del lado de los buenos (después de casarse por despecho con uno de los malos, siendo la primera puta del cine de Peckinpah), sino que tendrán que lidiar con sus propias diferencias con respecto al destino del oro.

El guión original se llamaba ‘Guns in the Afternoon’, pero fue cambiado por el propio Peckinpah por el ya conocido, mucho más afín con lo que se narraba. Durante cuatro semanas, el director estuvo retocando el libreto, lo cual derivó en una reescritura total y absoluta de los diálogos existentes, cambiando además el final del film. Los dos personajes centrales intercambiarían sus respectivos destinos, un cambio que demostraría el ojo clínico de Peckinpah para saber aprovechar todas las posibilidades de los relatos que caían en sus manos, algo por lo que se caracterizó a lo largo de su carrera como director y guionista.

Y es que Peckinpah consigue con pequeños elementos, en apariencia insignificantes, vestir y dibujar a sus personajes. Detalles como los del personaje de Warren Oates (actor Peckinpaniano por excelencia) enfadándose con unas gallinas, u obligado por sus hermanos a tomarse un baño (escena totalmente improvisada, siguiendo una sugerencia del director a los actores que pillaron desprevenido a Oates), ayudan a entender su forma de pensar, y sobre todo de perder los estribos, señalándole como alguien de carácter débil por mucho que use la violencia. Todos los personajes pueden presumir de tener un apropiado dibujo, ninguno sobra, todos tiene algo que decir y aportar a la historia. En muchas películas hay personajes de relleno, en ésta no.

Para interpretar a la inolvidable pareja protagonista, Peckinpah tuvo el privilegio (recordemos que sólo tenía una película en su haber, o sea, era prácticamente un desconocido) de contar con Joel McCrea y Randolph Scott, en roles que se intercambiaron antes de comenzar el rodaje porque los actores lo acordaron así. El resultado no pudo estar mejor, ambos dieron lo mejor de sí mismos dando vida a dos hombres cuyo tiempo ha pasado, y tienen una última oportunidad de hacer algo bien. En su última aventura, por así llamarla, se verán asentadas las bases de su amistad. Westrum (Scott) querrá convencer a Judd (McCrea) de quedarse con el oro y de vivir lo que les queda sin ningún tipo de preocupación. Judd se sentirá traicionado (una de las constantes del cine de Peckinpah: la amistad traicionada), y todo quedará resumido en uno de los extraordinarios diálogos que abundan en el film:

- No te preocupes de nada, me encargaré de ello tal y como tú lo hubieras hecho
- Lo sé, siempre lo supe. Simplemente tú lo olvidaste por un momento, eso es todo.

Scott, que había sido el actor fetiche de otro director especializado en westerns, Budd Boetticher, abandonó el cine después de realizar este film, convirtiéndose en un hombre de negocios que jamás concedió entrevistas ni habló de sus trabajos para la pantalla grande. Lo cierto es que Scott nunca fue considerado un actor de primera línea, más bien un secundario de lujo, e incluso sus aportaciones al género con Boetticher tardaron en ser consideradas como lo que son algunas, unas verdaderas joyas. Actor de limitado registro, tuvo la suerte de pertenecer a una época en la que había directores que sabían hacer algo que hoy en día rara vez se ve en el cine americano: dirigir a los actores.

Joel McCrea era mejor, de eso no hay duda, trabajó con los grandes (Wellman, Hitchcock, Sturges…) y en manos de Peckinpah logró una de sus más recordadas interpretaciones, consiguiendo una química especial con Scott, haciendo un mayor hincapié en la edad de su personaje (cansado, tiene que ocultar que necesita gafas para leer, que las cosas ya no son lo que eran). Se acentúa así, el carácter crepuscular de la obra, que ofrece un apretón de manos entre los tiempos pasados y los nuevos, algo que Peckinpah no se cansaría de remarcar en sus futuras películas, siempre con una mirada nostálgica hacia otros tiempos, y con personajes desencajados.

‘Duelo en la alta sierra’ fue un fracaso en el momento de su estreno, pues fue colocada en segundo lugar en un programa doble que compartía con ‘Una vez a la semana’ (‘Boys´ Night Out’, Michael Gordon, 1962), lo cual redujo considerablemente sus posibilidades de éxito. Poco a poco fue alcanzado un merecido prestigio, y muchos críticos la situaron entre lo mejor del año, y como uno de los mejores westerns de la historia (lo es). Los productores enseguida pensaron en promocionar el film de cara a los Oscars, pero Peckinpah los amenazó con denunciarles, ya que su nombre no figuraba en los créditos como guionista. Le hicieron caso.

Sólo por la secuencia final del duelo, el film merece todos los elogios posibles. Asustados del material que Peckinpah había rodado, y según montadores ilustres como Margareth Booth, aquello era imposible de montar debido a la ridiculez de la situación (dos viejos frente a frente contra tres pistoleros). Booth evidentemente se equivocó porque no entendía a Peckinpah, y mucho menos la película. Frank Santillo (Oscar por ‘Grand Prix’ en 1966) se lució siguiendo las indicaciones del director, en una escena que pertenece por derecho propio a los anales del Cine. Prodigio de montaje, ritmo y planificación, dicha secuencia influyó poderosamente en un género que ya estaba enfermo. Peckinpah se encargó de revitalizarlo durante pocos años más, cambiando para siempre la concepción del mismo.

JOEL McCREA

Nació en South Pasadena, California Se interesó en la interpretación tras graduarse en el Pomona College. Trabajó en el cine como extra desde 1927, antes de ser escogido para hacer un papel importante en The Jazz Age (1929). Tras esta película consiguió un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer, y después otro con RKO Pictures. Se asentó como un atractivo protagonista masculino, lo bastante versátil como para trabajar tanto en dramas como en comedias.

En los años treinta, McCrea protagonizó Ave del paraíso, un drama romántico de aventuras al lado de la mexicana Dolores del Río, posteriormente dos westerns de Cecil B. DeMille, Wells Fargo (1937), con su futura mujer Frances Dee, y Unión Pacífico (1939), junto a Barbara Stanwyck. Alcanzó el pico de esta inicial carrera a principios de los años cuarenta, con películas como Foreign Correspondent (Enviado especial) (1940), de Alfred Hitchcock, Sullivan's Travels (Los viajes de Sullivan) (1941), de Preston Sturges, y The Palm Beach Story (Un marido rico) (1942). McCrea también protagonizó dos westerns de William A. Wellman, The Great Man's Lady (Una gran señora) (1942), otra vez con Stanwyck, y Buffalo Bill (Aventuras de Buffalo Hill) (1944), junto al actor de carácter Edgar Buchanan (1944). Tras el éxito de The Virginian (1946), McCrea rodó exclusivamente westerns durante el resto de su carrera—con la excepción de la película británica Rough Shoot (Un disparo en la mañana) (1953). En 1959, Joel McCrea y su hijo Jody McCrea protagonizaron la serie de la NBC Wichita Town, la cual duró una temporada y fue producida por Mirisch Corp. En 1962 se reunió con su veterano compañero de westerns Randolph Scott en Ride the High Country (Duelo en la Alta Sierra) (1962), bajo la dirección de Sam Peckinpah.

McCrea prefirió dedicarse el resto de su vida al trabajo de ranchero. En 1969, fue incluido en el Western Performers Hall of Fame en el National Cowboy & Western Heritage Museum de Oklahoma City, Oklahoma. Por su contribución a la industria cinematográfica, Joel McCrea tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 6901 de Hollywood Blvd., y otra en el 6241 de la misma calle por su contribución a la radio. McCrea se casó con la actriz Frances Dee en 1933. Tuvieron tres hijos, David, Peter, y Jody McCrea, quien también sería actor. Joel y Frances permanecieron casados hasta la muerte del primero en Woodland Hills (Los Ángeles), California, a causa de una neumonía a los 84 años en 1990.

A lo largo de su vida, McCrea y Frances vivieron, criaron a sus hijos, y cabalgaron sus caballos en su rancho en lo que entonces era un área no desarrollada del este del condado de Ventura, en California. Los McCrea donaron varios cientos de acres de su propiedad a la YMCA para la ciudad de Thousand Oaks (California). Hoy en día, la tierra en la que se encuentra la Conejo Valley YMCA es llamada "Joel McCrea Park".

FILMOGRAFIA

The Jazz Age (1929)
Wells Fargo (Una nación en marcha) (1937)
Unión Pacífico (1939)
Foreign Correspondent (Enviado especial) (1940)
Sullivan's Travels (Los viajes de Sullivan) (1941)
The Palm Beach Story (Un marido rico) (1942)
The Great Man's Lady (Una gran señora) (1942)
The more the Merrier (El amor llamó dos veces) (1943)
Buffalo Hill (Aventuras de Buffalo Hill) (1944)
The Virginian (1946)
Ramrod (La mujer de fuego) (1946)
Four Faces West (1948)
South of St. Louis (Al sur de San Luis) (1949)
Colorado Territory (Juntos hasta la muerte) (1949)
The Outriders (1950)
Stars in My Crown (1950)
Saddle Tramp (1950)
Frenchie (1950)
Cattle Drive (1951)
The San Francisco Story (1952)
Rough Shoot (Un disparo en la mañana) (1953)
The Lone Hand (1953)
Border River (1954)
Black Horse Canyon (1954)
Stranger on Horseback (1955)
Wichita (1955)
The First Texan (libertad o muerte) (1956), junto a su hijo Jody McCrea
The Oklahoman (1957)
Trooper Hook (1957)
The Tall Stranger (1957)
Cattle Empire (1958)
Fort Massacre (1958)
The Gunfight at Dodge City (El sheriff de Dodge City) (1959)
Ride the High Country (Duelo en la Alta Sierra) (1962)
The Young Rounders (1966)
Sioux Nation (1970)
Cry Blood, Apache (1970), protagonizada por Jody McCrea
Mustang Country (1976)