sábado

GRANDES FINALES: DJANGO


DJANGO
1966
Italia/España
Director: Sergio Corbucci.
Intérpretes: Franco Nero, Loredana Nusciak, José Bódalo, Eduardo Fajardo, Ángel Álvarez, Rafael Albaicin, Gino Pernice, Luciano Rossi, Jose Terron, Silvana Bacci, Simon Arriaga, Ivan Scratuglia, Erik Schippers, Jose Canalejas, Remo de Angelis, Rafael Vaquero, Guillermo Mendez.
Guión: Sergio y Bruno Corbucci.
Fotografía: Enzo Barboni.
Montaje: Nino Baragli y Sergio Montanari.
Música: Luis Enríquez Bacalov.
Productores: Sergio Corbucci y Manolo Bolognini.

SINOPSIS: Django es un enigmático pistolero que vaga sin rumbo arrastrando un ataúd y se enfrentará a dos facciones (un grupo de sudistas liderados por el Coronel Jackson y unos revolucionarios mejicanos a cuyo frente se encuentra el general Rodríguez) que se disputan el control de un pueblo semi abandonado situado en la frontera entre Méjico y los Estados Unidos.

Estamos ante un spaghetti que se convirtió en un film de culto entre los aficionados a este subgénero y fue fundamental para el desarrollo del western hecho en Europa. El largometraje comienza con un ataúd arrastrado por un hombre y termina con un plano de una cruz sobre la que se apoya un colt, entre ambas imágenes se nos cuenta una historia con marcadas connotaciones religiosas sobre el pecado, la culpa y la redención (el pistolero tras ser sometido a una brutal tortura se da cuenta de que se ha dejado llevar por la codicia y acaba lo que debió haber hecho mucho antes). Las referencias religiosas son numerosísimas: el héroe se comporta como un ángel exterminador que libra a los oprimidos, aunque sea buscando su propio beneficio, de un “ejército” extranjero (nos encontramos en un territorio fronterizo entre México y los EEUU); la primera persona a la que salva es una prostituta de nombre María que, cual María Magdalena, le será fiel durante todo el film; el protagonista será traicionado y torturado por aquellos a los que vino a liberar; el ejército extranjero está compuesto por cuarenta hombres, número mágico que se repite en las Escrituras; el dueño del saloon que le prestará ayuda tras haber sido torturado y protegerá a María se llama Nathaniel, nombre hebreo que significa algo así como regalo de Dios; son numerosas las referencias a la cruz y al fuego como elemento purificador de los pecados, etc.

Coproducción de 1966 con la que su director Sergio Corbucci, que había ya participado en otros dos eurowesterns (“Masacre en el Gran Cañon” y “Minessota Clay”) se convirtió en uno de los mayores representantes de este subgénero, al mismo tiempo que su protagonista Franco Nero, que había intervenido como actor secundario en algún film, paso a ser una de las mayores estrellas del western hecho en Europa. Además repetirían colaboración en otros dos proyectos fundamentales del primero: “Salario para matar” y “Los compañeros” ambas ambientadas en plena revolución mejicana y en las que Nero prácticamente repetía el mismo personaje de mercenario europeo.

El gran acierto del spaghetti, para mí, es que Corbucci lleva más lejos los postulados y hallazgos de Sergio Leone:
Al trasladar la acción de los soleados parajes de Almería a los embarrados paisajes de Madrid y alrededores (el film se rodó básicamente en Colmenar Viejo y La Pedriza) consigue potenciar la estética sucia, feista y desaliñada, mostrándonos a unos personajes que, con sus ropas ajadas y llenas de barro, se desplazan por auténticos lodazales. Y a esto hay que añadir un pueblo fantasma, decadente y semi abandonado en el que sólo permanecen el dueño del saloon y unas decrepitas prostitutas (la presentación de las mismas es sensacional).

Hay una mayor exaltación de la violencia. La película no es solamente uno de los spaghettis en los que hay más muertos, por lo menos de los que yo he visto, sino que se caracteriza por la crudeza, ya apuntada en su anterior western, de las escenas violentas: la flagelación a María, la presentación de Jackson en una especie de tiro al blanco con mejicanos, la famosa en la que el general Rodríguez, al que se nos muestra tan cruel y sádico como Jackson, le corta la oreja a uno de los hombres de Jackson y le obliga a comérsela (que inspiró a Tarantino para otra no menos famosa en su “Reservoir Dogs”) o aquella en la que el director se recrea mientras los hombres de Rodríguez fracturan las manos de Django (idea que retomaría en su, superior para mí, “El gran silencio”). Por lo que no es extraño que en 1966 tuviera problemas para ser estrenada en algunos países (en España se estrenó censurada y en Gran Bretaña no se pudo ver, por lo que he leído, hasta 1993)

Se potencian los rasgos característicos del antihéroe leoniano, así se incrementan su laconismo y su amoralidad (tanto el Hombre sin nombre como el Manco, a pesar de caracterizarse por su codicia, son capaces de llevar a cabo algún tipo de actuación que muestra cierta generosidad por su parte, mientras que aquí Django busca, casi hasta el final, su propio beneficio).

Por otra parte, Corbucci nos regala un puñado de escenas de gran impacto que, a diferencia de lo que ocurre en la mayoría de los spaghettis, permanecen en la memoria:
-El comienzo con el protagonista arrastrando el ataúd (símbolo de un doloroso pasado) por el fango es hipnótico y te engancha al film, además de mostrarnos a un hombre que parece vagar sin un rumbo fijo.
-El enfrentamiento con los hombres de Jackson con Django sosteniendo la ametralladora es sensacional.
-El desenlace es portentoso y de una riqueza visual pocas veces superada en este subgénero, y en el mismo se nos muestra, por fin, a un héroe que en un supremo esfuerzo consigue regresar al camino recto abandonado por él mucho tiempo atrás.

Y a todo esto hay que añadir una sobresaliente labor de ambientación obra de uno de los más grandes profesionales de este subgénero, Carlo Simi y una estupenda banda sonora del argentino Luis Enriquez Bacalov que cuenta con una gran canción principal, de gran éxito en su época, repetida a lo largo del largometraje en distintas variaciones y una serie de acertados y variados temas incidentales, algunos de inspiración mejicana, bien insertados en la acción aunque lógicamente no están a la altura del principal.

En cuanto a las interpretaciones, Franco Nero creo que está magnífico como el letal pistolero de pocas palabras, porque ya se sabe que en un país donde “una palabra es poco y dos demasiado” hay que ser muy duro para poder sobrevivir. Junto a él Loredana Nusciak, mujer de gran belleza, encaja perfectamente en el papel de María la prostituta a la que salvará Django y será quien, con su actitud, consiga que éste se redima y dos estupendos secundarios que desarrollaron una fructífera carrera, con abundantes apariciones en este subgénero: Eduardo Fajardo como el cacique norteamericano y José Bódalo como el jefe de los bandoleros, dos seres que representan las dos caras de una misma moneda. Ambos cumplen con sus papeles, pero creo sinceramente que se les podía haber sacado más partido si se hubieran desarrollado algo más sus personajes que están bastante estereotipados, el primero como racista hombre del sur con un comportamiento cercano al del Ku Kus Klan, mientras que el segundo se nos presenta como un mejicano un tanto inculto, mujeriego y juerguista. Mención aparte creo que hay que hacer de Ángel Álvarez, otro de esos grandes secundarios del cine español, que está perfecto encarnando a Nathaniel.

Hasta aquí los que, para mí, son los aspectos positivos del film que explicarían la fama del mismo, pero creo, tras haberla visto tres veces en el último año, que donde flojea es en la propia historia (sospechosamente parecida a la de “Por un puñado de dólares”), así tras unos cuarenta minutos de ritmo trepidante y con una gran labor en la dirección de Corbucci, la película decae enormemente en la parte central aproximadamente a partir de la innecesaria escena de la pelea en el barro de las prostitutas y con la llegada de los bandoleros mejicanos, y ya no volverá a remontar hasta la portentosa escena del cementerio. En esta parte parece que la película va dando bandazos y la historia, además de perder credibilidad, se caracteriza por su indefinición. Incluso el trabajo de Corbucci se vuelve más rutinario.

Gracias a un amigo he podido ver la versión integra puesta a la venta en Argentina con una calidad de imagen muy superior a la edición bastante chapucera comercializada en su día por Filmax. A ver si de una vez toman ejemplo los distribuidores españoles.

En definitiva, y a pesar de sus imperfecciones que en todo caso creo que son menores que sus hallazgos, una película clave en la evolución del spaghetti western que resume como pocas las características estilísticas y temáticas de este subgénero. Imprescindible tanto para cualquier aficionado como para el que quiera comprender en qué consistió el western hecho en Europa.
(TEXTO 800 SW)

FRANCO NERO

Franco Nero, nacido Franco Sparanero (San Prospero, Parma, Italia 23 de noviembre de 1941) es un actor de cine italiano.

Pese a que si se hiciera una encuesta sobre el mejor actor del Spaghetti western, seguramente el gran publico elegiría a Clint Eastwood, Lee Van Cleef o a Eli Wallach, si la encuesta fuera solo con los verdaderos amantes del genero, podría perfectamente salir Franco Nero. Y es que, pese a no haber trabajado con Leone, el actor italiano logró una filmografia bastante extendida y con títulos y actuaciones muy logradas, que le ha llevado con el paso de los años a ser uno de los preferidos de los cinéfilos más conocedores del spaghetti western.

Despúes de acabar la carrera de Economía en Milan, pronto dejó el frió mundo de los números y comenzó en el mundo del cine con pequeños papeles y como modelo.
En el año 1966, aparece en la mítica "Django", del director Sergio Corbucci, actuación con la que logró saltar a la fama. Su personaje marca una estética y un nombre que a partir de ese año fue santo y seña del genero.

Ese mismo año rueda tres westerns más, entre ellos la fenomenal "Adiós, Texas".
Pese a que sigue trabajando en muchos géneros y estilos, jamás abandona al spaghetti, y a lo largo de una década sigue participando en proyectos del western.

En el año 76, cuando ya la cosa estaba acabada, él se acerca a Castellari. Después de una primera película muy fallida, "Los locos del oro negro", ese mismo año protagoniza la excepcional "Keoma". Y es que Castellari, quizás sin saberlo siquiera, cierra el western europeo con dos películas-homenajes al mismo, cada una de un estilo muy definido, el western serio y sucio, de la primera mitad, y las auto-parodias llevadass al surrealismo del final del genero.

Y aún despues del fallecimiento "oficial" del spaghetti western en el 76, Nero sigue rodando algunos acercamientos al western, y hasta en el año 1987 se atreve con la segunda parte "oficial" de Django. En el 93, se vuelve a poner bajo las ordenes de Castellari para "Jonathan de los osos".
Y todavía nos enseña más, como por ejemplo "El Ultimo pistolero", un gran cortometraje del año 2002.

Aunque Nero comenzó en el spaghetti western, su carrera ha sido muy larga, actuando en más de 150 películas, y logrando muchos premios y grandes actuaciones.
Con más de 60 años, el gran actor continua en la cresta de la ola, trabajando sin parar.


Filmografía SW:

1966- Django /// Reseña Adicional
1966- Adiós, Texas
1966- Tiempo de matanza
1966- Las pistolas del Norte de Texas
1968- Salario para matar
1970- Los compañeros
1971- Viva la muerte...tuya
1972- El sordo Smith y Johnny Orejas ( Los amigos)
1973- Colmillo Blanco (Zanna Bianca)
1974- Ritorno di Zanna Bianca
1976- Los locos del oro negro
1976- Keoma /// Reseña Adicional
1987- Django 2: El gran retorno
1993- Jonathan de los osos
2002- El Ultimo pistolero (cortometraje)   (TEXTO 800 SW)

miércoles

ODIO POR ODIO


Odio por odio (Odio per odio )
1967
Italia
Director: Domenico Paolella
Reparto: Antonio Sabato, John Ireland, Mirko Ellis, Nadia Marconi, Gloria Milland, Piero Vida, Fernando Sancho, Gianni Di Benedetto, Antonio Iranzo, Bruno Arie, Dony Baster, Mario De Simone, Alba Gallotti, Osvaldo Genazzani, Luigi Perelli, Emilio Sancho, Sergio Scarchilli
Guión: Mario Amendola, Bruno Corbucci, Fernando Di Leo, Domenico Paolella
Fotografía: Giovanni Bergamini, Alejandro Ulloa
Música: Willy Brezza

Producción italiana del año 1967 de Italo Zingarelli, productor ligado al cine de género europeo y especialmente al peplum y al spaghetti con las dos entregas de Trinidad en su haber, dirigida por Domenico Paolella, un veterano realizador que dio sus primeros pasos en el cine a finales de los años treinta para especializarse durante la década de los sesenta en películas de aventuras de bajo presupuesto al servicio de actores tan característicos de este género en Europa como el ex Tarzán Lex Barker o, entre otros, los culturistas norteamericanos Mark Forrest-Maciste y Peter Lupus-Hércules (conocido posteriormente por su participación en la serie “Misión imposible”), terminando por rodar en la década siguiente típicos filmes de explotación, en su versión nunexploitation, tan característicos como “Historia de una monja de clausura” y “Escándalo en el convento”, ambas de 1973.

Para la ocasión contó como actor principal con el canadiense John Ireland, veterano interprete que, tras participar a comienzos de los sesenta en dos superproducciones de Samuel Bronston filmadas en España: “55 días en Pekín” (Nicholas Ray, 1963) en el rol de un sargento norteamericano y “La caída del imperio romano” (Anthony Mann, 1964) en la que daba vida a un jefe bárbaro, se convertiría en un asiduo del cine europeo con especial incidencia en el spaghetti (solamente en 1968 intervino en siete westerns).

SINOPSIS: James Cooper, un veterano ladrón de bancos condenado a cadena perpetua, conoce en prisión a Miguel, un escultor y buscador de oro temporal, al que encarga que se ocupe de su familia. Pero tras escapar comprueba que tanto su mujer como su hija han sido secuestradas por Moxon, un antiguo socio que le traicionó, que además persigue el oro de Miguel, por lo que el destino de ambos amigos quedará dramáticamente ligado.

La película parte de un prometedor guión que, con una mayor hondura de lo habitual en este subgénero (no en vano entre los escritores se encuentra Fernando Di Leo, uno de los grandes guionistas de cine de género en Europa), desarrolla en paralelo dos historias que se entrecruzan a lo largo del largometraje para fusionarse en el último tercio.

Por una parte tenemos la más convencional protagonizada por Miguel, un mejicano soñador que pretende convertirse en un gran escultor para lo que decide ir a Nueva York, y por otra la mucho más interesante y cargada de connotaciones morales referente a Cooper, un viejo bandido que sueña retirarse con el producto de su último golpe.

El resultado es una película irregular y desequilibrada en la que además cobra, para mi gusto, excesivo protagonismo la parte, más ligera, correspondiente a Miguel, en detrimento de la historia, más grave, de Cooper.

Tampoco ayuda la dirección un tanto farragosa de Paolella que, por momentos, da la sensación de no saber traducir en imágenes el guión, por otra parte algo enrevesado, lo que da lugar a un filme desordenado, confuso, sobre todo respecto a la subtrama del oro codiciado por Moxon, difícil de seguir en buena parte de su metraje, con ambas historias mal ensambladas (tuve la sensación durante parte del metraje de estar viendo dos películas diferentes) y con un ritmo desigual, que sólo remonta con la presencia en la pantalla de un maravilloso John Ireland que, además, protagoniza las mejores escenas de la película (los dos reencuentros con su mujer, aquella en la que aquejado por la malaria toma quinina o el final del filme) pero al que el propio director parece, incomprensiblemente para mí, dar menos importancia que al personaje interpretado por Ernesto Sabato.

La irregularidad del largometraje se extiende a su banda sonora compuesta por Willy Breza, ya que junto con un buen y melancólico tema principal con el que se suele identificar al personaje de Cooper que se escucha con diversas variaciones, incluido una con arreglos a lo Morricone, aparece otro de corte festivo bastante cansino y, para mí, muy poco apropiado en relación con la historia narrada.

Sin duda una de las grandes bazas del filme fue contar con John Ireland que hace una interpretación sentida de Cooper, un bandido a la vieja usanza cansado de su vida que anhela un cambio en la misma pero al que el destino le negará cualquier posibilidad de reinserción. Desde el comienzo con el asalto al banco, en el que su socio asesina a sangre fría y sin su consentimiento a los tres empleados del mismo, se introduce la idea del carácter trágico y maldito de su persona. Circunstancia que se corroborará a lo largo de la película al presentarnos a un Cooper superado en todo momento por las circunstancias (su detención debida a una traición, el secuestro de su familia por Moxon), lo que le obligará a actuar en función de éstas, impidiéndole retomar las riendas de su vida.

Además, da la sensación de que este interesantísimo personaje fue fuente de inspiración para la creación, al año siguiente, de otros dos. Por una parte, el Mason (interpretado por Gilbert Roland) de la ya comentada en este blog “Los profesionales del oro”, con el que Fernando Di Leo retomaba la idea de su enfermedad (ambos personajes padecen de malaria lo que les lleva a estar inermes en determinadas situaciones); y ,por otra, a Ralph, al que también dio vida Ireland, en “Cuanto cuesta morir” (también reseñada), un viejo pistolero cansado y avergonzado de su pasado que, al igual que Cooper, oculta su verdadera identidad a su hijo el cual ni tan siquiera sabe que es su verdadero progenitor.

Junto al veterano pistolero, y siguiendo la costumbre del western clásico de combinar un actor consagrado con una joven promesa, nos encontramos a Miguel, interpretado por Ernesto Sabato, un joven soñador e idealista que le sirve de contrapunto. El problema radica en que, a pesar de que para mi gusto nos ofrece una interpretación superior a las de “Más allá de la ley” y “Llego, veo y disparo” (ambas con sus respectivas reseñas), no está a la altura del actor canadiense por lo que se produce un nuevo desequilibrio.

En papeles secundarios aparecen la “marchentiana” y envejecida para la ocasión Gloria Milland dando vida a María, la sufrida esposa de Cooper; el gran Fernando Sancho que se limita a estar en el intranscendente rol de Coyote, una especie de mafioso que controla las explotaciones de oro en Stone Canyon, tiene capacidad para corromper a los jueces y cuya presencia en la película no entendí; y un tan sólo aceptable Mirko Ellis como Maxon, antiguo socio de Cooper y causante de sus desgracias.

En resumen, un spaghetti con un punto de partida interesante y un personaje principal de gran potencial pero con un desarrollo embarullado y decepcionante. (TEXTO 800 SW)


jueves

PISTOLEROS


Título original
Gunfighters
Año
1947
Duración
87 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
George Waggner
Guion
Alan Le May (Novela: Zane Grey)
Música
Rudy Schrager
Fotografía
Fred Jackman Jr. (B&W)
Reparto
Randolph Scott, Barbara Britton, Bruce Cabot, Charley Grapewin, Steven Geray, Forrest Tucker, Charles Kemper, Grant Withers, John Miles, Griff Barnett, Dorothy Hart
Productora
Columbia Pictures

Sinopsis
Un pistolero llamado Brazos Kane hace la promesa de no volver a utilizar más las armas y decide marchar a trabajar a un rancho, sin embargo varios sucesos pondrán en peligro su promesa.

RANDOLPH SCOTT

George Randolph Scott (Condado de Orange, 23 de enero de 1898 - Beverly Hills, 2 de marzo de 1987) fue un actor estadounidense.

Biografía

Llegó a Hollywood en tiempos del cine mudo, en busca de fama, y avalado por su amistad con el magnate Howard Hughes, con quien había coincidido en la Universidad de Carolina del Norte, donde Randolph se había graduado como ingeniero textil. Comenzó a participar en algunas películas como figurante a finales de los años veinte. Tras su aparición en El virginiano' fue descubierto por los agentes de la Paramount, quienes le contrataron, con lo que comenzó a protagonizar películas, especialmente comedias románticas, dramas, películas de aventuras y algunos westerns. En los años treinta destaca sobre todo una serie de westerns dirigidos por Henry Hathaway y su papel de Ojo de Halcón en una versión de El último mohicano, de George B. Seitz.

En 1939, entre varias películas en las que intervino, destaca Tierra de audaces, de Henry King, en la que tiene un papel importante, siendo un honrado sheriff que persigue a los hermanos James, y su papel de Wyatt Earp en Sheriff de la frontera, del director Allan Dwan.

Durante los años 1930 hizo gran amistad con Cary Grant, con quien protagonizó Mi mujer favorita, junto a la gran amiga de ambos Irene Dunne, y con quien compartió una mansión hasta sus respectivos matrimonios, lo que dio lugar a muchas especulaciones sobre la orientación sexual de ambos. El prostituto Scotty Bowers afirmó en sus memorias publicadas en 2012, Full Service, que Scott y Grant mantenían una sólida relación sentimental y sexual.1 Sin embargo, el hijo adoptado de Scott, Christopher, desafió a los rumores. Tras la muerte de Scott, Christopher escribió un libro titulado Whatever Happened to Randolph Scott?, en el cual él rechaza rumores sobre la presunta homosexualidad de su padre. Budd Boetticher, el director más a menudo vinculado con el trabajo de Scott, dijo acerca de los rumores: "Mentira". (Aunque Boetticher no conoció a Scott hasta que el actor tenía 58 años).2 La insistencia de Grant de que no tenía "nada en contra de los gais, yo sólo no soy uno" se trata largamente en el libro de Peter Bogdanovich de ensayos sobre actores, Who the Hell's in It.

En los años 1940 su estrella no deja de crecer; se va especializando cada vez más en los westerns, sobre todo Senda siniestra, de George Marshall, Belle Starr, de Irving Cummings, y sobre todo Espíritu de conquista, del gran Fritz Lang. Además de los westerns es de destacar su participación en el clásico del cine de piratas El capitán Kidd', junto a Charles Laughton.

Pero sería en los años 1950, tras crear su propia productora, y colaborando con el director Budd Boetticher y el guionista Burt Kennedy, cuando alcanzaría la cúspide de su fama con varios westerns de bajo presupuesto pero llenos de autenticidad, como en Los Cautivos (1957).

En 1962 trabajaría en su última película, Duelo en la Alta Sierra', dirigida por Sam Peckinpah y coprotagonizada por otra estrella del western: Joel McCrea.

FILMOGRAFIA

1
Duelo en la Alta Sierra
1962 | Ride the High Country
2
Estación comanche
1960 | Comanche Station
3
Cabalgar en solitario
1959 | Ride Lonesome
4
Nacida en el Oeste
1959 | Westbound
5
Buchanan cabalga de nuevo
1958 | Buchanan Rides Alone
6
Shoot-Out at Medicine Bend
1957 | Shoot-Out at Medicine Bend
7
Cita en Sundown
1957 | Decision at Sundown
8
Los cautivos
1957 | The Tall T
9
Tras la pista de los asesinos
1956 | Seven Men from Now
10
El Séptimo de Caballería
1956 | 7th Cavalry
11
Diez forajidos
1955 | Ten Wanted Men
12
Una calle sin ley
1955 | A Lawless Street
13
Rabia interior
1955 | Rage at Dawn
14
El cazador de recompensas
1954 | The Bounty Hunter
15
El vigilante de la diligencia
1954 | Riding Shotgun
16
Era el comandante Callicut
1953 | The Man Behind the Gun
estrella
17
El forastero iba armado
1953 | The Stranger Wore a Gun
18
La última patrulla (1953)
1953 | Thunder Over the Plains
19
Carson City
1952 | Carson City
20
Los forasteros
1952 | Hangman's Knot
21
Santa Fe
1951 | Santa Fe
22
Sugarfoot
1951 | Sugarfoot
23
Lucha a muerte
1951 | Man in the Saddle
24
Fort Worth
1951 | Fort Worth
25
La ruta del caribú
1950 | The Cariboo Trail
26
Colt .45
1950 | Colt .45
27
El último hombre del valle
1949 | Fighting Man on the Plains
28
Canadian Pacific
1949 | Canadian Pacific
29
El retorno del bandolero
1948 | Return of the Bad Men
30
Albuquerque
1948 | Albuquerque
31
Pistoleros

CALIFORNIA


California
1977
Italia/España
Director: Michele Lupo
Reparto: Giuliano Gemma, William Berger, Raimund Harmstorf, Miguel Bose, Paola Bose, Chris Avram, Paola Dominguin,Robert Hundar, Romano Puppo, Malisa Longo, Dana Ghia, Ferdinando Murolo, Franco Ressel, Tom Felleghy, Diana Lorys.
Guión: Franco Bucceri, Roberto Leoni
Música: Gianni Ferrio

Tardío spaghetti de coproducción italo-española dirigido por Michelle Lupo en 1977, es decir cuando este subgénero estaba dando sus últimas bocanadas, que tenía muchas ganas de ver y me ha gustado bastante.

La Guerra de Secesión ha finalizado. Dos soldados confederados que se acaban de conocer, Michael y Willy, deciden compartir camino hasta llegar a su casa. Durante el viaje se encontrarán con un paisaje desolador, casi apocalíptico, en el que los antiguos soldados, abandonados a su suerte, intentan sobrevivir como pueden y son cazados por pistoleros que actúan con total impunidad buscando cobrar la recompensa que ofrecen por aquellos que han cometido algún tipo de delito, generalmente pequeños robos con el objeto de no morir de hambre. En un desafortunado enfrentamiento Willy es asesinado y Michael decide viajar hasta el rancho de los padres de éste para comunicarles la triste noticia. Allí será acogido como si fuese otro hijo y se enamorará de la hermana de Willy, pero el pasado siempre vuelve, en este caso bajo la forma de los brutales cazadores de recompensas.

La película se puede estructurar en dos partes:

En la primera y mejor para mí, que abarcaría desde el estupendo prólogo hasta la llegada de los cazadores de recompensas al pueblo de la familia Preston, nos cuenta cuál fue el resultado de la Guerra de Secesión para aquellos que se jugaron la vida por el bando que no venció y ahora son olvidados por ese Estado por el que combatieron. Me parece la parte más original de la película, sobre todo para un spaghetti, tanto por lo que cuenta (la derrota y sus consecuencias para la población derrotada, tanto militar como civil) como por la forma de contarlo caracterizada por un ritmo reposado y un tono melancólico, triste y pesimista que se ve reforzado por la gran fotografía de Alejandro Ulloa en la que predominan los tonos fríos (fundamentalmente los grises), por las localizaciones escogidas poco habituales en el spaghetti (paisajes brumosos, bosques y zonas encharcadas, y pueblos fantasmas) y por el tema principal compuesto por Gianni Ferrio cargado de tristeza y amargura a través del sonido predominante de la armónica.

Me gustó especialmente el magnífico prólogo, que se desarrolla en el fuerte, en el que se nos muestra la miseria de la guerra:

-Soldados muertos de hambre que se pelean ante la posibilidad de comer un gato.

-Grandes terratenientes (representantes del capitalismo más salvaje) que se aprovechan de la miseria y necesidad de los ex combatientes ofreciéndoles trabajo por lo que se vino a denominar el salario de hambre (les pagaban lo justo para que no muriesen), convirtiendo a estos ex soldados en los nuevos esclavos (la intención del director cuando la cámara enfoca a un sirviente negro creo que es muy clara).

-Cazadores de recompensas que alentados por el bando vencedor asesinan de forma impune a los desgraciados ex confederados que han osado robar comida para no morir de hambre.

La segunda parte, a partir del regreso de los cazadores de recompensas, me pareció más tópica al tratar el típico tema de la venganza. No obstante, de nuevo en esta parte se pone de manifiesto el cuidado que se puso en la realización del spaghetti ya que el rimo de la misma es mucho más dinámico, nos trasladamos a paisajes más propios del spaghetti como son los desiertos soleados, los temas musicales se caracterizan por un mayor ritmo con la utilización, básicamente, de instrumentos como el órgano o la guitarra e incluso, en algunas escenas, predominan tonos más cálidos.

Creo que hay que destacar la labor en la dirección de Michele Lupo caracterizada por su preocupación en la planificación de las escenas, obteniendo secuencias realmente buenas como la del estupendo prólogo ya citado, la de la muerte del desdichado Willy en el pueblo fantasma, aquella en la que Michael le comunica la muerte de Willy a sus padres o la realista y violenta pelea final.

Respecto al guión, obra entre otros de Nico Ducci y Mino Roli, autores también del de “Keoma” (película con la que tiene algún punto en común), me parece bastante acertado durante toda la primera parte, pero en la segunda hay varios giros que, para mí, estropean un poco en su conjunto la película (¿No hay otra forma de conocer la guarida del jefe de la banda que aliarse con él en un robo?).

En cuanto a los actores, creo que Guiliano Gemma (habitual en el cine de Lupo, tanto en spaghettis como en otros géneros) hace uno de sus mejores trabajos, por lo menos de los que haya visto, con un registro grave y contenido muy alejado de sus habituales interpretaciones de carácter más desenfadadas (me estoy acordando de sus Ringos o de Arizona Colt, por ejemplo) demostrando que, si se le daba un buen personaje, sabía hacer más cosas que sus típicas acrobacias y sonrisas. Junto a él, en un pequeño papel pero demostrando, por lo menos para mí, que era uno de los mejores y más versátiles actores del spaghetti, William Berger como el padre de Willy (está sensacional en la escena en la que le comunican la muerte de su hijo). La película cuenta también con parte del clan Dominguín-Bosé, Miguel en el papel del ingenuo, extrovertido y desafortunado Willy y Paola como su hermana, ambos, sin ser una maravilla, tienen un pasar, y con un casi irreconocible Robert Hundar como Eric Plumier, uno de los miembros más destacados de la banda de cazadores de recompensas. Pero, sin duda, el personaje que se queda en la memoria es el de Rope Whitaker, el despiadado jefe de la banda de cazadores de hombres, estupendamente interpretado por el actor de origen alemán Raimund Harmstorf, que desgraciadamente no se prodigó mucho en este subgénero (creo que tan sólo intervino en cinco).

En definitiva, para mí, un gran y original spaghetti, muy digno colofón de este subgénero al que, sin embargo, le perjudican los giros bastante forzados del guión en su parte final. (TEXTO 800 SW)

GIULIANO GEMMA

Giuliano Gemma (Roma-1938) es uno de los grandes actores del genero. Aparte de ser muy agraciado, Gemma era muy ágil, con lo cual podía hacer muchas piruetas y movimientos como vemos a lo largo de todas sus películas en el genero.
Pronto comenzó su estrellato en los spaghetti westerns, a raiz de protagonizar "Una pistola para Ringo", un personaje peculiar, que llegó a tener 3 películas más para el mismo personaje. Ringo era mucho mas divertido y risueño que la mayoría de los protagonistas de los SW de esa época, y eso hizo que destacara bastante. En solo dos años rodó 7 westerns más, aupado por la fama de su estreno.

Pero en el 67 consigue uno de sus mejores papeles en "El día de la ira", junto al gran Lee Van Cleef, en el que puede ser su mejor euro western. Siguió trabajando con asiduidad, hasta que en el 77 (ya con el genero acabando) rueda otra buena película, "California", que pone un buen punto y aparte en su periplo por las llanuras europeas.
Y digo punto y aparte porque en el 85 nos ofrece "Tex y el señor de los abismos", una adaptación de un personaje de tebeos, ambientado en el oeste.
(TEXTO 800 SW)

Filmografia SW:

1965- Una pistola para Ringo
1965- El Retorno de Ringo
1965- Un dólar agujereado
1965- Adíos, gringo
1966- Arizona Colt
1966- El hombre del sur
1967-Los largos días de la venganza
1967- Wanted
1967- El dia de la ira /// Reseña Adicional
1968- Por techo, las estrellas
1969- Vivos o preferiblemente muertos
1969- La muerte de un presidente
1972- Les llamaban y les llaman dos sinvergüenzas
1975- El blanco, el amarillo y el negro
1977- California /// Reseña Adicional
1978- Montura de plata (Sella d'argento)


miércoles

GRANDES DUELOS: LANCASTER-1


De la película Lawman (En nombre de la ley), el duelo de Burt Lancaster con el hijo del "malo" Lee J.Cobb, y el posterior disparo, por la espalda, a otro de sus secuaces.

Título original
Lawman
Año
1971
Duración
99 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Michael Winner
Guion
Gerald Wilson
Música
Jerry Fielding
Fotografía
Bob Paynter
Reparto
Burt Lancaster, Robert Ryan, Lee J. Cobb, Sheree North, Joseph Wiseman, Robert Duvall, Albert Salmi, John McGiver, Richard Jordan
Productora
United Artists
Género
Western
Sinopsis
Jered Maddox, el inflexible sheriff de Bannock (Nuevo México), antepone el cumplimiento de la ley a cualquier otra consideración. En una ocasión, mientras escolta una caravana, algunos hombres borrachos matan a un anciano. Arrestarlos no será tarea fácil, ya que trabajan para Vincent Bronson, el cacique del lugar.

BURT LANCASTER

(Burton Stephen Lancaster; Nueva York, 1913 - Los Ángeles, 1994) Actor cinematográfico estadounidense. A los dieciséis años daba clases de gimnasia en la Universidad de Nueva York y de baloncesto en la Settlement House, mientras se entrenaba con el trapecista Nick Cravat, con el que, más tarde, formó pareja como saltimbanqui en dos películas memorables del género de aventuras, El halcón y la flecha y El temible burlón. En 1932, ambos formaron un número acrobático que recorrió el país de circo en circo (aunque, básicamente, en el Kay Brother Circus). Años después, durante la guerra, sirvieron en el Quinto Ejército, servicio especial, para el entretenimiento de las tropas que luchaban en ultramar.

Licenciado en 1946, regresó a Nueva York y, tras un breve paso por el teatro, fue descubierto por Mark Hellinger, quien le llevó a la Universal para interpretar, en la obra maestra de Robert Siodmak, Forajidos (1946), a un boxeador fracasado que se ve sorprendido en una intriga de muerte y seducido por los inestimables encantos de una Ava Gardner nunca tan guapa, embutida en un insinuante vestido de satén negro. Gracias a las interpretaciones que ambos hicieron de esos personajes malditos, que rezumaban erotismo por todos los poros, la película ingresó pronto en la mitología del cine negro.

Burt Lancaster siguió desenvolviéndose a las mil maravillas por la senda negra, asustando a Bárbara Stanwyck en un filme magnífico de Anatole Litvak, Voces de muerte (1948). En El abrazo de la muerte (1949), de Robert Siodmak, se vio abocado por el influjo de una mujer (Yvonne De Carlo) a participar en un golpe insensato, un atraco perfecto en un hipódromo, teniendo como cómplice precisamente al nuevo compañero de la mujer, un peligroso gángster, el siempre inquietante Dan Duryea. Lancaster volvió a encarnar a un hombre físicamente dotado pero sentimentalmente débil que acaba siendo manejado por una mujer (como en Forajidos), ofuscado por el amor o por el deseo sexual.

Inmediatamente, Lancaster interpretó el Dardo de El halcón y la flecha (1950), de Jacques Tourneur, y el pirata de El temible burlón (1952), de Robert Siodmak. En la primera, Lancaster se destapa como el aguerrido y risueño héroe italiano medieval que lucha por su hijo, por el amor de una Virginia Mayo (con los labios en Technicolor) y por la libertad de su tierra, Lombardía. En la segunda, es un gallardo pirata en una de las piezas clásicas del género de aventuras, por no decir del cine en general. En ambas tenía un viejo amigo para, entre mandoble, galanteo y caída de velas, guardarle las espaldas: su mudo compañero Nick Cravat.

En medio de estos dos clásicos, se fue por primera vez al oeste norteamericano de la mano, curiosamente, de un gran experto en la aventura, Richard Thorpe: El valle de la venganza (1951) fue en efecto su primer western. Pero volvió tres años más tarde con fuerza en dos magistrales muestras del género. Antes, en 1953, se dio el baño más famoso de la historia del cine, quizá porque lo hizo con una bellísima Deborah Kerr (encorsetada en un bañador atrevidísimo para la época) en el papel más erótico y seductor de toda su carrera: el que interpretó en el l filme De aquí a la eternidad, de Fred Zinnemann, que se convirtió en un éxito enorme y mereció ocho Oscar, incluido el de mejor película. Burt Lancaster impresionó con su sobria interpretación, lo que le valió el primer premio de la crítica de Nueva York y una candidatura para el Oscar.

Burt Lancaster fue, además, el primer actor de su generación que se dio cuenta a tiempo de la fragilidad del sistema de los grandes estudios y se lanzó a producir por su cuenta. Junto al célebre guionista Ben Hecht fundó en 1947 la Norma Production, que con la incorporación de James Hill pasaría a llamarse Hecht-Hill-Lancaster. Los frutos llegaron con Apache (1954), de Robert Aldrich (uno de los primeros alegatos en favor de la maltratada y exterminada raza india que contó con la magnífica interpretación de un Lancaster embetunado para la ocasión) y, sobre todo, en ese mismo año, con Veracruz, del mismo Aldrich.

Lancaster incorporaba a un personaje algo frustrado, un vividor con sonrisa asesina tan detestable como encantador; todo lo contrario que su compañero Gary Cooper, reflexivo, tranquilo, justo e imbuido de sus principios morales. No les quedó más remedio que vivir juntos las mismas aventuras, la misma epopeya, en un duelo interpretativo casi épico. La actriz española Sara Montiel lució su maravilloso físico entre estos dos monstruos de la pantalla.

Se lanzó a la dirección con El hombre de Kentucky (1955), que no aportó nada nuevo a su carrera; volvería a intentarlo, muchos años después, en El hombre de medianoche (1974), que corrió la misma suerte. También en 1955 aportó una soberbia tranquilidad a su personaje de despreocupado italiano en La rosa tatuada, de Daniel Mann, junto a Anna Magnani, según la obra homónima de Tennessee Williams. Viajó un año después a Europa para rememorar viejas acrobacias en Trapecio, de Carol Reed, una encantadora cinta de trapecistas que se lanzan en un triple salto mortal sin red. Estos temerarios del aire eran, aparte de Burt Lancaster, Tony Curtis y una maravillosa Gina Lollobrigida.

En 1957 regresó al género del Oeste interpretando al Wyatt Earp de Duelo de Titanes, de John Sturges, una nueva versión del viejo tema del enfrentamiento entre los Clanton y los Earp en O.K. Corral, ya llevado magistralmente al celuloide por John Ford en Pasión de los fuertes (1946). En esta ocasión, Dimitri Tiomkin compuso una pegadiza y original melodía que se hizo muy familiar. El Oscar le llegó con El fuego y la palabra (1960), de Richard Brooks, donde da vida de manera sublime, bajo la apariencia del altruismo y de la generosidad, a un falso evangelista que, con la bendición de la religión, manipula no sin un cierto regocijo a las masas crédulas y traumatizadas a través del mítico chantaje del infierno.

Con ¿Vencedores o vencidos? (1961), de Stanley Kramer, comenzó una serie de interpretaciones humanitarias y tiernas. Le siguió su alentador trabajo para El hombre de Alcatraz (1962) de John Frankenheimer, una interesante reconstrucción de la reconversión de un criminal en un ornitólogo de prestigio; y terminó con Ángeles sin paraíso (1963), una conmovedora película de John Cassavetes sobre los niños con problemas para relacionarse con los demás.

Ese mismo año marchó a Italia para ponerse a las órdenes de Luchino Visconti. Lancaster estuvo sublime como el Príncipe don Fabrizio Salina, en uno de los más bellos, frescos y románticos filmes de la historia: El Gatopardo, un verdadero clásico del cine histórico y político. Con Visconti, once años después, volvió a estar espléndido en Confidencias (1974). Lancaster se reencarnó en ese profesor envejecido, amante de la literatura y la pintura, que siente llegar la muerte, y que se debate entre angustias personales y el desencanto de tener que compartir lugar con jóvenes burgueses disolutos y desordenados, incapaces de sentir ni el arte ni la vida. En Italia participaría aún en otro título mítico, esta vez obra de Bernardo Bertolucci: Novecento (1976), que, como El Gatopardo y Confidencias, volvió a fracasar entre sus compatriotas.

A lo largo de los años setenta apareció en un filme que puso de moda los productos de catástrofes: Aeropuerto (1970), de George Seaton. Y, más tarde, en otro que ayudó a reforzar el género, El puente de Cassandra (George Pan Cosmatos, 1977). Ofreció una de sus mejores interpretaciones en La venganza de Ulzana (1972), un impresionante western de Robert Aldrich, e intervino también en la importante superproducción Amanecer Zulú (1979), de Douglas Hickox.

Su presencia fue requerida para tres filmes de culto en los años ochenta: Un tipo genial (1983), de Bill Forsyth, donde interpreta a un magnate obsesionado con contemplar una aurora boreal, por lo que pretende comprar todo un pueblo; La piel (1981), de Liliana Cavani; y Atlantic City (1980), de Louis Malle, por la que volvió a ser nominado al Oscar gracias a su memorable interpretación. Todavía en 1989 resultó todo un lujo volverle a ver en esa pequeña joya del cine que es Campo de sueños, de Phil Alden Robinson, interpretando a un doctor que ha tomado los caminos que la vida le ha ofrecido, pero que nunca ha olvidado lo que el Baseball había significado para él.

La carrera cinematográfica de Burt Lancaster ha atravesado por distintas etapas: en los años cincuenta fue uno de los más insignes acróbatas del cine de aventuras; en los años sesenta se rebeló como el más empecinado actor de culto; en los años setenta fue una baza segura para las producciones en las que participaba, y en los ochenta gozó de una madurez gloriosa. Asusta ver la impecable filmografía de un actor irrepetible, capaz de saltar encima de un caballo, pasar por un aristócrata italiano o columpiarse a 25 metros de altura. Lancaster no ha parado de sorprender a las distintas generaciones de cinéfilos que lo han ido conociendo a través de sus películas. Cuando en sus inicios fue catalogado como un actor de registro limitado, Lancaster dio cantidad y calidad, y supo callar las lenguas que le asignaban pocas armas para triunfar. 

FILMOGRAFIA

 ROBERT RYAN

Robert Ryan (n. Chicago; 11 de noviembre de 1909 - f. 11 de julio de 1973) fue un actor de cine norteamericano. De perfil muy característico con un granítico rostro estriado, fue una estrella en los años cuarenta y cincuenta, de filmografía si no extensa sí muy estimable.

Comenzó en el cine trabajando para la Paramount en algunas películas sin acreditar, pero su fama le llegaría con el malvado soldado de Encrucijada de Odios película dirigida por Edward Dmytryk en 1947. Por esta actuación recibió su única nominación al Óscar. De esta etapa destaca su interpretación en las películas Callejón sin salida, también de 1947, y dirigida por John Cronwell; Una mujer en la playa de Jean Renoir; Berlín Express (1948) dirigida por Jacques Tourneur; Atrapados (1949) de Max Ophuls y la película sobre el mundo del boxeo, Nadie puede vencerme (1949), dirigida por Robert Wise, en la que el actor rememora su época de boxeador, deporte que había practicado en la universidad.

Durante la década de los cincuenta trabaja nuevamente con importantes directores y así realiza con Nicholas Ray el drama bélico Infierno en las nubes (donde tendría un duelo interpretativo con John Wayne), La trampa, y La casa de las sombras; con Fritz Lang trabaja en Encuentro en la noche; con Anthony Mann trabajó en el western Colorado Jim/El precio de un hombre y en el drama bélico sobre la guerra de Corea titulado La colina de los diablos de acero (1957, título original Men in war); con Samuel Fuller trabajó en La casa de Bambú, e interpretaría a memorables malvados de nuevo en las películas Conspiración de silencio dirigida por John Sturges y en Los Implacables de Raoul Walsh.

En los sesenta y setenta su aparición en la pantalla grande se reduce, limitándose a aparecer solo en grandes producciones: así, fue un gran San Juan Bautista en la superproducción Rey de Reyes dirigida por su viejo conocido Nicholas Ray, trabajó también en la adaptación de la novela de Herman Melville Billy Budd, película que en España se tituló La fragata infernal, y que fue dirigida por el actor Peter Ustinov; en 1966, su interpretación en la magnífica película de Richard Brooks Los profesionales quedaría un tanto deslucida por las actuaciones de sus compañeros Burt Lancaster y Lee Marvin; más adelante, vuelve a significarse en su trabajo en la película de Sam Peckinpah, Grupo salvaje (1969). En esta década también destaca en su aparición en superproducciones bélicas, tales como El día más largo, La batalla de las Ardenas ó La Batalla de Anzio.

Antes de fallecer aparecería en la película En el nombre de la ley western realizado por Michael Winner, en la que una vez más dejaba una actuación destacable como recuerdo de su brillante carrera como actor.

lunes

CAZA AL SOL


Título original: Shoot the Sun Down
País: EE.UU.
Año: 1976
Duración: 120 min
Guión: David Leeds, Richard Rothstein
Intérprete: Margot Kidder, Christopher Walken, Bo Brundin, Jorge Cervera Jr., Geoffrey Lewis, A.Martínez
Director: David Leeds

Un grupo de cuatro aventureros se reúnen con el objetivo de dar con un yacimiento de oro. A medida que la acción avanza surgen las desavenencias entre ellos y un peligroso juego de traiciones, ya que cada uno quiere hacerse para sí con el oro.

Shot in the mid-70s and released near the end of the decade, Shoot the Sun Down is a hard movie to pin down. While it has hints of other popular '70s Western modes, it never fully embodies them: it hasn't really got the opera of Spaghetti Westerns, it's not dreamy and lyrical like The Hired Hand, and it isn't mind-expanding like those acid westerns El Topo and Greaser's Palace. But it's still kind of... odd. After all, any movie that casts Christopher Walken in the Clint Eastwood hero role, no matter how young and handsome he still is, is not going to end up a traditional popcorn movie.

The setting is Santa Fe, 1836. (Coincidentally Santa Fe 1836 was the original title of the film. It seems like they sure traded up on that one.) Walken stars as Mr. Rainbow, a former soldier under Jefferson Davis who deserted because he got tired of slaughtering Indians. Early in the film, he is shown protecting a young Indian chief (A Martinez, of L.A. Law and a handful of daytime soaps) who is about to be beaten up by prospectors for suspicion of cheating at dice. Rainbow and the young chief sense a kindred warrior spirit, and this will not be their last encounter.

Also in town is an English ship captain (Bo Brundin), who claims he is looking to trade with the Indians. A buffalo hide trader called Scalphunter (Geoffrey Lewis, of High Plains Drifter and The Devil's Rejects) suspects the Captain is actually looking for gold, because actually... well, that's what Scalphunter is looking for. The Captain has a young woman with him (Superman's Margot Kidder, doing a credible English accent) who doesn't seem to want to be there, despite the Captain's promises of treasure and a better life.

And that's where their paths start to cross. The English woman tries to use her feminine wiles to get Rainbow to kill the Captain, claiming he has kidnapped her, but Rainbow refuses. Then, the Captain comes to Rainbow to clarify the situation: this woman is the Captain's indentured servant for 5 years. "You mean slave, don'tcha?" Rainbow asks. "It's all properly legal..." the Captain replies. Finally, Scalphunter tries to get Rainbow to join him in robbing the Captain of whatever treasure he's got stashed out there. Rainbow seems unmoved, but soon Rainbow, Scalphunter, the Captain, and the English Woman are all riding out of town together. Whether Rainbow joins them out of greed or infatuation with the English woman or just out of curiosity is not initially clear. But, as the film goes on, a love story develops between Rainbow and the English woman.

Both Walken and Kidder look exceptionally young and attractive in this movie. Just one look at them together and you buy their chemistry. In fact, the strongest element of the film is the wonderful cast. Lewis, who seems like he was born to be in Westerns, has a tricky job with the role of Scalphunter: often he is asked to be the comic relief, while also exuding various levels of villainous menace. A funny bad guy seems like a terrible idea outside of a comic film, but Lewis has such an effortless charm that he's able to pull off the dark and light moments while being utterly compelling.

The script, by first-time producer-director David Leeds and future Universal Soldier co-writer Richard Rothstein, unfortunately is a little on the flimsy side. After a confusingly fragmented opening 20 minutes, the story unfolds in a fairly unsurprising manner from there on out. The film does have a wonderfully unusual showdown scene at the end, but the buildup to it feels oddly draggy and overlong.

But, as with many '70s Westerns, the story almost seems beside the point. On top of the great actors, Shoot the Sun Down has fluid direction from Leeds and wonderful sun-baked cinematography (credited to the literary pseudonym "L. Strether" at the end, although the DVD box claims it is actually shot by Taxi Driver's Michael Chapman). This is not quite enough to overcome all the narrative shortcomings, but it certainly keeps the film highly watchable.

Christopher Walken (Astoria, Queens, Nueva York;1 31 de marzo de 1943) es un actor de cine y teatro estadounidense. Ha trabajado en más de cien películas y programas de televisión, entre ellos Annie Hall, The Deer Hunter, Sleepy Hollow, Brainstorm, The Dead Zone, A View to a Kill, At Close Range, El rey de Nueva York, Batman Returns, True Romance, Atrápame si puedes, Pulp Fiction, Envy, Wedding Crashers, Click, Hairspray, Things to Do in Denver When You're Dead y Seven Psychopaths, además de aparecer en videos musicales de Madonna, Journey y Fatboy Slim.

Sus películas han recaudado más de 1.800 millones de dólares en Estados Unidos. Además, ha protagonizado las obras de William Shakespeare: Hamlet, Macbeth, Romeo y Julieta y Coriolano. Ha participado varias veces como invitado de Saturday Night Live, donde ha destacado como Bruce Dickinson en el sketch "More Cowbell".Walken debutó como director y guionista con el cortometraje Popcorn Shrimp de 2001. Además, en 1995, escribió y protagonizó la obra Him, acerca de Elvis Presley. Como actor ha sido nominado a los premios Emmy, Globo de Oro, BAFTA, Screen Actors, Tony, Satellite, MTV y Saturn, y en 1978 consiguió el Óscar como mejor actor de reparto por The Deer Hunter. Por su trayectoria en el cine se ha transformado en un actor de culto, y junto a Steve Buscemi y John Turturro en uno de los actores secundarios más prolíficos.

Sus primeras apariciones en la pantalla fueron de niño, como extra en numerosas series y comedias durante la época dorada de la televisión (fines de los años 1940 y principios de 1960). Después de participar en un sketch con Martin y Lewis en The Colgate Comedy Hour, Walken decidió que se dedicaría a la actuación. Consiguió un papel permanente en el show de televisión de 1953 The Wonderful John Acton como narrador. Durante esta época, aparecía en los créditos como "Ronnie Walken".

Durante los próximos veinte años, trabajó de forma frecuente en televisión, consiguió un papel en una película experimental llamada Me and My Brother, y mantuvo una próspera carrera en el teatro. En 1964, cambió su nombre por el de "Christopher" después de que una amiga le sugiriera que ese nombre le quedaba mejor. Casualmente, su último crédito bajo el nombre "Ronnie" era un personaje que se llamaba "Chris". Actualmente, prefiere ser llamado informalmente como "Chris" en vez de "Christopher".

Década de 1970

Walken debutó en su primer largometraje con un pequeño papel junto a Sean Connery en The Anderson Tapes, de Sidney Lumet. En The Happiness Cage, también conocida como The Mind Snatchers, interpretó su primer papel como protagonista. Se trata de una película de ciencia ficción con temáticas como el control mental y la normalización, en la que interpreta a un militar estadounidense psicópata de servicio en Alemania.

En la película de Paul Mazursky, Next Stop, Greenwich Village (1976), Walken (quien aparece como "Chris Walken") interpreta al poeta galán Robert Fulmer. En Annie Hall (1977) de Woody Allen, interpreta al hermano suicida de Annie (Diane Keaton). En 1978, apareció en Shoot the Sun Down, un western filmado en 1976 coprotagonizado por Margot Kidder. Junto con Nick Nolte, Walken fue considerado por George Lucas para el papel de Han Solo en Star Wars; pero el papel finalmente sería para Harrison Ford.

Walken ganó el Premio Óscar como Mejor actor de reparto por The Deer Hunter (1978) de Michael Cimino. Interpreta a un joven trabajador siderúrgico de Pensilvania destruido emocionalmente por la Guerra de Vietnam. Para conseguir la apariencia descarnada de su personaje, Walken consumió solamente bananas, agua y arroz durante una semana.

Década de 1980

Su primera película de la década de 1980 fue la controvertida La puerta del cielo, del mismo director de The Deer Hunter, Michael Cimino. Además, protagonizó la película de acción The Dogs of War (1981), dirigida por John Irvin. Sorprendió a muchos críticos y fanáticos con su complicado striptease bailando claqué en el musical Pennies from Heaven, de Herbert Ross. Luego interpretó al profesor vidente Johnny Smith en The Dead Zone (1983), de David Cronenberg, una adaptación al cine de la novela La zona muerta, escrita por Stephen King. Ese mismo año, protagonizó Brainstorm junto a Natalie Wood y a su esposa, Georgianne, ésta en un papel menor.

En 1985, interpretó al villano de James Bond, Max Zorin, en A View to a Kill. Walken se tiñó el cabello de rubio para adecuarse a los orígenes de Zorin, un experimento nazi. Hizo el papel del Agente federal Kyril Montana en The Milagro Beanfield War (1988). Además, interpretó a Whitley Strieber en Communion (1989), una película autobiográfica escrita por Strieber que está basada en él y su familia, que fueron objeto de abducciones extraterrestres.

Protagonizó At Close Range (junto a Sean Penn) interpretando a Brad Whitewood, un jefe mafioso de Tennessee que trata de introducir sus dos hijos dentro de su imperio. Su personaje en gran parte basado en Bruce Johnston, líder de la organización criminal más importante de Pensilvania. En Biloxi Blues, protagonizada por Matthew Broderick, Walken interpretó a un excéntrico sargento del ejército conocido por su punzante sarcasmo y su inteligencia.

Década de 1990

The Comfort of Strangers, una película alternativa dirigida por Paul Schrader, tuvo la distinción de tener a Walken en un papel que lo inquietó incluso a él mismo. Interpretó a Robert, un decadente aristócrata italiano con gustos sexuales extremos y tendencia asesinas que vive con su esposa (Helen Mirren) en Venecia.

El rey de Nueva York, dirigida por Abel Ferrara, es protagonizada por Walken quien interpreta al despiadado traficante de drogas Frank White, recientemente salido de prisión y decidido a reclamar lo que le corresponde. En 1992, interpretó al villano de Batman Returns, el empresario Max Shreck. Su próxima película importante fue junto a Dennis Hopper en True Romance de Tony Scott. Su escena llamada "siciliana" fue señalada por muchos críticos como la mejor escena de toda la película. Más tarde tuvo otro papel secundario en Pulp Fiction de Quentin Tarantino, interpretando a un veterano de Vietnam que le da al hijo de uno de sus camaradas muertos un valioso objeto de la familia —un reloj de oro— mientras explica con detalles como lo escondió de los vietnamitas metiéndoselo en el recto, después de que el padre del chico, quien previamente guardaba el reloj en su recto, muriera de disentería. Además, en 1992, Walken apareció en Sex, el controvertido libro de fotografías eróticas de Madonna, así como en el video de la canción "Bad Girl", de ella misma.

Más tarde, en 1994, Walken protagonizó A Business Affair, un papel poco común en una comedia romántica. Una vez más, consigue hacer uno de sus tradicionales bailes, esta vez bailando tango. En 1995, apareció en Wild Side, The Prophecy y la película de vampiros The Addiction, la que significó su segunda colaboración con el director Abel Ferrara y el escritor Nicholas St. John. También trabajó en Nick of Time, junto a Johnny Depp.

En Last Man Standing (1996), Walken interpreta a un sádico gángster, mientras que en The Funeral (1996) hace de gángster frío y calculador. Ese año tuvo un prominente rol en el videojuego Ripper, interpretando al detective Vince Magnotta. Ripper incluyó muchas escenas grabadas en tiempo real y un gran reparto de celebridades. En 1997, apareció en comedias como Touch, Excess Baggage y Mousehunt.

En 1998 interpretó a un crítico de teatro homosexual de Nueva York en Illuminata, de John Turturro. Al año siguiente apareció en la comedia romántica Blast from the Past, donde hace de Calvin Webber, un brillante pero excéntrico físico nuclear del Instituto Tecnológico de California cuyos miedos de que ocurra una guerra mundial lo conducen a construir un enorme refugio bajo su casa. El mismo año, interpretó al Jinete sin cabeza en Sleepy Hollow, de Tim Burton, protagonizada por Johnny Depp y Christina Ricci.

Protagonizó dos videos musicales. El primero fue como Ángel de la muerte en "Bad Girl", de Madonna, y el segundo fue "Breakin' Down" (1995), de la banda de heavy metal Skid Row.

Años 2000

En el año 2000, Walken fue protagonista, junto a Faith Prince, de James Joyce's The Dead en Broadway. Esta obra musical ganó un premio Tony ese año. En 2001 tuvo una notable actuación en el videoclip de Fatboy Slim "Weapon of Choice". Dirigido por Spike Jonze, el video ganó seis premios MTV ese año y en abril de 2002 ganó el premio al mejor video de todos los tiempos en una lista de 100 videos compilada por músicos, directores y figuras de la industria musical en una encuesta organizada por VH1. En ese video, Walken baila y vuela en el vestíbulo del Marriott International Hotel de Los Ángeles; también ayudó en la coreografía del baile. Además, en el año 2001, interpretó a un excéntrico director de cine en La pareja del año.

Interpretó a Frank Abagnale, Sr. en Atrápame si puedes, filme dirigido por Steven Spielberg. La película está inspirada en la historia de Frank Abagnale Jr., un estafador que se hizo pasar por varias identidades y ganó millones de dólares de esta forma. Por esta actuación, Walken fue nominado al premio Óscar como mejor actor de reparto.21 Además, fue nominado al Razzie como peor actor de reparto por The Country Bears (2002), Gigli (2003) y Kangaroo Jack (2003).23 24

Su carrera continuaría con papeles en Click donde interpreta a Morty, un simpático inventor que es más de lo que aparenta; Man of the Year, junto a Robin Williams; la adaptación Hairspray (2007), donde puede ser visto cantando y bailando en un romántico dueto con John Travolta; en la comedia de acción Balls of Fury (2007), donde interpreta a un excéntrico y cruel fanático del ping-pong; y coprotagonizó, junto a Sharon Stone, Five Dollars a Day donde hace de un hombre orgulloso de vivir con sólo cinco dólares al día. Protagonizó la comedia The Maiden Heist, junto a Morgan Freeman y William H. Macy, acerca de tres guardias de seguridad de un museo de arte que deciden robar las pinturas del mismo museo en donde trabajan.

Años 2010

Walken volvió a Broadway con la obra de Martin McDonagh, A Behanding in Spokane, en 2010, y recibió una nominación a los premios Tony como mejor actor principal en una obra de teatro.25 Se reunió con McDonagh para trabajar en la comedia negra Seven Psychopaths, estrenada en 2012. También interpretó al fundador y líder de un cuarteto de cuerdas en A Late Quartet. Walken coprotagonizó junto a Al Pacino y Alan Arkin la película Stand Up Guys, una historia sobre tres gánsteres veteranos que deciden dar un último golpe. En 2013 protagonizó la campaña "Made From Cool" para Jack&Jones.

domingo

GRANDES DUELOS: STEFFEN-1


Duelo de Garringo, el personaje que interpreta Steffen en la película del mismo nombre, que dirigió el español Rafael Romero Marchent. Se las verá con una banda de maleantes encabezada por el gran Raf Baldassarre, después de que éste le disparase una ensalada de tiros a Peter Lee Lawrence, que en este film hace de "malo". Ni que decir tiene que Anthony no se anda por las ramas.

El verdadero nombre de Anthony Steffen era Antonio de Teffé (Roma, 21 de julio de 1930 - Rio de Janeiro, 4 de junio de 2004).
De familia noble, sus inicios en el cine fueron de mensajero, hasta que a principios de los años 50 comenzó a participar en películas de epopeyas de romanos, comedias, aventuras y alguna gran película como Sodoma y Gomorra, aunque realmente lo que le llevó a la fama fue el nuevo genero que empezó a nacer a principios de los 60, y al que se acercó por su gran parecido con el actor Clint Eastwood, pero en el que llegó a ser el protagonista con más títulos.
Siempre impasible, con una peculiar forma de ponerse el sombrero, con su metro noventa,Steffen lograba darle a los personajes seriedad y empaque, siempre con barba y mirando de forma desafiante.

Una de sus mejores cinta es "Django el Bastardo", un Django que vuelve de la tumba para buscar venganza, en un guión en el que él participó. Pero no solo hizo spaghetti western, en su larga filmografia encontramos muchos géneros y estilos diferentes. Hombre culto, dominaba muchos idiomas. En los años 80 se trasladó a vivir a Brasil, hasta el año 2004 que nos dejó. (TEXTO 800 SW)

FILMOGRAFÍA SW:

1965- El último mohicano
1965- ¿Por que seguir matando?
1965- Una tumba para el sheriff
1966- Siete dólares al rojo
1966- Alambradas de violencia
1966- Baño de sangre al salir el sol
1966- Los cuatro salvajes
1967- Un tren para Durango
1967- Huracán sobre México
1967- Gentleman Jo
1968- El pistolero que odiaba la muerte
1968- ¿Quién grita venganza?
1968- Su nombre gritaba venganza
1968- Una larga fila de cruces
1968- Los pistoleros de Paso Bravo
1969- Garringo
1969- Django el bastardo
1970- Reza por tu alma… y muere
1970- Arizona vuelve
1970- Shango, la pistola infalible
1971- Apocalipsis Joe
1972- Barro en los ojos
1972- La caza del oro
1974- Uno, dos, tres… dispara otra vez
1974- Dallas

lunes

MANO RAPIDA


Mano Rápida (Mi chiamavano Requiescat ... ma avevano sbagliato)
1973
España/Italia
Director: Mario Bianchi
Reparto: Sergio Ciani, William Berger, Frank Braña, Fernando Bilbao, Gilberto Galimberti, Celine Bessy, Francisco Sanz, Welma Truccolo, Ettore Ribotta, Sergio Dolfin, Stefano Oppedisano, Francesco D'Adda, Aldo Cecconi, Angelo Boscariol, Filippo Perego, Rodolfo Lodi, Aldo Sisti, Duilio Olmi, Lorenzo Robledo
Guión: Vittorio Salerno, Alberto Cardone, Eduardo M. Brochero
Fotografía: Emilio Foriscot
Música: Gianni Ferrio

Tardía coproducción italo-española de 1973 dirigida por Mario Bianchi, en esta ocasión bajo el seudónimo de Frank Broston, realizador cuyos primeros pasos como director están muy relacionados con este subgénero, ya que sus cuatro primeros filmes fueron spaghettis: la curiosa “La muerte llega arrastrándose” de 1972 con la que debutó tras la cámara, la fallida y ya comentada “La máscara de cuero” de 1975 (ambos filmes además tienen en común la fuerte presencia de elementos giallescos), la desconocida para mí “Más fuerte hermanas” también de 1973 y ésta que nos ocupa, para, tras rodar varias películas de todo tipo de géneros, especializarse a mediados de la década de los ochenta en el cine para adultos con una serie de filmes protagonizados por la estrella porno Marina Hedman.

SINOPSIS: Finalizada la Guerra de Secesión partidas de ex confederados siguieron actuando sembrando el pánico en todo el territorio. Una de las más sangrientas fue la capitaneada por Machedo, un sicótico ex oficial sudista, a la que persigue sin descanso el capitán Jeff Mulligan. Capturado y torturado por Machedo, Mulligan logrará escapar e ideará un plan para vengarse.

Subproducto que muestra la decadencia de este subgénero durante la década de los setenta. Así nos encontramos con un guión, en el que participaron entre otros el también director Alberto Cardone y el español Eduardo Manzanos Brochero, que pivota sobre la venganza, tema recurrente en este género, en este caso por partida doble puesto que Machedo desea vengar la muerte de su hermano a manos de Mulligan, mientras que en la caza del sicótico bandido por parte de este último pesa mucho este sentimiento (al comienzo de la película, tras haber sufrido una emboscada, Mulligan ante la tumba de dos de sus soldados se retrata al señalar: “Lo siento muchachos, no he podido acompañaros a casa pero también os vengaré a vosotros”), sentimiento que, lógicamente, se agudizará tras ser apresado y torturado.

Pero el libreto, tras un comienzo prometedor, además de acusar su falta de originalidad se revela carente de ideas, por lo que éstas son sustituidas por las típicas escenas de cabalgadas, tiroteos, peleas, persecuciones y torturas, en las que se recrea con un gusto dudoso el director, con el único objetivo de llegar a una duración estándar. Al mismo tiempo presenta situaciones escasamente lógicas (¿Para qué se queda Machedo en el banco simulando que le han robado?, ¿Por qué se dejan ver los forajidos cuando siguen a Mulligan con el objeto de que les lleve al lugar del botín?); y cuenta con unos diálogos escasos que oscilan entre la pretenciosidad y solemnidad (en la parte final del filme Mulligan le dice a una india aparecida de repente en el pueblo fantasma de Blakston Hill y con la que parece mantener algún tipo de relación en ningún momento explicada: “Sabes que he olvidado que en el mundo pueda existir el amor”), el tópico más absoluto (Machedo se pregunta “¿Quién me puede odiar? El que podía hacerlo no ha tenido tiempo”) y la ridiculez.

Esta decadencia se muestra también en la dirección escasamente inspirada por parte de Bianchi, ya que aunque en su haber hay que anotar el intento, alejado de la moda imperante de los spaghettis cómicos, de hacer un euro western serio y la atmósfera sombría que destila toda la película, su trabajo se caracteriza por la precipitación, la utilización constante del molesto y poco elegante zoom y por ciertas carencias a la hora de narrar los acontecimientos. Así, por ejemplo, como le ocurrió en el tiroteo final de “La máscara de cuero”, en la emboscada del inicio del largometraje se echa en falta un plano general que sitúe tanto a los sudistas como a los nordistas, ya que al carecer del mismo la refriega resulta bastante confusa.

No obstante lo comentado sobre el guión y la dirección, en donde se hace más evidente este declive es en el escaso presupuesto con el que se contó, lo que queda reflejado en unos decorados destrozados por el paso del tiempo, hecho que puede entenderse en el caso del pueblo de Golden City (Eduardo Manzanos Brochero además participó como productor, junto a la productora italiana New Films, a través de su compañía Copercine, Cooperativa Cinematográfica) al tratarse de un poblado fantasma, pero no respecto al fuerte del inicio en donde tiene lugar una escena bastante cutre por la falta de extras (la fortaleza es defendida por unos diez soldados) y la ciudad en donde se desarrolla parte de la acción, cuyos edificios parece que están a punto de caerse a pedazos. Igualmente ocurre con la escasa decoración de los interiores, con un vetusto y escaso mobiliario que da la sensación de haber sido comprado al primer chamarilero que encontraron.

Por lo que respecta a la banda sonora de Gianni Ferrio, ésta constituye otra decepción, no porque sea mala puesto que cuenta con un gran tema, “That man”, cantado por la habitual Ann Collin, sino porque resulta totalmente inapropiada al ser una mezcla de jazz-pop al estilo de las composiciones de la época propias de Burt Bacharah. Además esta composición se repite sin ningún tipo de intención dramática (por ejemplo se escucha durante una de las persecuciones) en distintas variaciones instrumentales, especialmente con predominio de un piano, versión que se me antojó más propia para ilustrar una escena urbana nocturna o una secuencia de un film negro desarrollada en el típico garito que para un western.

El fiasco de la película persiste con la elección del protagonista. Un soso e inexpresivo Alan Steel, en realidad Sergio Ciani. Éste era un actor italiano procedente del cine de espadas y sandalias con alguna incursión en el spaghetti como “Sansón y el tesoro de los Incas” (largometraje olvidable mezcla de aventuras y western) o la rareza turco-italiana “KüÇük kovboy”. En este filme, además de dar muestras de sus carencias interpretativas, presenta un aspecto setentero (pelo largo, patillas, amplio bigote) poco apropiado para un soldado unionista lo que resta, aún más, credibilidad a su interpretación.

Menos mal que como enemigo aparece William Berger, de lo mejor de la película, dando vida estupendamente al perturbado y sádico Machedo, y en un corto papel el gran Paco Sanz, uno de esos secundarios de lujo que solían estar por encima de los largometrajes y personajes que le tocaban en suerte, en el rol de un ex soldado nordista que prestará su apoyo a Mulligan y cuya contribución se antojará fundamental en el duelo entre éste y Machedo. También es de agradecer que Frank Braña, habitual de este género y sobrio actor, cuente con un papel más largo de lo que en él era normal, mostrándose creíble como Quincy, uno de los hombres de Machedo que protagonizará la mejor pelea de la película.

En definitiva un flojísimo, oscuro y violento euro western del que sólo puedo salvar algunas actuaciones y el tiroteo final con sorpresa incluida, más cuidado que el resto de la película, en el que se luce Emilio Foriscot como director de fotografía, sobre todo en la iluminación de los interiores, y que cuenta con una atmósfera fantasmal en la que el protagonista, que parece poseer el don de la ubicuidad, se comporta como un ser de ultratumba. (TEXTO 800 SW)

WILLIAM BERGER

Actor austriaco nacido el 20 de enero de 1928 en Innsbruck.
Berger se trasladó a los EEUU, donde comenzó a participar en Teatro y en series en la pequeña pantalla.
Tras un viaje a Italia, decide quedarse en Europa a rodar westerns.
Berger logró crear una galeria de buenos personajes a lo largo de su filmografía en el genero, que abarca más de una veintena de spaghettis. Sin duda que estuviera en el cartel de una película era sinonimo de calidad.
Ademas, tuvo el honor de participar en dos de las más famosas sagas que se rodaron en aquellos tiempos, como fueron Sartana y Sabata.

Acabada ya la época de los pistoleros, Berger siguió trabajando, tanto en televisión como en el cine, hasta el mismo año de su muerte, en 1993 en California.

Filmografía SW:

1965- Trampa para un forajido
1966- El Cisco
1966- Cara a cara /// Reseña Adicional
1968- Ojo por ojo
1968- Si te encuentras con Sartana, reza por tu muerte
1968- Il suo nome gridava vendetta
1969- Oro sangriento (Sabata)
1969- Una larga fila de cruces
1970- Sartana en el valle de oro
1971- Y dejaron de llamarle Camposanto
1972- Un Colt in mano del diavolo
1973- ...E il terzo giorno arrivò il corvo
1973- Il Giustiziere di Dio
1973- Kung Fu nel pazzo west
1973- Mano rápida (Lo chiamavano requiescat Fasthand)
1973- La Banda de Jaider
1974- El hijo del zorro
1976- Keoma /// Reseña Adicional
1977- California /// Reseña Adicional
1985- Tex y el señor de los abismos
1987- Django 2: il grande ritorno (TEXTO 800 SW)